DesmenuzArte Mejor

Granos de Uva en el Paladar

2012-02-10T11:10:00.000-08:00

Granos de Uva en el Paladar
de Susana Hornos y Zaida Rico
Centro Cultural de la Cooperación, Sala González Tuñón
Av. Corrientes 1543, CABA
Jueves de febrero y marzo a las 21 hs.

por Rubén Sacchi

Granos de uva en el paladar es la representación de ochenta años en la historia contemporánea de España, atravesando el drama de la Guerra Civil y la dictadura franquista, pero con un aire de esperanza para las nuevas generaciones, en tiempos en que aún las instituciones están contaminadas de conservadurismo y los últimos días hemos asistido, con asombro, al desafuero del juez Baltasar Garzón, quien impulsaba las investigaciones de los crímenes de la Falange.
Una puesta absolutamente moderna y despojada asombra por su efectividad. En el escenario, sólo media docena de jóvenes actrices y sendos mantones serán lo absolutamente necesario para representar las diferentes historias y componer el vestuario apropiado para recrearlas. Seguramente, el espectador compartirá que eso es más que suficiente si de buen manejo del oficio se trata.

"Cuando yo me muera, tengo ya dispuesto en el testamento que me han de enterrar en una bodega, al pie de una cuba y con un grano de uva en el paladar” cantan los jóvenes al comienzo y la felicidad es una sola cosa gigante que ocupa corazón y mente de esos jóvenes que van abriendo sus ojos al amor. Claro que nada es tan idílico y la diferencia de clases se evidencia: "al labrador usted sabe que no le gustamos los señores, que como somos dueños de todo, somos distintos".
La historia, guionada por dos mujeres, tiene un inevitable punto de vista femenino y hace hincapié en su papel dentro de la República, ya que quizás fue la protagonista más evidente de los cambios que se producían en el seno de la sociedad y encontraba toda una vida fuera de los límites del hogar y la familia, ya sea estudiando, trabajando o incorporándose a las filas revolucionarias, claro que eso no era bien visto por las capas más altas ni por la Iglesia.
La pieza es conmovedora y quien haya apreciado lo desgarrador de la suprema obra de Pablo Picasso, el Guernica, podrá verlo representado en una escena de gran simbolismo y carga pictórica, para lo que también se echa mano a una iluminación sencilla pero tremendamente efectiva. La música original, a cargo de Gonzalo Morales, sustenta una pieza coreográfica notable.
La obra es la fusión de tres cuentos de Susana Hornos: Chusa, Adelina y La uva en el paladar y refleja hechos históricos de gran similitud con nuestro pasado reciente que conmueve y subleva. El elenco está integrado por actrices que, pese a su edad, reúnen un currículum nutrido y gran experiencia en las tablas.

Elenco:
Arantza Alonso: Miguel.
Lucía Andreotta: Chusa; Presa 1; Monja 1; Carmen.
Marta Cuenca: Paco; Pastora.
Clara Díaz: Paisana; Adelina; Milagros.
Sauce Ena: Doña Esperanza; Presa 2; Monja 2; Luis.
Ruth Palleja: Rosa; Presa 3; Monja 3; Felisa.

Equipo:
Dramaturgia y dirección: Susana Hornos y Zaida Rico
Iluminación: Mariano Arrigoni
Escenografía: Alejanro Mateo
Realización escenográfica: Cinthia Chomsky
Caracterización y vestuario: Néstor Burgos
Banda Sonora: Gonzalo Morales
Diseño de caracterización y vestuario: Néstor Burgos
Coreografía "Paco y Rosa": Antonio Luppi
Producción ejecutiva: Cooperativa "Granos de uva en el paladar"
Productor ejecutivo: Pablo Silva
Fotografía: Akira Patiño
Diseño gráfico: Sergio Calvo

Acerca de las directoras:

Susana Hornos
(La Rioja, España.1972)
Actriz, escritora y directora

Actriz licenciada en la Escuela de Arte Dramático de Zaragoza, complementa su formación con John Strasberg, Bernard Hiller, Assumpta Serna, Mariano Barroso, Helena Pimenta, Augusto Fernándes entre otros.
En España, comenzó en la compañía estable Teatro de La Estación, durante tres años trabajo en numerosos montajes de teatro clásico y contemporáneo. En Madrid trabaja bajo la dirección de R. Ballesteros y Cristina Marsillach y recorre el territorio español. En cine trabajó a las ordenes de Federico Luppi en la película Pasos, con guión de la propia actriz (revelación en el Festival de Toulouse ).
En Argentina en cine actuó en Verano Amargo, de J. C. Desanzo, La patria equivocada de C. Galletini, y La pasión de Verónica Videla de C.D.Pellegrini. En teatro en Buenos Aires estrenó en el 2010 La casa de Bernarda Alba, con dirección de Gonzalo de Otaola, y Don Juan, dirigido por Yoska Lázaro.
Dirigió a Mireia Gubianas y Zaida Rico en “Cómo si fuera esta noche” y recientemente “Ana y el Once de Marzo”, ambos dentro del ciclo Scriptum Est. Actualmente ensaya “La noche del Ángel” dirigida por Federico Luppi.

Zaida Rico
(Madrid, España.1983)
Actriz, dramaturga y directora.

Actriz licenciada en Arte Dramático por la Escuela Superior de Arte Dramático de Valencia. Complementa su formación actoral con Emiliano Bronzino del Piccolo Teatro di Milan; Arístides Vargas; Raúl Serrano; Assumpta Serna; Juri Krasovskij de la Academia de Arte Teatral de San Petersburgo; Jorge Sánchez y Ricardo Bartís.
Recibe la Beca de Casa de América de estudios de dramaturgia y dirección con Rodrigo García, Sergi Belbel, Fernando Rubio, Santiago García y Benjamin Galemiri. Además complementa su formación en dramaturgia con José Sanchis Sinisterra.
Diplomada en Ballet Clásico perfecciona diversas técnicas de danza contemporánea con Marta Carrasco, Butoh con Hisako Horikawa y entrenamiento corporal con Viviana Iasparra.
En España trabaja como actriz bajo la dirección de Cruz Hernández en “La traición en la amistad” y “La sangre de Antígona”; con Ximo Flores en “Parpadeos”; con Yoana López en “Container 26”; con Jorge Sánchez en “Mierdra! Ubu Rey”.
En Argentina trabaja como actriz en “De mí” dirigida por Juan Coulasso y Daniela Cuculiansky. Desde 201o forma parte de AEBA - Actores Españoles en Buenos Aires- y, además de ser parte del equipo de gestión y dirección, realiza diferentes trabajos como actriz: “La casa de Bernarda Alba” por Gonzalo de Otaola; “Don Juan Tenorio” por José Gamo; “Como si fuera esta noche” y “Ana el once de marzo” con Susana Hornos. Su último trabajo como actriz corre a cargo de Dora Milea en “Mujeres de ambas clases”.
Su primera obra como co-dramaturga y co-directora, junto a Susana Hornos, es “Granos de uva en el paladar”.

Fuera!

2012-02-03T09:22:00.000-08:00

Fuera!
de Leticia Vetrano
Teatro Timbre 4
México 3554, CABA
Jueves 21:30 hs (hasta el 8 de marzo)

por Rubén Sacchi

Es de agradecer que el temporal que se abatió sobre la ciudad de Buenos Aires ayer por la noche, no quitara mi deseo de asistir a la función de Fuera!, tampoco perdió su entusiasmo un numeroso público que llenó la sala de Timbre 4. Y si digo esto, es porque la obra compensa con creces cualquier mojadura.
El unipersonal de Leticia Vetrano reúne su condición de clown con cierta melancolía, propia de aquellas viejas películas mudas, esas que provocaban más de una carcajada pese al drama que atravesaba el personaje. Es inevitable que desfilen por nuestra memoria las desventuras chaplinescas o las desventuras de Keaton.

La historia que da marco a la actuación no es muy novedosa: una joven que perdió a sus padres pero respeta sus mandatos, como si la presencia de sendos retratos de los progenitores mantuviera la autoridad suficiente para hacer de la pulcritud una obligación y de la virginidad, ley. Hasta su cama conserva el tamaño de una cuna, donde la muchacha debe dormir en posición fetal. Pero si el tema es común a muchas obras, el desarrollo del conflicto es por demás original y permite que la actriz despliegue sus dotes actorales y un manejo corporal sorprendente. Y es que ese día es el de su cumpleaños y María Peligro se regala un aro de ula ula y un muñeco de goma, hornea una torta y se propone romper con su chata realidad.
Fuera! propone una mirada sobre la soledad y los mandatos ancestrales, intenta algunas alternativas al respecto y divierte con su resolución. Con una puesta sencilla, juega con un sonido simple, aunque efectivo. Luces sin estridencias, nada demasiado distractivo para permitir que la protagonista, residente en Bélgica, luzca lo que sabe hacer.

Ficha artística-técnica

Leticia Vetrano (como María Peligro)

Dirección: Micheline Vanderpoel
Coaching: Kevin Brooking
Diseño de luces: Thyl Benies
Vestuario: Natalia Fandiño
Escenografía: Cía. María Peligro Project y Micheline Vanderpoel
Producción: Cía. María Peligro Project
Co-producción: Espace Catastrophe (Bélgica)
Con el apoyo del Ministerio de la Comunidad Wallona Bruselas/Servicio de artes circense y artes de la calle.
Producción en Buenos Aires: Lila Monti
Fotografía: Caroline Frank - Clownin 2010 y Amondine Dooms
Prensa: Marisol Cambre

Bengala Hotel

2012-01-30T05:51:00.000-08:00

Bengala Hotel
Eugenia Coiro
Viajera Editorial, 2011
Poesía, 72 pp.

por Rubén Sacchi

Clavo, Bengala, Hotel. Tres palabras que surgen en la autora como posibles directrices de la obra. Un clavo en la pared del Hotel Bengala es la imagen que las agrupa, la excusa explícita, aunque se sitio no exista y sea un no lugar para poder hablar de su yo, de su construcción y sus fronteras.
Eugenia Coiro describe una bola como la metáfora que más se adapta a lo que todo lo abarca y lo engulle. Quizás, el tedio de los días y la ausencia de un amor amarillo (¿otoñal?). De cualquier manera, las explicaciones deben ser escritas “por pensadores, no por poetas”. Frente al naufragio amoroso, implora la salvación de un arca o la alegría de un baile. Atraviesa el canto engañoso de las sirenas y el de las palabras, que se camuflan y engañan, dejándola viva y presa.
Liliana Heer en Hamlet & Hamlet, esribe: “Tenue, muy tenue la frontera que separa el arte del delirio./ Almohada de carne fresca,/ nacimiento perpetuo”. Siguiendo esa imagen kafkiana, se adentra en “un laberinto/ (...)/ donde nos miramos/ pero no nos vemos”.
Bengala hotel es una clara mirada a “esa delgada capa translúcida que opaca y derrite los detalles”.

El saco de Douglas

2012-01-30T05:44:00.000-08:00

El saco de Douglas
Denise León
Paradiso Ediciones, 2011
Poesía, 64 pp.

por Rubén Sacchi

El saco de Douglas no aparece en las páginas del libro, sin embargo está allí, encabezando la historia. Tiene una presencia tan sólida como la ausencia; entonces ¿desde qué lugar puede contarse la contingencia de la inmigración? Una manera de hacerlo es hablando del padre ausente. Los poemas siguen un itinerario de dasarraigo y carencias y se dividen en tres momentos representados por sendos protagonistas. El primero corresponde a Luisa y transcurre en 1914. Los indicios hablan de un sitio en Europa, quizás Grecia, atravesado por la Gran Guerra y la opresión del ejército turco sobre la comunidad judía sefaradí, los turcos como sujeto avasallante y temible, con su consecuente secuela de dolor y miseria: “Cada una de las partes iguales en las que se divide el día se me aprieta el corazón...”. El padre huyó abandonando los zapatos, quizás para no ser oído, aunque para el pueblo judío, y en el imaginario popular, esa prenda cobre un valor simbólico mayúsculo a partir de las imágenes que trascendieron de los campos de concentración.
Es en este espacio donde Denise León escribe en dos lenguas, particularidad que no se repite en el resto del libro. Tal vez, una buena manera de referir una cultura que se va perdiendo, tradiciones que, a jirones, quedan en cada sitio por donde el emigrante transita: “escucha, Israel. Yo hablo una lengua muerta”.
Una segunda parte, Klara, se fecha en el 39, año en el que nuevamente resuena en el Viejo Mundo, el metálico ruido de la maquinaria bélica. Es el momento de seguir las huellas del padre y América es un destino posible. Salvar la vida no significa hacerla florecer: “Mi madre tenía sólo veinticinco años cuando escribió por desgracia vivimos todavía”, para agregar “del mismo modo que una herida arroja su propia luz fluyen las imágenes”.
La etapa final se titula Alegre y se ubica en 1971. Aquí, el protagonista es Chocho, el bebé que continúa la línea de sangre. La alegría de un niño, por momentos, modifica la atmósfera densa de los poemas pero, sutilmente y contra todo posible olvido, nos recuerda que “Las cicatrices pican”.
Al fin, la vida gira en un carrousell que la va secando, que le quita su capacidad de emocionarse y hasta pone en tela de juicio la existencia de Dios, o quizás no, pero le resta toda importancia y “el mundo no pesa más que la mano de un chico sobre los hombros”. Puede que la historia se explique en las palabras de George Perec: “ser emigrante era tal vez precisamente eso: ver una espada allí donde el escultor creyó, con total buena fe, poner una antorcha y no haberse equivocado por completo”.

Rostro ajeno

2012-01-30T05:39:00.000-08:00

Rostro ajeno
Gustavo Tisocco
Editorial Vinciguerra, 2011
Poesía, 32 pp.

por Rubén Sacchi

¿Qué es un rostro ajeno? ¿El de otra persona? o quizás sea nuestra faz, la que fue en otro tiempo, esa, tan familiar como lejana, que vive en la nostalgia y a la que nos referimos en tercera persona.
El rostro propio, aunque ajeno, nos habita en el recuerdo y uno de sus nombres más comunes es infancia: “la casa sigue ahí/ los fantasmas somos nosotros”. Pueden detenerse al unísimo todos los relojes, pero el tiempo no podrá ser abolido : “Inclementes,/ ríen los almanaques”.
Es que con el tiempo se van los seres queridos, los que acuerdan las reglas de la vida y los que rompen fatalmente toda norma biológica, como la muerte de un niño: “El niño (...)/ se transforma en pez/ y baila en el fondo/ azul y mineral de su dicha”.
Lejos van quedando las reuniones familiares, los juegos y la inocencia, porque “La vida es una fiesta de navidad/ que dura tan poco,/ demasiado poco.” que al siguiente amanecer, de lo que era pura alborada quedan sólo olores, sonidos, sensaciones como única herencia posible. Sólo eso y una sensación de muerte (“Ahora soy tumba”) llevaremos al final.

Léame

2012-01-30T05:34:00.000-08:00

Léame
Nicolás Di Candia
Viajera Editorial, 2011
Relato, 138 pp.

por Rubén Sacchi

Léame. Título perentorio, urgente,imperativo. ¿Qué encuentra el lector dentro del libro que justifique la decisión? En primer lugar, un ejercicio de relajación no demasiado recomendable; en segundo, una serie de relatos cuyo primer título, mientras nos adula, acerca una reflexión acerca del lector y la lectura.
El resto de los escritos forman un conjunto desolpilante de historias que pueden arrancar más de una sonrisa, pese a la torridez del verano, en algunos casos rayanas al surrealismo.
En sus páginas encontramos originales versiones de Alicia en el país de las maravillas, El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde y Frankenstein, donde lo absurdo y grotesco se dan cita para satirizar la flema inglesa o la figura insigne de Domingo F. Sarmiento, que regresa de la muerte para volver a morir. Fuera de eso, la vida transcurre entre señores con álamos en su cabeza y ríos de Coca Cola brotando de las canillas.
Léame es el primer título de narrativa con que Viajera Editorial incursiona en el género y lo hace de manera divertida y fresca, ideal para lograr la relajación que el inicio del libro propone sin demasiado éxito.

País de la sal / Libro de los últimos días

2012-01-30T05:05:00.001-08:00

País de la sal / Libro de los últimos días
Ramón Minieri
Ed. de autor, 2010
Poesía, 54/82 pp.

por Rubén Sacchi

El volumen se compone de dos obras del poeta patagónico. La primera, País de la sal, se integra de poesía seca, donde “la sed/ es un árbol sin párpados”; que no es la terrible suerte de no poder cerrar los ojos frente a la aridez del mundo, sino algo peor: la ceguera de “las hojas/ tendiendo/ al aire/ las mejillas”.
El paisaje estéril, como línea directriz, acompaña al niño otoñal que “atesora/ muerte más muerte roja/ en la vereda” y deja en claro que el nuevo día “tiene/ toda la edad del sol sobre la/ tierra”, porque “si algo/ amanece/ (...)/ es tu deseo”. Por eso, ante la yerma imagen, la esperanza es voluntad y “se empieza a construir/ (...)/ con la nostalgia de la casa/ que no existe”.
El Libro de los últimos días obedece a una estructura divina: Fin de los tiempos, muertes, juicios, infiernos, glorias. Sin embargo, aborda tópicos más terrenales: la pérdida del tren y sus connotaciones ideológicas “se desarma/ el encordado/ aquel/ de plata// de una/ patria// consonante”; el consumismo “si es posible viajar/ con el bagaje de la golondrina/ (...)/ alguien/ viene equivocándose” y el imperativo de un amor inevitable “las líneas de los mapas/ todas/ se curvan hacia vos”.

Luna Western

2012-01-30T04:54:00.000-08:00

Luna Western
Christophe Macquet
Paradiso Ediciones, 2011
Poesía, 224 pp.

por Rubén Sacchi

En el prólogo a El cuaderno rojo, de Paul Auster, Justo Navarro afirma: “...cuando el traductor escribe su libro, lo escribe con las palabras de otro hombre que no está en la habitación. Aunque sólo haya un hombre en la habitación, hay dos hombres que hablan en la habitación: cada uno habla en una lengua para querer nombrar las mismas cosas. El traductor se convierte en una sombra, fantasma del hombre que inventó las palabras que ahora inventa el traductor. La traducción es un caso de suplantación de identidad”.
Tal el caso de esta edición de Luna Western, más que traducido, reinterpretado por Lisandro Llano en un particular caso de “doble escritura”. Si bien el cuerpo central de la obra conserva alguna correspondencia con el texto francés, la epigrafía y el epílogo pueden leerse como obras completamente diferentes.
Luna Western puede definirse como un largo poema donde autor y traductor tensionan en un contrapunto expresivo, mientras la fonética (l’Anneau/Lanús) tiene el peso de un diccionario y el axioma italiano “traduttore, traditore” llega al climax en “c’est une traduction” leida como “es una traducción (¿de qué?)”.

La invención de lo real

2012-01-30T04:34:00.000-08:00

La invención de lo real
Walter Iannelli
Ediciones Simurg, 2011
Novela, 168 pp.

por Rubén Sacchi

Un hipotético futuro, no demasiado lejano, nos enfrenta con nuestros vecinos chilenos en una especie de guerra fría: espionaje y contraespionaje dan a la novela un tono detectivesco.
Hay guaridas secretas en los Andes, extraños y mutilados personajes y hasta un plan de Oriente en el que María Kodama y Yoko Ono parecen parte de una misma conspiración. También hay amor y literatura.
En ese marco, con mucho de humor y algo de intriga, Iannelli cuestiona la realidad y su construcción, dando sustento a las palabras del poeta belga Henri Michaux: “Se tiene el deseo de escribir una novela y se escribe filosofía”.
Es cierto que hay tantas realidades como pares de ojos que la observen, por y para ello el autor plantea una regla práctica de orientación: “Se vive en el mundo que se puede comprender (...) El otro mundo, el que escapa a la percepción, no es verdad ni mentira. Simplemente no existe”. Y en esa lógica, revoca cualquier conjetura determinista: “Las cosas más terribles o más hermosas no significan nada de nada. No tienen mensaje alguno. Simplemente suceden”.

Economía social y solidaria

2011-12-18T16:09:00.000-08:00

Economía social y solidaria
Joaquín Escobar
Ediciones Amaru, 2010
Ensayo, 80 pp.

por Rubén Sacchi

El estudio del lenguaje nos muestra que dos palabras, cualesquiera, pueden combinarse para conformar una oración. No obstante, la práctica muchas veces nos enseña la dificultad o imposibilidad de hacerlo.
Desde hace varias décadas, hay palabras que se divorciaron y las frases que las agrupan pasaron a ser un oxímoron. Así, la palabra economía jamás podría adjetivarse de social y, mucho menos, solidaria.
Pero como se sabe, el lenguaje es algo dinámico, que se adapta a los tiempos y realidades de los grupos que lo hablan. Por ello, en homenaje a la utopía y la movilidad de la historia, Joaquín Escobar retoma esa función primera de la economía en este ensayo que analiza la transformación que se viene dando en los procesos de producción, sobre todo a través de la recuperación de empresas por parte de los trabajadores y el rol del Estado en este nuevo tipo de relación laboral.
De este trabajo escribió el Embajador Eduardo Sigal: “Todo el texto transmite pasión militante, compromiso social y un gran esfuerzo teórico de análisis que lo convierte en una gran herramienta política”.

Tomás y el espejo

2011-12-18T16:03:00.000-08:00

Tomás y el espejo
Diana Sánchez
Edición de autor, 2010
Cuento, 16 pp.

por Rubén Sacchi

Un niño, en el duro proceso de aprendizaje, muchas veces genera una relación particular con el espejo, lo que en psicología se llama “el mudo”.
En la historia de Tomás, el espejo es un elemento recurrente y cómplice, que lo ayuda a crecer e identificarse hasta lograr afirmarse a sí mismo y sentirse, en alguna medida, independiente.
El cuento, compuesto de media docena de pequeños relatos, refiere la vida de un pequeño desde sus primeros meses hasta pasado el primer año, y atraviesa los hitos que lo van marcando: las reuniones familiares, las ceremonias religiosas, las vacaciones y sus primeros pasos.
Apela al recurso del lenguaje interior del pequeño, como si la barrera que separa la idea de la palabra fuese solo una cuestión de práctica y su manejo le viniera dado desde el alumbramiento.
De esa manera, nos cuenta en primera persona lo que va sintiendo y qué cosas llaman realmente su atención. La mayoría de las veces, sus proyectos se truncan o fracasan por completo, pero una atmósfera de buen humor nos ubica en la supuesta mentalidad de quien tiene para lograr su cometido toda una vida por delante.

Poetas depuestos

2011-12-15T09:31:00.000-08:00

Poetas depuestos
Autores varios
Editorial Punto de Encuentro, 2011
Poesía, 268 pp.

por Rubén Sacchi

¿Qué tienen en común Leopoldo Marechal, María Granata, José María Castiñeira de Dios, Nicolás Olivari, Arturo Jauretche, Fermín Chávez y Alfredo Carlino? ¿y éstos, a la vez, en qué se relacionan a casi otro centenar de poetas? La respuesta es sencilla: todos son peronistas y alguna vez dedicaron sus versos a ese líder, su mujer o al movimiento que éstos representaban. Algo más importante que una iconografía visto que la historia argentina, del 45 a la fecha, se ve atravesada por eso que muchos consideran “un sentimiento” más que una ideología.
Esta antología que, a modo de subtítulo apunta “de poetas peronistas de la primera hora”, conlleva un valor superior: un trabajo de investigación exhaustivo que el poeta Gito Minore llevó a cabo en bibliotecas y archivos pesquisando los autores que la conforman.
Seguramente no se encontrará un nivel literario parejo. Muchos de los poetas fueron simples aficionados motivados por una pasión, sin embargo, cada uno de ellos conformó una manera de pensar y sentir que hoy, gracias a este esfuerzo editorial, sacude el polvo con que el olvido, muchas veces de tufillo gorila, los había ocultado.

El precio

2011-12-15T09:12:00.000-08:00

El precio
Andrés Rivera
Ediciones Razón y Revolución, 2011
Novela, 216 pp.

por Rubén Sacchi

Si hay algo cierto en estos tiempos, es que la política ha vuelto a ser tema de debate entre la gente y, lo que resulta más auspicioso, entre los jóvenes; pero es igual de verdadero que el nuevo discurso parece ir en una sola dirección como si el paradigma hubiera mudado y, a la vez, resultara incuestionable.
Es mejor el exceso de aire que su ausencia, pero si ésta asfixia la otra, en una misma dirección, también ahoga y el resultado final sigue siendo el mismo: la muerte. Y cuando lo que se intenta oxigenar son las ideas, lo que muere es el pensamiento como factor cuestionador y constructor de la Historia.
En ese sentido hay que celebrar la aparición de la Biblioteca Militante, que la editorial Razón y Revolución lanza a las librerías en ediciones cuidadas y económicas que pondrán al alcance del lector crítico, 250 títulos divididos en cinco colecciones: Historia Argentina; Arte y Filosofía; Básicos del Socialismo; Problemas Contemporáneos y Literatura en Acción.
Esta última incluye obras casi inhallables, como la que nos ocupa, primera novela de Andrés Rivera de la que el autor casi reniega, pero que aporta una visión acabada del sindicalismo y las relaciones laborales del período pre y post 1945, año en que las masas movilizadas llevan al poder al, entonces, Coronel Juan D. Perón, todo expuesto en un marco social no excento de pasiones humanas, donde lo mejor y lo peor de ellas se evidencia. El trabajo sobre el diálogo interior de los personajes acerca una interesante visión de la psicología de los diferentes actores y la derivación en sus actos.
Hay párrafos memorables que grafican maravillosamente la alienación del obrero en un sistema de producción capitalista: “Son las ocho de la mañana. Dentro de seis horas termino el turno. Seis horas más tendrán estas paredes, seis horas más de electricidad en el reloj, treinta metros más de tela; (...) seis horas se habrán desvanecido en el tiempo, en mis venas, (...) en las venas del mundo”. Y ¿qué sociedad puede construirse bajo ese sistema que genera desasosiego y angustia en sus habitantes?: una violenta e insolidaria, y Rivera la pincela así: “Un hombre iba a morir en Buenos Aires. Un hombre. Apenas eso: un hombre. ¿Cuántos mueren, desaparecen, son devorados por la ciudad, en silencio, sin ruido, sin protesta?”.

Duff McKagan’s Loaded

2011-11-25T05:09:00.000-08:00

Duff McKagan’s Loaded
El Teatro Colegiales
Federico Lacroze 3455, CABA

por Diego Luis Forte

Si bien los ex – Guns ’N’ Roses no tienen el mismo grado de exposición mediática que tenían en la primera mitad de los noventa parecen mantener una legión de fanáticos treintañeros que sostienen su fidelidad a base de tickets. A ellos se suma una nueva generación de niños (hermanos, sobrinos e hijos de la primera generación gunner) que, si bien molestan constantemente y entorpecen el disfrute del show, también pagan sus entradas y son los principales responsables de que el rock mantenga su glamour.
En cuanto a los músicos, el menor grado de exposición mencionado al parecer les brinda un espacio más amigable para trabajar. Tanto los discos como los shows de Duff y Slash suenan más espontáneos ahora de lo que lo hacían en los noventa cuando la banda tenía que cumplir una rigurosa agenda. La experiencia también se nota, tanto en el desarrollo en vivo como en estudio y el sonido es contundente.

Durante el show de tres horas Duff no para de correr. Canta, salta, sube y baja del escenario. Habla con la gente, esquiva escupitajos y vasos de cerveza con una habilidad increíble y a la vez domina la escena sin ningún tipo de esfuerzo haciendo que Angus Young parezca una abuela cansada. Le revolean corpiños, cigarrillos e incluso una camiseta de la selección que se pone durante el único momento en el que para cuatro segundos para tomar un Red Bull.
La banda suena compacta y se muestran sólidos sobre el escenario. En tres horas sin descanso Loaded ofreció un show impecable. Sin sorpresas, es cierto, pero sin decepciones. Veintisiete temas de los discos de Loaded, GNR y Duff sin pausa para calmar a un público que a la medianoche se negaba a dejar el lugar.

Estado de ira

2011-11-08T07:58:00.000-08:00

Estado de ira
de Ciro Zorzoli
Teatro Metropolitan
Av. Corrientes 1342, C.A.B.A.
Lunes, 21 hs.

por Rubén Sacchi

Muchas versiones se hicieron de Hedda Gabler, de Henrik Ibsen. Daniel Veronese la recreó el año pasado en Todos los grandes gobiernos han evitado el teatro íntimo, pero esta puesta de Ciro Zorzoli resulta por demás original. Al mejor estilo de las cajas chinas (o, para quien prefiera, las muñecas rusas) pone una obra dentro de la otra en el contexto de un ensayo, que hace las veces de marco para desarrollar un sinfín de situaciones desopilantes.
Un viejo teatro ha sido recuperado por la función pública para la preparación de obras auspiciadas por el gobierno. A él llega una primera actriz que intentará preparar a Ibsen con la ayuda de un equipo que, con escaso tiempo y sin recursos, tornará la placentera situación en un caos.

Todos hacen todo. Ninguna escena es terminada por quien la comienza y los actores rotan los papeles y las tareas para convertirse en apuntadores y, eventualmente, en utileros. Claro que, como buenos empleados estatales trabajan a reglamento y no titubean en dejar un cuadro a medias si de la hora del almuerzo se trata. El elenco es numeroso e incluye una becaria, figura infaltable en la administración pública.
La obra es, entre otras cosas, una reflexión acerca de la relación entre arte y oficio, lo común que hay en ellos y cómo, llegado el caso, pueden ubicarse en las antípodas. Con excelentes interpretaciones y una Paola Barrientos impecable, la pieza proporciona una buena dosis de humor que invita a más de una carcajada, todo abarcado por un trabajo de marcación actoral sin fisuras, como hace rato no se ve en obras de tamaña dinámica.

Equipo:

Asistencia artística: Gabriel Baigorria
Iluminación: Eli Sirlin
Escenografía y vestuario: Oria Puppo
Fotografías: Ernesto Donegana
Prensa: Duche & Zárate
Asistencia de producción: Gabriel Bitterman
Coordinación de producción: Romina Chepe
Dramaturgia y dirección: Ciro Zorzoli

Elenco:

Paola Barrientos
Pablo Castronovo
Carlos Defeo
Marina Fantini
Valeria Lois
Vanesa Maja
Cecilia Meijide
Dalila Romero
Diego Rosental
Gabriel Urbani
Diego Valenzuela

Escritos musicales V

2011-11-04T09:34:00.000-07:00

Escritos musicales V
Theodor W. Adorno
Ediciones Akal, 2011
Ensayo, 880 pp.

por Rubén Sacchi

De la corriente de teoría crítica denominada Escuela de Frankfurt, surgió una generación de filósofos de gran lucidez, como Max Horkheimer, Herbert Marcuse y Georg Lukács. Entre ellos, Theodor Adorno, que abordó diferentes tópicos y dejó memorables y profundos escritos acerca de las principales disciplinas del arte, sobre todo de la música. Él mismo compositor, desgranó en cientos de artículos y conferencias, las partituras que componen las piezas sobresalientes en la historia musical. En este volumen, quinto en la materia, encara sus distintos estilos, desde la docta hasta la popular.
No es un texto sencillo pero, siguiéndolo con atención, modificará nuestra manera de oír y disfrutar música, lo que define como “la formación musical en un sentido más digno del hombre que el meramente informativo...”
Admirador de Arnold Schönberg, dice de su música que es “...el más riguroso y extremo cumplimiento de la idea compositiva centroeuropea, del estilo (...) exhaustivamente formado, en el que todos los elementos están relacionados entre sí”.
Un texto de avanzada que además alerta y anticipa que “La reificación del arte es el resultado de una evolución socioeconómica que transforma todos los bienes en mercancías”.

Ruedas en los palos

2011-10-30T17:30:00.000-07:00

Ruedas en los palos
Presenta Trío
Producción independiente, 2010

por Rubén Sacchi

Un bajo cacheteado al mejor estilo de Víctor Wooten y dedos que recorren su diapasón como si de un stick se tratara; parches que parecen contrapuntear en actitud sincopada, ambos instrumentos para recibir el despertar de una guitarra ecléctica “vidaleando“ Por eso vengo, tema que da comienzo al CD Ruedas en los palos, del grupo Presenta Trío.
El segundo trabajo de estos singulares músicos cordobeses incluye doce temas del cancionero popular, no sólo folklórico, Carlos Gardel y el Flaco Spinetta se dan cita en la placa, empaquetada con un arte de tapa que remite al “jackeano” mundo de Tim Burton.
Si el disco resulta un producto destacable, el show en vivo de la banda es un lujo: desde un tango con aire de bossa nova hasta La que se queda, del Dúo Salteño con exótico vuelo punk. Presenta Trío no versiona temas, sus arreglos novedosos hacen que cada una sea varias versiones posibles de la misma canción, en un sinfín de matices rítmicos.
Los músicos, que niegan ser rebeldes pero se asumen como power trío, se ubican “siguiendo la línea de la exploración de la música popular, sin repetir fórmulas, lo que resulta enriquecedor”. Confiesan haber enfrentado alguna que otra incomprensión de parte de oyentes apegados a formas tradicionales pero que, en líneas generales, han tenido buena recepción, algo habitual en los casos en que se rompen esquemas.
El filósofo Theodor W. Adorno manifestaba en sus Escritos musicales, a propósito de la “nueva música” y sus detractores: “...el intento de contrastar entre sí dos mundos históricos de la música totalmente independientes el uno del otro es tan infructuoso como la ceguera para lo esencial que ha cambiado”.
El conjunto, cuya producción fue llevada a la pantalla como banda sonora de diversos documentales, lleva casi diez años en los escenarios e integra la organización UPA, Músicos en Movimiento, de la provincia de Córdoba, que nuclea músicos independientes.
La placa, netamente eléctrica a diferencia de su anterior (Free folklore, 2007), los encuentra en la siguiente formación: Marce Martina: batería y coros; Maxi Bressanini: voz y bajo y Bachi Freiria: guitarra y coros.

Las malas palabras

2011-09-07T12:40:00.000-07:00

Las malas palabras
Ariel C. Arango
ACA Ediciones, 2010
Ensayo, 236 pp.

por Rubén Sacchi

Si suponemos la palabra como representación de una idea, necesariamente nos preguntamos: ¿existen las malas palabras o hay solo malas ideas? o, lo que es más, ¿no es la subjetividad individual la que les da tal categoría?
Un recorrido por el catálogo de vocablos prohibidos por las convenciones sociales nos lleva inevitablemente a dos territorios clave: el sexo y lo escatológico, sus combinaciones y variantes.
La cuestión es abordada por el Licenciado Ariel C. Arango, quien de manera casi lúdica nos propone un paseo por las diferentes culturas y sus temas considerados tabú. La descripción de grandes obras de la plástica y la literatura, profusas en alusiones o, más aún, en explicitudes al respecto, sazona las páginas del libro, mostrando a respetados autores proferir palabras hoy cuasi criminalizadas, aunque aceptadas en otros tiempos u otras latitudes como correctas y hasta de buen gusto.
Hace un par de meses, el libro fue llevado al teatro en una magistral interpretación, casi literal; sin embargo, una cosa no quita la otra. Nada reemplaza el deleite de pasar las hojas en esa íntima ceremonia de la lectura que, una vez concluída, nos permita llegar a tiempo a la sala.

La biblioteca de mi padre

2011-09-07T12:29:00.000-07:00

La biblioteca de mi padre
Diana Sánchez
Edición de autor, 2010
Cuento, 20 pp.

por Rubén Sacchi

Cierta vez, mi nieto Agustín, de tres años, pidió que le contara un cuento. Era tarde y estaba cansado por lo que apelé a mi memoria para evitar salir de la cama. Ni bien comencé me dijo: “Ese no, uno de veras”, ante mi sorpresa agregó: “uno de pasar las hojas”. No hubo más remedio que bajar las escaleras y escoger un volumen impreso. A partir de entonces, comprendí que la culpa era nuestra, que lo habíamos estimulado con libros desde la cuna. Ese contacto con el objeto-libro lo marcó para siempre.
En esta historia, Diana Sánchez habla de una niña pequeña, que no sabe leer. Sin embargo, clandestina en la biblioteca paterna, toma un libro, lo abre, lo acaricia e imagina una historia, la ve, casi la vive. Ese lugar pasa a ser escenario mágico de sucesivas complicidades entre ambos personajes.
La historia incluye otros relatos que, encadenados, componen una especie de diario de vida. Con sus capítulos alegres y de los otros, los que abundan, aunque no nos percatemos porque, como decía Eduardo Galeano: “Requiere más coraje la alegría que la pena. A la pena, al fin y al cabo, estamos acostumbrados".

El rock de los limbos

2011-09-07T12:23:00.000-07:00

El rock de los limbos
Carmen Iriondo
Paradiso Ediciones, 2011
Poesía, 64 pp.

por Rubén Sacchi

Ni cielo, ni infierno. El limbo es el sitio donde van las almas que no alcanzaron estado de gracia. El lugar de los parias celestiales, con menos derechos que los pasajeros del purgatorio. En medio de ese flotar (como en la barca de Caronte) El rock de los limbos aparece como oxímoron; o como un punto de ruptura con aquel fluir pasivo.
La vida y la muerte en disputa, debajo “el lago de hielo” donde “una patinadora/ corre riesgos”, mientras “un cuervo sobrevuela”, condice con la apertura del libro: cuando uno testa para que esa última voluntad se la coman las ratas, “no hay nada que decir”.
La metáfora pone en el cementerio “coronas de primavera falsa” y viste a la violinista Jacqueline Du Pré de amarillo, color de “agüero/ umbrío para el allegro en floración de tus tendones”.
La niñez arropada en la clásica siente irrumpir una juventud de rock y mayo francés: “aspiraban a todo en tiempos juveniles/ …/ cruzaban el puente cubierto de ignorancia”. Las notas de Manuel Rego dejan paso al “inmanente sonido rabioso de ser joven/ y crearle ruidos a la violencia”, pero la maravilla musical provoca la inevitable fusión y “saint saëns besa a Pappo antes de acabar”.

El amhor, los orsinis y la muerte

2011-09-07T12:18:00.000-07:00

El amhor, los orsinis y la muerte
Néstor Sánchez
Paradiso Ediciones, 2011
Novela, 296 pp.

por Rubén Sacchi

Con este volumen, la editorial Paradiso completa la reedición de la obra del escritor Néstor Sánchez que, si bien no entra en la categoría de “escritor maldito”, no es merecidamente valorado.
El amhor, los orsinis... retoma la línea narrativa y la atmósfera de Siberia blues, quizás su trabajo más emblemático. Dueño de una prosa harto metafórica, alardea, como quien baila un tango, de maravillosos firuletes para plasmar una situación que, de otra manera, resultaría
trivial, como el hombre que apoya a una mujer en el colectivo.
Estudios en profundidad del trabajo intentan desentrañar el hermetismo de ese estilo distante, como visto de afuera, y explicar detalles que parecen caprichosos, como la “h” de “amhor”. Al respecto, escribió Osvaldo Lamborghini (Revista Periscopio, 1969): “Un análisis desde el punto de vista fonológico (...) podría estudiar el valor de esas dos haches silenciosas, la de marihuana y la de amhor: el sostenido rigor de la novela impide pensar que esa relación es puramente casual”.
Tamaña afirmación, permite al lector intentar una mirada de tinte alucinógeno, que no por tal evitará la tragedia, casi como ropaje de los protagonistas.

Un año

2011-09-05T17:43:00.000-07:00

Un año
Jean Echenoz
Mardulce, 2011
Novela, 80 pp.

por Rubén Sacchi

¿Cómo es despertar y hallar a nuestro lado, en la misma cama, un muerto? Esto le pasó a Victoire y si bien la historia no pareciera escapar al común con otros cientos de ellas que se plantean de igual forma, no es precisamente el caso de Un año.
Es que esta bella mujer no atina a recordar nada y, ante la duda de su posible culpabilidad en el deceso, hace su maleta, toma un taxi hasta la estación de Montparnasse y comienza, en un tren, un viaje que tiene algo de huida y vagabundeo.
Con un lenguaje moderno, Echenoz describe al personaje como alguien que escapa continuamente, mudando de lugares mientras deja en el camino parte de sus bienes personales. Esa reducción, voluntaria o contingente, la acorrala en la indigencia. Una historia posible en un mundo en el que la realidad parece resbalar por la epidermis sin lograr penetrar los poros.
El periplo ocupa doce meses, un ciclo que, como tal, vuelve al origen, al París en que dejó un cadáver sobre la cama. Allí, un encuentro casual pone las cosas en otro orden. Maravilloso e inesperado final que hará que nuestra mente siga buscando las explicaciones posibles.

Combatientes de Perón, herederos de Cristo

2011-09-05T17:40:00.000-07:00

Combatientes de Perón, herederos de Cristo
Humberto Cucchetti
Prometeo libros, 2011
Ensayo, 436 pp.

por Rubén Sacchi

“Con el fusil en la mano y Evita en el corazón, Montoneros, ¡Patria o muerte! para la liberación”, retumbaba el cántico de la columna que, bajo pancartas de Montoneros, arribaba a Plaza de Mayo. La letra explicitaba una interpretación del peronismo que difería sustancialmente de la de otros sectores cercanos al viejo líder; la música, coincidía con la legendaria Marcha Peronista. Ambas facciones estaban decididas a dar el aliento por Perón y los unos cobraron las vidas de los otros. Dos proyectos de país bajo una misma bandera.
Estas relaciones, difíciles de explicar, son parte de la materia que aborda el libro de Cucchetti. Partiendo de la Resistencia Peronista, la formación de Guardia de Hierro y la Organización Unica del Trasvasamiento Generacional, recorre las diferentes experiencias armadas, no sólo de ese signo, sino también las de origen y praxis marxista, como fue el Partido Revolucionario de los Trabajadores y su brazo armado, el Ejército Revolucionario del Pueblo, que compartiera operaciones con organizaciones peronistas.
Para echar luz sobre esa porción de la historia y la dinámica que la caracterizó, acude a una abundante bibliografía especializada, cuyas conclusiones al respecto no son siempre coincidentes, motivo que hace más rica la información al poder visualizar gran parte del abanico de ideas que nacieron de los diferentes estudios, como también de testimonios de los actores contemporáneos a los sucesos. Tales fuentes difícilmente resulten asépticas, sino que inevitablemente estarán teñidas de ideologías contrapuestas que propondrán una interesante variedad de lecturas.
La idea del ensayo, de vincular aquella práctica con la religión secular, en ocasiones obedece a la relación directa de los protagonistas con organizaciones religiosas (Acción Católica, Juventud Universitaria Católica, etc.) y en otras, a la sacralización de la lucha, cuya evidencia quizás más fuerte se halle en la consigna acuñada por entonces de “Patria o Muerte” o en el panfleto anónimo que se reproduce en el libro: “... solamente Nostros mismos nos salvaremos a Nosotros Mismos, así la victoria estará próxima, tanto como el amanecer lo está de lo más oscuro de la noche”, donde las mayúsculas santifican la pluralidad.
Un interesante recorrido entre el militante de base devenido en cuadro, que supone un “profesionalismo” de la práctica política.

La ingratitud

2011-09-03T08:03:00.001-07:00

La ingratitud
Matilde Sánchez
Mardulce, 2011
Novela, 176 pp.

por Rubén Sacchi

La ingratitud es materia de las relaciones humanas. Difícilmente las haya sin que, en algún momento, pensemos que no merecíamos esa devolución.
En la novela de Matilde Sánchez, las situaciones en general llevan a ese resultado: la relación de la protagonista con su lejano padre; la de Ramón y Georgia con su país natal; la de aquella con el turco y la de éste con su familia; también la de los vecinos polacos y la de ella con el perro de los mexicanos. Quizás, opera en todos una inercia contagiada del marco de soledad que da el paisaje del duro invierno alemán, interior y exterior y, concede el personaje: “aceptar siempre es más sencillo que negarse”.
Largas cartas a un padre que responde algunas líneas, todo inmerso en una lengua “que sirve solo para dar órdenes”, la búsqueda del teléfono como alternativa arroja similar resultado. Quizás, su propia reflexión acerque una respuesta: “...somos seres parlantes. Por eso, enmudecer es la primera condición para permanecer al margen”.
La sombra de Nietzsche sobrevuela la historia, aunque solo se lo aluda como el Filósofo y es ante su tumba donde atina una respuesta: “....todo el tiempo, mi padre y yo hemos estado viviendo en un mismo lugar".

7º Encuentro de Escritores Eldorado 2009

2011-09-03T08:00:00.000-07:00

7º Encuentro de Escritores Eldorado 2009
Autores varios
Th Barrios Rocha Ediciones, 2011

por Rubén Sacchi

Todos los años, la localidad misionera de Eldorado recibe calurosamente la visita de escritores de todo el país. No faltan, además, visitantes extranjeros que se adentran en los misterios de esa querida selva para dar testimonio de su quehacer literario y artístico, ya que disciplinas como la plástica, la música y el teatro son invitados de lujo a la fiesta y evidencian cuán cerca se encuentran los creadores.
Cada año, también, de esa maravillosa reunión surge una antología, que reúne los trabajos de los participantes al evento, que es difundida en diferentes medios de comunicación.
En todas las oportunidades, los encuentros llevan una consigna que los identifica del resto. En el caso que nos ocupa (año 2009) la misma fue: Leyendo leyendas y se ocupó de socializar distintas historias de tinte local, que la tradición oral hizo recorrer por varias generaciones, llegando hasta nuestros días y formando parte de nuestro más rico acervo cultural.
Los encuentros son organizados por Theo Barrios y el próximo tendrá lugar del 4 al 6 de noviembre del corriente, bajo el lema Página en blanco. Será una buena oportunidad para escribirla.

Otro amanecer

2011-09-03T07:48:00.000-07:00

Otro amanecer
Nuri Escorza
De los cuatro vientos, 2005
Poesía, 88 pp.

por Rubén Sacchi

El libro de Nuri Escorza es un álbum de instantáneas que retratan imágenes precisas, recortes de un paisaje más vasto pero igual de representativo y, en estos pantallazos, la escena siempre incluye la presencia del hombre.
Los poemas son, en ocasiones, brevísimos. No derraman palabras en largas disquisiciones, sin embargo, poseen un gran poder descriptivo. La síntesis es uno de sus mayores atributos.
Entre esa síntesis, sus versos se muestran contradictorios y pasean a la poeta entre la esperanza y la desesperanza. Escribe en Barrilete: “Sola, empecinada como el viento,/ encumbro barriletes,/ tenso los hilos de mis sueños/ para alcanzar altura”, para agregar en Sin esperanza: “La bruma de la mañana/ invade los espacios colmados de nada./ .../ y la ceguera del corazón/ palpita sin esperanza”. Esa posición filosófica la lleva a hablar de “nefastas utopías” y más tarde a abrazarlas “negando la cercanía del horizonte”, motor de los ideales.
Quizás esa visión del destino provenga de la fe evidenciada en Clamor: “Estalla el lamento que requiere justicia/ y se siente -estruendoso- el clamor del hombre.// La rebelión abre sus brazos.// En cruz”.

Pies de lana

2011-09-03T07:40:00.000-07:00

Pies de lana
Norma Francomano
Ediciones Uñum Hue, 2010
Novela, 112 pp.

por Rubén Sacchi

Pies de lana no refiere, como la picardía popular puede suponer, a un caso de adulterio, sino a otro tipo de tragedia menos personal, abarcativa de toda la especie humana.
En la novela, el hombre tiró demasiado de la soga y provocó un cataclismo tal, que dividió virtualmente el planeta en dos mitades que coexisten de manera independiente. O no tanto.
Es que Rómulo -nombre perfecto para una fundación- munido de zancos, transpone el límite de esos mundos buscando, no otra vida, sino la vida misma, y la encuentra.
Lindando con la tradición de la novela utópica, desarrolla el paradigma de “volver a empezar”; de la búsqueda de una tierra prometida donde vivir sea el objetivo diario y el amor y la solidaridad la moneda de cambio.
A través de sus páginas hay una tremenda interpelación a la sociedad posmoderna y el papel de la ciencia, poniendo a la clonación y la energía atómica en medio de la escena.
Escribe Walter Ianneli: “esta novela nos invita a hacer un recorrido en el que las facturas de luz y de gas, el noticiero y las cuentas bancarias ya no tienen demasiado sentido”.

Alquilé tu vientre

2011-09-02T11:44:00.000-07:00

Alquilé tu vientre
de Eduardo Grilli
Paseo La Plaza, Espacio Colette
Corrientes 1660, CABA
Sábados 21 hs.

Por Diego Forte

Pablo Rodríguez Albi dirige esta puesta de la comedia de Eduardo Grilli en el Paseo La Plaza. La obra presenta una situación disparatada, sólo posible a comienzos del siglo XXI: una hija divorciada y con hijos (Susana Giannone) ve su vientre súbitamente alquilado por un extranjero rico (Gonzalo Bendelé), merced a un trato con su madre (Jorge Sosa). La dinámica de la obra recuerda por momentos la estructura de sitcom norteamericana. Las escenas entre madre e hija construyen un frágil equilibrio que el inquilino tiende a demoler aún cuando no aparezca en escena.
Susana Giannone se muestra muy desenvuelta en un papel que parece escrito para ella. Si bien el personaje de Jorge Sosa abunda en elementos conocidos, él se las ingenia para volverlos muy graciosos, aún cuando habían dejado de serlo hace mucho tiempo. Igualmente no puede dejar de notarse el hecho de que el travestismo casual es un valor agregado a la actuación.
Gonzalo Bendelé se suma a la transgresión de barreras por medio de la ropa, creando un personaje que acelera la acción de la comedia.
Con una trama divertida y actuaciones a la altura, la obra ofrece una muy buena forma de comenzar temprano una noche de sábado.

Elenco:

Susana Giannone
Jorge Sosa
Gonzalo Bendelé

Equipo:

Fotografía: Daniel Bericua
Maquillaje: Silvia Del Curto
Sonido: Ernesto Giannone
Diseño Gráfico: Pablo Rodríguez Albi.
Asistencia General: Vanesa González Gallo
Asistencia de Dirección: Gonzalo Bendelé
Dramaturgia: Eduardo Grilli
Dirección: Pablo Roríguez Albi

Una mujer en campaña

2011-08-27T08:08:00.000-07:00

Una mujer en campaña
de Mariano Moro
Moliére Teatro-Concert: Balcarce 682, CABA
Viernes 20:30 hs.

por Rubén Sacchi

Tiempos hubo en que la política era algo corporal. La militancia en las bases suponía litros de transpiración para lograr votantes y los hechos concretos debían acompañar la palabra. Hoy, esa práctica se ejerce de manera muy diferente, el marketing lo es todo y una buena o mala campaña publicitaria puede definir resultados.
También los políticos son hoy otra cosa: modistos, peluqueros y cirujanos plásticos pasan por ellos antes que éstos por las tribunas. No interesa tanto qué se dice, sino cómo y a quién, aunque los anales de la campaña puedan reunir las peores burradas, evidenciar ignorancia supina y hasta posiciones reñidas con la convivencia y la tolerancia, principios mínimos a tener en cuenta si se quiere una sociedad donde puedan convivir sus distintos actores. Todo eso puede taparse con una sonrisa pícara y ojos azules.

Ese es el eje de Una mujer en campaña, unipersonal de María Rosa Frega (La suplente) que incursiona sarcásticamente en el áspero terreno del poder. Con buena carga de ironía, desnuda una clase política ajena a las necesidades de las masas y obnubilada por los flashes fotográficos. La vocera, mediante un monólogo hilarante, relata un pasado de lo más oscuro y exhibe su gran carga de discriminación y xenofobia.
La protagonista no sólo revela una fabulosa plasticidad expresiva, sino que también incursiona en el canto, y lo hace muy bien, claro que manteniendo el clima jocoso de la pieza. Completan la propuesta, la sencillez en la puesta y las luces -la circunstancia no exige gran despliegue- y un sonido que llega con nitidez a cada una de las mesas de la sala.
Vale la pena intentar divertirse con algo que, urna mediante, manejará el resto de nuestros días.

ELENCO:

La mujer: María Rosa Frega

EQUIPO:

Produccion: Sebastian Ezcurra y Juan Iacoponi
Diseño de luces: Mariano Moro
Escenografia: Edgardo Aguilar
Vestuario: Maria Rosa Frega
Fotografia: Juan Borraspardo
Prensa: Duche&Zarate
Diseño grafico: Punto Ahi
Dramaturgia y dirección: Mariano Moro

Aún el viento. El nudo de sangre

2011-07-20T07:21:00.000-07:00

Aún el viento. El nudo de sangre
de Máximo Salas,
sobre idea de Silvia Kalfaian y Máximo Salas
Teatro Pata de Ganso
Zelaya 3122, CABA
Sábados 20:30 hs.

por Rubén Sacchi

Un lugar en Latinoamérica, cordillera de Los Andes. A un refugio de montaña llegan un chamán, una hechicera y una mujer blanca, que no es cautiva sino una europea que ha sido infiel a su esposo: un conquistador.

La blanca está embarazada y a punto de parir, hecho que le cuesta la vida, la que sólo conservará mediante un artilugio milagroso por parte del hechicero, quien confía el niño a la población autóctona. A partir de ahí, invasión española mediante, ese refugio pasará a ser una especie de escondite, donde los tres convivirán con los dioses antiguos, con fantasmas de otros tiempos.
Los diálogos nos llevarán por la suerte de un pueblo pacífico que solo quería vivir en armonía con su tierra, pero que la codicia y el odio empujó hasta diezmarlo y lo obligó a mudar de hábitat. Sin embargo, ellos ansiaban seguir el camino del jaguar azul que, "como el viento, viene de muy lejos".
La obra apunta a mostrarnos el entorno mágico en que se desarrollaba esa cultura y logra recrear ese clima en el espectador. Las muy buenas actuaciones pueden transportarnos en ese encantamiento, evidenciando, sobre todo en las miradas, gran consustanciación con el personaje. Hay buen aprovechamiento de los recursos, lo que hace que la sencilla escenografía contenga la pieza sin fisuras distractivas, elementos que se apoyan en luces y sonido propicios.

ELENCO:

Nicté: Mirta Demestri
Ella: Silvia Kalfaian
Hechicero: Enrique Oliva Zanibelli
Coliquma: Enrique Canellas
Octú: Javier Ferri

EQUIPO:

Foto y Video: Pablo Tesoriere
Diseño Gráfico: Lado Visual
Diseño Sonoro: Enrique Landea
Diseño de Iluminación: Oscar Salorio
Realización escenográfica: Sebastián Fertitta
Escenografía y Vestuario: Julio Suárez
Prensa: Fabiana Angeloni
Asistencia de Dirección: Florencia Carboni
Dirección: Máximo Salas

Uno y todos los posibles

2011-07-20T06:59:00.000-07:00

Uno y todos los posibles
Enrique Campos
Paradiso Ediciones, 2011
Poesía, 64 pp.

por Rubén Sacchi

Este segundo poemario de Enrique Campos se presenta profuso de figuras, signos y metáforas. A partir de allí, al lector le corresponden las múltiples interpretaciones posibles. Una de ellas es la vida, que es de uno y todos los posibles.
Hay en la primera mitad, Fingiendo alegría, un paisaje de infancia: un osito y una cigüeña, “...la cara del ángel que fue en los comienzos” y el lenguaje secreto de los mayores velado a nuestros oídos. Un tiempo donde el domingo es “sólo un día más” y todo lo cubre la magia.
A partir de allí, el crecimiento y la búsqueda personal en medio de una sociedad que ha fabricado ya los moldes donde los jóvenes deben acomodarse: “Suelto en una cárcel de ideas que acepta como propias, intenta distraer a un instinto que lo llama a los gritos”, dejando “que el alma juegue con las posibilidades que el destino guardó para otras vidas”. Sin embargo, la omnipotencia porpia de esos años lo hacen expresar: “No habrá vejez. No habrá muerte”. Por momentos se percibe el desánimo: “Su lápiz, su mente, su hacha, todo ha perdido ya su filo en un mundo que guarda a los hijos bajo tierra” y “Todo se ha vuelto un cuento”.
La segunda mitad, Fingiendo horror, remite a la rutina: “Se levantan temprano y solo se enteran de la hora a la que deben partir”; “Sobre el diván descansan sus piernas sin haber dado un solo paso/.../ Un fantasma en ese hogar de ciegos sólo parece cobrar vida con los tiembres chillones de los teléfonos...”. También a la vejez: “Las ovejas grises que se hacen blancas con la nieve del invierno/.../ una primavera cada vez más corta”.
La denuncia “Juegan los burgueses oliendo sus copas, masticando despacio las comidas y las palabras” se consuela con la sentencia que rasa “La noche fría cae para todos alguna vez...” Hacia el final, el necesario balance: “De un lado la vida, y del otro se desatan las posibilidades perdidas en el tiempo./.../ Con la boca seca ve la fuerza de la culpa golpeando...”.
Finaliza con un desenlace, en secuencia casi cinematográfica: “El cuerpo que lo transporta/.../ comienza a fallar”; “De golpe el vacío. El miedo, un escalofrío en la espalda”; “Desde arriba, las voces temblorosas de los ángeles cantan”; “El alma se desprende de un corazón abarrotado de dudas”; “A sus pies descansa el cuerpo quen no logró explicarse”; “Sobre el calendario, el código que encriptaron sus padres”.

Isla de edición

2011-07-20T06:55:00.000-07:00

Isla de edición
Rodrigo Alvarez
Paradiso Ediciones, 2011
Poesía, 64 pp.

por Rubén Sacchi

Para leer este libro es necesario tener en cuenta las palabras de Waly Salomão, que el autor elige para abrir su obra: “a memoria é uma ilha de edição”.
Así resulta que todo recuerdo es un punto de vista particular del autor, un recorte de la realidad y, como tal, dista de ser verídico pero no alcanza a ser falso, remitiendo al pensamiento shakespeareano: “Nada es verdad ni es mentira, todo depende del cristal con que se mira".
El poeta divide el trabajo en dos partes bien defnidas; la primera, donde los empalmes de la edición incluyen tomas de una infancia en el Tigre, un padre ausente, el accidente en un tobogán que le acarrea un sinfín de trastornos, el paso por la enseñanza religiosa y dos más, que actúan como punto de inflexión: el mítico disco que Vinicius de Moraes grabara en La Fusa, allá por el año 71 y la muerte de un ser querido.
La segunda, pega imágenes que remiten a la pérdida del amor, tema excluyente, desarrollado en diferentes escenarios: España, Francia, Brasil.
Como confesión de parte, termina admitiendo la parcialidad: “sin bozal/ mi cabeza/ tiempo todo ladraría// no quieras saber/ qué muerde este silencio...”.

Lejana y oscura

2011-07-20T06:09:00.000-07:00

Lejana y oscura
Susana Aguad
Paradiso Ediciones, 2011
Novela, 318 pp.

por Rubén Sacchi

Lejana y oscura es la historia de una familia cordobesa: un médico pródigo, que despilfarra el dinero en mesas de “juego fuerte” en el Jockey Club y un ama de casa que, en la pasividad, cría a sus cuatro hijas. También es la historia de un tiempo convulso, devenido tragedia, circunstancia que, en mayor o menor medida, atravesaron los paises del Cono Sur con sendor gobiernos dictatoriales, agrupados en el nefasto Plan Cóndor.
No es una imagen grosera, sutiles pinceladas delinean un paisaje generoso en promesas, el de la juventud -“Al menos ahora teníamos ese refugio al que podíamos volver cuando quisiéramos y sentir, cada vez, que éramos jóvenes y que nunca moriríamos”-, donde colores luminosos se mezclan a los pastel, para terminar cubiertos por el negro más negro.
Ese proceso en la paleta de Susana Aguad desemboca en el exilio, como única alternativa de revertir aquel tono sombrío.
Con una notable capacidad descriptiva, casi de cartógrafo, nos permite recorrer las calles, bares y edificios parisienses por los que deambulan los personajes en el duro oficio de sobrevivir en ese clima adverso, donde todo les es ajeno y lo único que les pertenece son ellos mismos y el drama que los contiene en la unidad.

El aroma del paraíso

2011-07-13T12:42:00.000-07:00

El aroma del paraíso
Gito Minore
Ilustrador: Isidoro Reta
Fabricacuentos, 2011
Cuento infantil, 12 pp.

por Rubén Sacchi

Una interesante propuesta dirigida a niños en edad escolar es la que acerca Fabricacuentos. En esta oportunidad, la flamante colección propone la historia de Luciano, un pequeño que ha perdido a su abuela y enfrenta con angustia esa experiencia tan misteriosa como ininteligible que es la muerte.
A través de esa sencilla trama, se rescatan los valores del amor y la amistad, los que dan fuerza al protagonista para resurgir de ese duro trance.
El instrumento para que eso ocurra es un pajarillo, que hace las veces de mensajero celeste. Apela a la metáfora de compartir el pan con los semejantes, que puede asimilarse tanto con los episodios descriptos en la última cena, como la actitud solidaria y militante dada en las capas más humildes de la sociedad de manera casi expontánea.
Como yapa al final, se agrega la receta para la preparación del pan relleno, detallando ingredientes, proceso de amasado y cocción. Util iniciativa que puede funcionar como disparador para que los niños aprendan a procurarse el sustento diario. También para asumir, desde pequeños, que no sólo de pan vive el hombre, también necesita de buena literatura.

Las malas palabras

2011-07-11T05:59:00.000-07:00

Las malas palabras, Virtudes Terapéuticas de la Obscenidad
de Ariel Arango, adaptado por Daniel Kuzniecka
Teatro Porteño
Av. Corrientes 1630
viernes a las 21 y domingos a las 19:30
Reservas: 4372-5474

por Rubén Sacchi

Esta semana, dos hechos auspiciosos se dieron cita. El estreno de Las malas palabras, unipersonal de Daniel Kuzniecka y la apertura, para ese estreno, del Teatro Porteño. Para el evento, los asistentes pudimos disfrutar de deliciosas variedades de pizza y un tinto adecuado, una excelente manera de anestesiar nuestros oídos, que iban a escuchar todo un rosario de -aunque parezca un juego gramatical- las mal llamadas malas palabras.
Esta precaución tuvo Kuzniecka, quien cada tanto, durante el transcurso de la obra, leía párrafos de pretérita literatura que harían sonrojar al más mentado cantante de cumbia villera. Para el caso, cobraba coraje mediante largos sorbos del etílico brebaje.
La pieza es un recorrido en el tiempo y la cultura de la mano del lenguaje erótico. La literatura, la pintura y la escultura son los ámbitos donde el actor encuentra un terreno propicio para mostrarnos, psicoanálisis mediante, qué es lo que los hombres (y las mujeres) tenemos en la cabeza.

Nada se salva del análisis freudiano en esta clase magistral de 90 minutos, en la que Daniel Kuzniecka hace gala de una memoria envidiable y una pícara destreza en el manejo del discurso. Excelente sonido e iluminación adecuada completan el marco intimista que el tema requiere.
Claro que las malas palabras no refieren sólo al tabú sexual, también la sociedad pacata incluye entre ellas lo escatológico. Para el caso, un bloque especial diseñado como videoconferencia, las recrea y reproduce, arrancando más de una carcajada.
El autor del libro, el psicoanalista rosarino Ariel Arango, ex Decano de la Universidad Nacional de Rosario y ex Profesor de Psicoanálisis de la UNR y de la Universidad de Belgrano, es un especialista en sacudir moralinas. Sus obras se encargan de ello, tanto el texto en cuestión como sus anteriores: La madre voluptuosa, Los genitales y el destino y la trilogía de Don Juan, matrimonio que desinfla el deseo.

Equipo

Nicolás Yannicelli – Director General
María Paz Zabaleta - Asistencia de dirección
Patricia Tiscornia – Directora Artística
José Carlo – Director Musical
Julieta Zara – Directora Ejecutiva
Patricio Barbaresi - Diseño de luces
Diego Krasuk - Operación sonido
Benjamín Engranff – Técnico Sonido e Iluminación
Duche-Zárate – Agentes de Prensa
Claudia Mazer – Coaching EmpresarialGodesign – Diseño y Arte
Punto Idea - Realización audio visual

Elenco

Daniel Kuzniecka

Las Mujeres que (m)aman demasiado

2011-07-05T12:31:00.000-07:00

Las Mujeres que (m)aman demasiado
de Eduardo Grilli
Paseo la Plaza. Espacio Colette
Avda. Corrientes 1660
Sábados de junio, 19:30 hs

por Diego Luis Forte

Nada más interesante para el género masculino que espiar una reunión de mujeres. Nos encanta mirar por la cerradura y ver lo que hacen las chicas. Sobre todo si son lindas y están realizando una ceremonia vudú que incluye alcohol, gritos y discusiones sobre hombres.
La idea de un exorcismo con el objeto de lavar sus penas de amor lleva a las chicas a una situación que se parece más a una conjura diabólica. Al intentar unirse y deshacerse de los malos espíritus terminan invocándolos y enfrentándose unas con otras.
Las mujeres… parte del ridículo para evidenciar la generalidad de ciertos comportamientos emocionales y sus resultados. Los cuatro personajes apuntan a estereotipos bien definidos que convierten las situaciones cómicas en dramáticas y su cruzada por la verdad develará que nada es lo que parece.
Esta nueva puesta parece haber renovado el texto. Si bien las actuaciones siempre estuvieron a la altura, en esta nueva etapa las chicas parecen más asentadas en sus roles. La improvisación le otorga a la obra más soltura y los personajes funcionan mejor. Pero independientemente del lugar que el guión le otorga a cada personaje, cada una de las actrices parece posicionarse de un modo personal en el escenario: Martina Zapico (Fantina) presenta un personaje muy firme, la seriedad de su actuación casi organiza el comportamiento de sus compañeras en escena. Susana Giannone (Maleva) es probablemente quién más improvisa. Su personaje inyecta libertad en la obra pero su actuación le aporta naturalidad. Julieta Cajg (Erica) es enérgica, la dinamita que mantiene tensa la soga en todo momento. Julieta Oliva (Hermosilla) dota a su personaje de una gracia estilizada que permite mantener el balance entre fuerzas dispares.
La idea tribal de la ceremonia vudú establece un contexto en el cual todo comportamiento se desarrolla de acuerdo a la naturaleza del rito. Si bien las organizadoras del ritual no están al tanto hasta el final de la obra, el encantamiento quizás pueda exorcizar fantasmas o quizás no, pero lo que sí logra son merecidos aplausos.

Equipo:
Idea y Dramaturgia: Eduardo Grilli
Dirección: Pablo Rodríguez Albi
Asistencia: Vanesa González Gallo
Fotografía: Daniel Bericua (Daniel Bericua Studio)
Vestuario: Fernanda Álvarez
Maquillaje: María Laura Gantus
Diseño Gráfico: Pablo Tajer

Elenco:
Martina Zapico (Fantina)
Susana Giannone (Maleva)
Julieta Cajg (Erica)
Julieta Oliva (Hermosilla)

La soga

2011-06-16T11:13:00.000-07:00

La soga
Diana Sánchez
Editorial Urbana, 2005
Cuento, 108 pp.

por Rubén Sacchi

Austrasia Galesvinta Rashminienko, Aristarco Eudoro Bueno, Fructuosa Egidia Pastor... tales son algunos de los personajes que protagonizan los cuentos de La soga. Al leerlos se piensa en un necesario retraso al reparto de nombres, pero esas pintas jocosas, no son más que partes de un todo divertido con que la autora pincela el drama de la vida y contextualiza las historias en sitios que, muchas veces, el habitante citadino no comprende.
La soga enhebra historias de vida, conduciéndonos por los dramas interiores -el medio siglo de vida- o los más evidentes, como la miseria y la indigencia.
Osvaldo Bayer escribe: “Un libro que nos ha llevado a descubrir una pluma rebelde, suave, una caricia que -ojo puede ser una bofetada”, es así como un beso paternal está al lado de tijeras de “puntas furiosamente azules”.
Los relatos de este trabajo son fragmentos a los que se les puede pensar múltiples devenires, son pequeñas cuentas de un collar, unas en sí mismas y, a la vez, partes de un todo que las contiene y da sentido. Sólo hay que encontrar el principio de la soga que las agrupa y animarse a desgranarlas una a una en el maravilloso derrotero de la imaginación.

Pasiones que matan

2011-06-16T11:07:00.000-07:00

Pasiones que matan
Trece crímenes argentinos
Rodolfo Palacios
Aguilar, 2011
Relato, 256 pp.

por Rubén Sacchi

Quizás Horacio Quiroga fue el responsable de inaugurar la hermandad de esos tres excesos humanos que agrupó en una cadena de eslabones inseparables: el amor, la locura y la muerte. ¿A qué otra comunión puede acudirse para explicar las historias que se narran en Pasiones que matan?
El autor se interroga en el prólogo: “¿Qué lleva a un hombre a comerse a su padre o matarlo y velarlo en una extraña ceremonia? ¿Qué impulso puede llevarlo a enterrar a su mujer debajo de su cama o matarla en un pacto de amor y locura que no está dispuesto a cumplir? ¿Por qué un padre puede ser capaz de matar a su hija?...” Estos y otros acertijos conforman el nudo central de los relatos y muchos quedarán sin resolver.
En ellos podemos reconocer sonados casos que ocuparon, por varios días, la imprescindible cuota de sangre que los pasivos espectadores necesitan, quizás, para no convertirse, ellos mismos, en asesinos. Con una dinámica atrapante, Palacios nos va introduciendo en cada drama de la manera más natural, como si se tratara de cualquier otro acontecimiento cotidiano. Como si esos trece crímenes vinieran a sacudir, por un momento, la densa monotonía de los días.

Año 2206,Invasión a Bs. As.

2011-06-16T11:01:00.000-07:00

Año 2206,Invasión a Bs. As.
Jorge A. Colombo
Distal, 2010
Novela, 160 pp.

por Rubén Sacchi

Quienes creían que con las experiencias de 1806 y 1807, los ingleses habían tenido suficiente como para insistir por estas latitudes, deberían leer la novela de Jorge Colombo, donde vaticina una nueva incursión en el remoto año 2206.
Para entonces, no son Inglaterra y las Povincias Unidas -ni siquiera Argentina- quienes entran en pugna, sino dos nuevos paises devenidos de aquellos, tras un desastre ecológico que ha sumido al mundo en el caos y casi lo arrastra a su desaparición.
En la línea de la narrativa fantástica, el escritor vuelve sobre escenarios que le son conocidos, pero con una vuelta de rosca interesante que oficia también como denuncia medioambiental. En este caso, los pobladores rioplatenses no sólo deben defender su patria, sino los recursos naturales que pasaron a ser tan codiciados por el imperialismo.
En ese lugar del futuro, los moradores deben buscar la fuerza de la unidad para enfrentar al enemigo, lo que lleva a la alianza con los pueblos originarios.
Todo lector ávido de analogías podrá ver, en esos hipotéticos conflictos, actores y situaciones contemporáneas, tan imaginarias como este libro.
Comunicación con el autor: http://www.elportaldelafonda.com.ar/

Deriva

2011-06-16T10:34:00.000-07:00

Deriva
Alejandro Archain
Paradiso Ediciones,2011
Poesía, 64 pp.

por Rubén Sacchi

Nada más acorde para asociar al agua lenta en que nos sumerge la poesía que la deriva, y de eso trata el libro de Alejandro Archain. Un tren que parte y las agujas de un reloj que giran, el tiempo eterno y las infinitas vías; quizás también nuestra mente parta en ese viaje, conformando un tercer camino paralelo: “Rumbo y horas// que fluyen/ por su torrente.// Pensamientos”.
Dos mundos separados por una ventanilla y el tren de las cinco como
frontera con el ayer y también con el presente otro que muere: “Más allá, la lentitud de una agonía/ un aliento apagándose/ en las cercanías del miedo”.
Como si fuese el recorrido postrero, toda la vida transcurre ante sus ojos: la agonía del padre, la mujer amada: “Tibia humedad, contorno./ Labios como rieles donde deslizar/ mi sueño”; tanto hay en ese viaje que hasta el propio tren cobra vida: “¿Cruje su incertidumbre/ de madera y hierro?”
Con guiños a otros poetas (Fernando Pessoa, Hesíodo o Enrique S. Discépolo) y un lenguaje contundente, no pierde la oportunidad de acudir al cine, como marcando el clímax que previene el desenlace y “Funde a negro/ en la próxima pisada”.

Hamlet & Hamlet

2011-06-16T10:28:00.000-07:00

Hamlet & Hamlet
Liliana Heer
Ilustrado por Rep.
Paradiso Ediciones,2011
Novela, 144 pp.

por Rubén Sacchi

La célebre frase acuñada por William Shakespeare, “to be or not to be”, traducida a nuestra lengua como “ser o no ser”, puede tener un significado que abarque el hecho concreto de la existencia:
la necesidad de estar vivo o muerto. Jorge Dubatti, a cargo del
Epílogo, plantea el dilema de Hamlet & Hamlet como el de “ser o no ser hijo” pero, ¿cómo se puede no serlo? Dice el personaje que “hay algo en el dudar que revela demasiado sentido común”.
Esta reescritura de Hamlet, que lo sitúa en otro tiempo y lugar, lo para frente a un espejo: Hamlet & Hamlet o “El tiempo y el tiempo, sus dos caras”.
El mandato paterno irrumpe con fuerza de ley “No hubo piedad para Hamlet”, pero hay una revisión de las acciones que lo lleva a discurrir sobre el asesinato,
considerándolo un hecho retrógrado, primitivo, nunca impulsor de futuro: “Dicen que se mata mirando hacia atrás”.
Un trabajo de género dudoso ¿novela, poesía, teatro? escrito con maestría, cualidad que incluye las ilustraciones de Rep. Quizás, el secreto de esta versión esté en las palabras del personaje: “sigo
creyendo que no hay otra forma de deshacer un nudo que volver a hacerlo en orden inverso”.

Locas

2011-06-16T10:21:00.000-07:00

Locas
Silvia Chavanneau
Paradiso Ediciones,2011
Novela, 312 pp.

por Rubén Sacchi

Puede parecer obvio, pero la novela es la historia de una loca, aunque también puede ser una loca historia. Resulta sencillo hacer esta simetría si tomamos en cuenta que la vida, bien mirada, es una sucesión de locas historias y la diferencia con la vulgaridad es el cómo están contadas o se presentan ante los demás y a nosotros mismos.
La novela alterna episodios jocosos con escenas de profundidad dramática. Pone en juego valores actualmente escasos, como la solidaridad, esa palabra que en los 70 -momento en que la protagonista se marca ideológicamente- era menos usada que hoy en día, pero más practicada.
Chavanneau hace un recorrido por la historia política reciente, donde no están ajenos los sucesos de Ezeiza, cuando el retorno de Juan D. Perón, las esperanzas
de todo un pueblo que apostaba a un proceso revolucionaio y su correlato, dictadura mediante, con el punterismo político en los barrios.
La autora, con amplia experiencia en el campo de la psicología, delinea la tremenda realidad de los asilos para alienados mentales. La perversión de un sistema caduco que, más que curar, busca aislar a aquellos que desentonan con una sociedad hipócrita.

Colección Relaciones Internacionales

2011-06-16T10:01:00.000-07:00

Colección Relaciones Internacionales
América Latina y el Caribe
Teseo, FLACSO, Fundación Carolina, 2011
Ensayos

por Rubén Sacchi

Nuevos vientos soplan en Latinoamérica, diferentes procesos de cambio, más o menos profundos, se van dando a lo largo y a lo ancho del continente, del Río Bravo hasta el Cabo de Hornos.
En ese contexto, resulta indispensble contar con herramientas de análisis que nos acerquen a la nueva realidad, donde los pueblos, cual volcanes en actividad, desarrollan diferentes niveles de efervescencia y puja por cambiar el modelo imperante por otro que los contenga de manera más justa y universal.
Las relaciones entre los paises del Cono Sur entre sí, y con el resto del mundo, pasan a tener peso y consideración en el concierto de las naciones y son vistas, no sin preocupación, por las grandes potencias que, acostumbradas a marcar la agenda, hoy la encuentran relativamente condicionada.
Para arrimar alguna claridad al complejo estudio de esas relaciones, FLACSO lanzó la colección “Relaciones Internacionales”, con el análisis de prestigiosos académicos que opinan sobre temas candentes de hoy y el futuro inmediato.
Una edición inicial de seis títulos aborda las problemáticas comunes a las naciones latinoamericanas, que incluyen temas como la exclusión social, la cooperación fronteriza, las nuevas formas de multilateralismo, las nuevas alianzas regionales, como el ALBA, y las nuevas modalidades de cooperación para el desarrollo.
Los tópicos incluídos son: Cooperación transfronteriza. De territorios de división a espacios de encuentro; ¿Integrados o marginados?; ALBA: ¿Una nueva forma de integración regional?; Gobernabilidad democrática. política, ciudadanía, exclusión, memoria y demografía; Multilateralismo vs. soberanía: La construcción de la Comunidad de Estados Latinoamericanos y Caribeños y Nuevas formas de cooperación. Las dimensiones sur-sur. La colección, realizada conjuntamente con la Editorial Teseo y la Fundación Carolina, acompaña este momento tan excepcional como enmarañado de los paises ubicados en esta parte del globo.
Los trabajos reflejan el desafío -a la vez que maravillosa oportunidad- que significa buscar puntos en común, de cooperación y desarrollo conjunto, en un marco por demás heterogéneo y atendiendo a las diversas particularidades que diferencian a los paises de la región, poniendo en tensión a los múltiples actores e intereses intervinientes.

Pedagogía de la desmemoria

2011-05-20T09:49:00.000-07:00

Pedagogía de la desmemoria
de Marcelo Valko
Ensayo, 414 pp.
Ed. Madres de Plaza de Mayo, 2010

por Osvaldo Bayer

Este libro es un escalón importante para el debate que nos debemos los argentinos. Aquí están las pruebas históricas para llegar a conclusiones definitivas. Las citas de los llamados pensadores, que aparecen aquí, una a una, son imperdibles. Penetrar en esta profunda investigación de Marcelo Valko es ganar las armas de la información para buscar la respuesta a la pregunta: ¿qué nos pasó a los argentinos? El autor se propone todo eso: remover el pasado para aprender.
En estas páginas se encuentran bien explicados los intereses políticos de Mitre, Sarmiento, Roca y de otras figuras consagradas por la historia oficial. Los intereses agropecuarios de la época y las expediciones previas a la campaña de Roca, de las cuales tan poco se ha hablado. El capítulo de lo ocurrido en ese verdadero campo de concentración que fue la isla Martín García es tan tremendo que el lector no llega a explicarse hasta qué límites de crueldad y de cinismo se vivió en esos años. Sólo se puede describir con los sustantivos que pintan de cuerpo entero el desarrollo de los hechos: prisión, trabajo forzado malsano, hambre, desnutrición, ratas, viruela, cólera, tifus, evangelización forzada, y muerte horrenda. Todo esto con una documentación testimonial irrebatible. Un trabajo revelador y profundo. El libro para el gran debate histórico.

La suplente

2011-05-06T12:08:00.000-07:00

La suplente
De Mariano Moro
Molière Teatro – Concert
Balcarce 682, CABA
Sábados, 20:30 hs.

por Rubén Sacchi

En el aula, como todos los días, los alumnos aguardan la hora de literatura. Esta llega puntual, aunque con una pequeña diferencia: la profesora es suplente. Modosa, atildada y culta, parece ser la candidata correcta para reemplazar a Josefina Urrutia, la titular que, por unos meses, disfruta su luna de miel en Europa.
Azucena Marchitte, tal el nombre de la debutante, esconde tras su erudición todo un rosario de frustraciones que no tardará en manifestar a sus educandos. No sólo su nombre es una ironía, todo en su vida lo es, y ella se encargará de reflejarlo. Con el transcurso de la clase, entre sonetos y redondillas, irá desgranando las uvas de una vida desgraciada y ese desencanto será volcado sin piedad en el alumnado.
Una mirada grotesca de lo que puede ocurrir cuando, a través de una supuesta pasión, ocultamos los fracasos que se apilan día a día. Con un texto maravilloso, inteligente y audaz, Moro provoca la risa, pero no sólo la de fácil factura, sino también la que requiere de inteligencia y sutileza. Justamente, dedica un bloque a la crítica de la diversión frívola y vacía, a la cultura de la oquedad. Un libro que denota un profundo conocimiento del tema que trata: las letras.
El despliegue del equipo es impecable, tanto como la actuación de María Rosa Frega que demuestra ductilidad dramática y muy buena preparación física.

Elenco:

Azucena Marchitte, profesora suplente de Literatura: María Rosa Frega

Equipo:

Escenografía y Vestuario: "los del Verso"
Selección musical: Mariano Moro
Asesor en Movimiento: Miguel Ángel Elías
Prensa: Duche&Zárate
Fotografía: Photo Studio Christian Inglize
Autoría y Dirección: Mariano Moro
Producción: Juan Iacoponi

Si Hamlet duda le daremos muerte

2011-04-16T08:51:00.000-07:00

Si Hamlet duda le daremos muerte
Autores varios
De la Talita Dorada, 2010
Poesía, 264 pp.

por Rubén Sacchi

Un represor carapintada dijo hace unos años: “La duda es la jactancia de los intelectuales”. Tal vez por eso crea que Hamlet tiene derecho a ella porque ¿no es la duda existencial lo que venimos arrastrando desde los atávicos días de las cavernas? Quizás lo que haya que matar es la duda misma o, en la metáfora shakespeareana, a Rosencrantz y Guildenstern, por traidores.
En esta antología se dan cita poetas de los 90 y aún más jóvenes, que demuestran tener claro el viejo conflicto de “ser o no ser”. En su mayoría hijos de las generaciones de los 60 y 70, no les debió resultar sencillo definir una estética propia, una existencia, a la sombra de esa impronta demasiado fuerte. Pese a eso, hay un lenguaje propio y arriesgado (una forma de ser es arriesgar la vida) como hilo común entre los autores.
Tal vez no haya forma de crecer sin, en el sentido freudiano, matar al padre; como sea, la verdadera posibilidad de llegar a ser un uno-otro es tomar lo mejor de aquel y agregar lo propio porque ¿cómo se puede avanzar volviendo siempre al principio? Rimbaud dijo: “Ya vendrán otros horribles trabajadores; empezarán a partir de los horizontes en que el otro se haya desplomado”. Bienvenidos.

Heroína

2011-04-16T08:38:00.000-07:00

Heroína
Tomasz Piatek
Tren en Movimiento, 2010
Novela, 128 pp

por Rubén Sacchi

Una vieja canción del grupo Serpiente, un dúo sin mayor suerte comercial pero de gran talento, de Lanús, decía: “Sólo en mis momentos de vuelo/ creo alcanzarte, mi Dios/ subo en un trono de reyes, Señor/ y me dicen que soy yo el Rey Sol”. Esa es la sensación que parece conducir al personaje por los caminos marrones y brumosos de la heroína.
Piatek escribe “Como si una taza de chocolate caliente que está en mi cabeza se volcara para inundar mi cuerpo” y esa no debió ser, para él, una metáfora; seguramente, esa cobertura viscosa y dulce, como la de una torta, lo dominaba y llevaba por ese derrotero.
Heroína es una especie de diario de un adicto, que lo pierde todo en pos de la felicidad suprema que supone el uso del estupefaciente. Claro que ese diario es un objeto para armar que atraviesa diferentes momentos de su adicción, incluso, la pérdida de la personalidad.
¿Cómo se llega a eso? Piatek dice: “Te asalta sin aviso. Como un ladrillo que te cae sobre la cabeza”, aunque la cuestión, verdaderamente, es saber cómo se sale. En estas páginas se atinan varias respuestas, algunas demasiado trágicas.

Imágenes de una novela

2011-04-16T06:51:00.000-07:00

Imágenes de una novela
Luis Cano
Ediciones Artes del Sur, 2010
Teatro, 152 pp

por Rubén Sacchi

La brevedad, en ocasiones, ejemplifica un universo más vasto, y lo que hallamos en estas seis piezas cortas es la representación de esos estratos infinitos que hacen al todo y a los que solemos aludir como la vida.
Mauricio Kartun escribió acerca de Imágenes de una novela que es “la novela enhebradora de imágenes íntimas que (...) constituyen el relato mítico que nos expresa”, vale decir que le adjudica carácter autobiográfico. Como sea, estas instantáneas personales cobrarán la condición de generales en el momento que el público las enfrente, tal la función especular del arte.
Hay en las historias personajes absurdos de tan reales; situaciones donde la apariencia de no ocurrir nada deja pasar la existencia, porque ¿es la vida una cadena eslabonada de historias alucinantes? La respuesta de Luis Cano pareciera sostenerse en la máxima sartreana “Para que el suceso más trivial se convierta en aventura es condición, necesaria y suficiente, contarlo”. Y el autor lo hace con maestría angustiante, porque proyecta en la cotidianeidad todo el peso del vacío existencial, perfectamente acompañado por esa crueldad, tan única, de la especie humana.

Clepsidra

2011-04-16T06:38:00.000-07:00

Clepsidra
Martín Andrade
Univ. Católica de Córdoba, 2005
Poesía, 60 pp.

por Rubén Sacchi

Escribe Marcos Silber en el prefacio: “EL TIEMPO, la ecuación de la vida y la muerte, los dos términos entre los que acontece el TODO, que abarca el TODO y que TODO lo contiene”. En ese derrotero, Martín Andrade comienza a andar (o desandar) su libro: “Abrir y cerrar los párpados:/ entre uno y otro gesto/ la vida”.
Con sabia mirada anuncia el reino de la noche al que nos llevarán “hombres sin rostro” que “juegan con fuego”, a “la crucifixión del hombre por el hombre”.
Por ese gigantesco reloj de arena que se desgrana lento pero inexorable, va a pasar la vida por única vez, para no regresar, dejándonos “huérfanos, sombríos,/ en los pozos de la soledad”; y se interroga, no por no aceptar la finitud, sino por no comprenderla lo que es, quizás, la interpelación más antigua que ocurre entre los hombres y los dioses: “Sereno o agitado, recorro/ la pregunta sin respuesta de la vida”.
Ante lo inevitable, la mejor estrategia es desposeerse del ego, unificarse al semejante, en una única humanidad, para que otro continúe nuestros pasos “Sobre la tierra silenciosa” donde “yacen, esparcidas,/ las semillas del amor”, en la esperanza de que “el tiempo y la lluvia/ las hagan germinar”.

Viento de fuego

2011-04-16T06:26:00.000-07:00

Viento de fuego
Iván Yauri
Hipocampo Editores, 2007
Poesía, 46 pp.

por Rubén Sacchi

Hay en estos versos una poesía que iguala: “Somos todos transparentes/ como viento tórrido del monte”, que hace las veces de rasero y nos remite a ese momento en que un hombre no era más que otro hombre. Donde, sin embargo, la fuerza multiplicadora de las raíces se potencia en la diversidad.
En ese devenir, los desposeídos van dejando atrás la explotación, “los mugrientos bordes de los techos/ donde el día muere en su relave”, el pueblo se subleva a la precaria suerte: “Pero así somos madeja/ destejiendo el miedo”.
Si el flujo de las masas tiene una forma, Yauri describe su geometría desde que “Eres un puntito que trepa/ con terquedad”, para crecer luego “porque somos un punto/ y además segmento/ crepitando ahora“.
Mientras, deja que la física y la aritmética de los oprimidos apliquen sus propias leyes “...estridentes decibeles/ a nueve metros/ por segundo/ al cuadrado (...) somos/ nuestro más/ exorbitante/ mínimo común/ múltiplo”.
En resumen, nos muestra que el hombre es el único que puede construir su destino, a golpes de voluntad: “porque somos/ nuestro origen final./ Esta furiosa luz/ sobre el abismo”.

La salidera

2011-04-16T05:16:00.000-07:00

La salidera
Sebastián Kirzner
Tren en Movimiento, 2010
Relato, 96 pp.

por Rubén Sacchi

La palabra salidera, hoy por hoy y en nuestro país, lleva a pensar en esa modalidad de robo a la salida de un banco, pero atinar una definición desde la óptica de Kirzner es un asunto más arriesgado. Quizás también se trate de una sustracción, pero de información -frases inconclusas, sugerencias truncas, ambigüedades-, también de la serenidad, esa que en el texto inicial, Anatomía, se expresa a través de las manos de Susan Sontag, pero que en realidad va acompañada de una actitud fuerte y nos cuenta la historia de una construcción lésbica, en donde hay lugar para hablar de religión y política, sutilmente, mostrando que todo, aunque sea un suceso personalísimo, no escapa al universo único que lo contiene.

Esa metodología de escamoteo se expone en Reclusión: “Nunca, en toda mi vida, he podido terminar de leer o escribir un libro, las últimas páginas simplemente no están”, o en Exceso y excedente: “Tal vez, yo no debería hablar”. Será que en estos relatos, llenos de sexo, dolor y atrocidades, la esparanza es una posibilidad remota en un final abierto, o como reza el epígrafe de Scott Fitzgerald en La internación: “Toda vida es un proceso de demolición”.

Inventarios

2011-04-15T09:12:00.000-07:00

Inventarios
de Philippe Minyana
Ciudad Cultural Konex
Sarmiento 3131, CABA
Viernes y sábados a las 20:30 y domingos a las 19

Por Rubén Sacchi

Un marco de candilejas encuadra la pantalla donde se suceden las imágenes. Una tras otra, pasan fotos que hablan de las participantes pero, sobre todo, el objeto que cada una de ellas eligió como paradigma de su vida. ¿Quienes son? Tres mujeres francesas que intervienen en una competencia de la palabra. Todas con una historia dura -la guerra signó sus días- y gran experiencia de vida: logros y fracasos van desfilando acompañados de una palangana, una lámpara y un vestido. Sin tapujos para narrar hasta los detalles más oscuros, se expresan a su turno hasta perder el aliento; en los relatos se evidencia que también otras cosas han perdido, menos las ganas de seguir viviendo, esa fuerza interior que nos subleva a la adversidad y suele llamarse "instinto de conservación". ¿Por qué compiten? ¿Cuál es el premio? Tal vez sea sólo una manera de dejar testimonio de su paso por el mundo.

Una obra entretenida, dinámica y con maravillosas actuaciones. Los cuatro protagonistas dan lo mejor de sí en esta extraña competencia con formato de enlatado televisivo. El equipo técnico acompaña a la perfección, con buena iluminación y sonido.

Elenco:

Malena Solda: Angela Rougeot
Verónica Pelaccini: Jacqueline Mettetal
María Laura Santos: Bárbara Fesselet
Alfredo Staffolani: Eva-Igor

Equipo:

Dirección: Gonzalo Martínez
Asistente de dirección: Carolina Balbi
Iluminación: Ricardo Sica y Matías Sendón
Diseño de vestuario: Pablo Ramírez
Asistente de vestuario: Gonzalo Barbadillo
Diseño de escenografía: Alicia Leloutre
Fotografía: Alejandra López
Video y sonido: Ian Kornfeld
Peinados: Ale Granado
Maquillaje: Dolores Giménez
Traducción: Alicia Migdal
Prensa y difusión: Duche&Zárate
Diseño gráfico: Estudio Papier
Producción ejecutiva: Florencia Flores – Romina Chepe
La imagen es cortesía de Alejandra López

El convite de Lola Mora

2011-03-21T16:43:00.000-07:00

El convite de Lola Mora
Amanda Patarca
Deldragón, 2008
Teatro, 114 pp

por Rubén Sacchi

La imagen de Lola Mora apoyada en la balaustrada que da al río y una voz que dice: “Cada tanto vuelve. Recorre los lugares en donde desplegó su vida”, dan comienzo a esta pieza de teatro que, a través de un ágape imaginario, expone la imagen de esta mujer de carácter y creatividad notables, atributos ambos que parecieran estar moldeados con la consistencia del mismo material pétreo que usaba para sus figuras.
El banquete, al que Lola ha convocado para dar paz a su alma (o para reafirmar su inmortalidad) cuenta con la presencia de disímiles invitados, media docena de personajes que marcaron su vida. La nómina, a la que fueron cursadas tarjetas escritas con sangre, incluye a Baldomero Fernández Moreno, Gabriel D’Annunzio, Julio A. Roca, María Magdalena, Luis Hernández Otero, su ex esposo, y al mismísimo Demonio, quien no fue convocado directamente pero que, mediante un artilugio, se coló en la reunión.
El texto junta buena prosa con una visión personal de la historia íntima de la artista, pero resulta demasiado benigno con la figura de quien estuvo a cargo del genocidio aborigen, mal conocido como Conquista del Desierto.

La camisa hawaiana

2011-03-21T16:38:00.000-07:00

La camisa hawaiana

Carlos Aprea
De la Talita Dorada, 2010
Poesía, 52 pp.

por Rubén Sacchi

El título de este volumen remite a un clima de alegría, festivo; de atmósfera cálida y sensual. Sin embargo, no bien abrimos su primera página, hallamos “el invierno” que “consume las derrotas”, y quizás haya que prestar atención a una vocal que, modificada, cambiaría por completo el significado de la frase. Sólo trocando la a por la e de consume, muy otro sería el mensaje.
Tal vez, para adentrarme en esas sutilezas de la escritura de Carlos Aprea, cuento con un comodín, tres líneas más que cualquier otro lector del libro, una dedicatoria de su puño y letra que reza: “Por las épicas que/ perduran en el corazón/ y serán parte del futuro”.
Esa épica la personifica un imaginario maestro que guía sus pasos para desandar las derrotas, para compartir con los compañeros de ese extraño viaje, sabiendo que “la verdadera confianza/ tiene los ojos abiertos”.
Este libro habla de pérdidas pero también de retoños, en el lento y trabajoso proceso de volver a amar. Cuando creemos que el “amor es una roca ajada”, de pronto una “mujer me rehace hombre” cuando “ella aire mis pulmones tiemblan/ ella mar surca mi barca/ ella tierra a labrar”.

adagios réquiems allegros

2011-03-02T07:03:00.000-08:00

adagios réquiems allegros
Jeu Azarru
Arandurá Editorial, 2006
Poesía, 76 pp.

por Rubén Sacchi

Jeu Azarru es el pseudónimo de Juan E. de Urraza, poeta argentino nacido en la ciudad balnearia de Mar del Plata y que los vientos, o la vida, llevaron a residir en el vecino Paraguay. De esas tierras proviene el presente volumen de poemas, cuyo título remite al universo de la música y reúne la obra poética del autor hasta 2006.
En sus páginas encontramos inquietudes espirituales sobre el hombre y su entorno. Una visión cósmica lo lleva a reflexionar: “No somos más que un planeta dando vueltas en círculos”. Ese tono metafísico recorre Adagios, su primer capítulo.
Réquiems está cargado de fatalidad. De atmósfera más intimista, nos habla de desencuentros amorosos e inequidades sociales: “y allí me di cuenta que/ a pesar de las barreras sociales,/ políticas, ideológicas o del idioma,/ de las creencias religiosas,/ (...)/ hay algo que unifica nuestros países.../ Y es que los pobres son todos iguales”.
Por último, Allegros asume un clima eufórico, como para elevar el espíritu con un final a toda orquesta: “y los pensamientos fluyen/ como la letra que emana de mi puño/ y como siempre lo viejo se renueva/ y los sueños se hacen realidad”.

Conjeturas sobre la escritura poética

2011-03-02T05:02:00.000-08:00

Conjeturas sobre la escritura poética
Julio Bepré
Ediciones Ultimo Reino, 2008
Ensayo, 112 pp.

por Rubén Sacchi

Antes de comenzar la lectura del presente volumen debemos tener en cuenta el texto que, con el título de Descargo, el autor escribió a modo de advertencia. En él aclara que no pretendió un trabajo exhaustivo, ni la confección de un manual de instrucciones y sólo tuvo la intención de, mediante ideas y experiencias, generar disparadores motivantes para lectores y escritores.
En el capítulo Entidad de la lectura, Bepré afirma: “el hombre continuamente habla, incluso cuando no pronuncia palabra alguna” y a esa expresión vital se refiere, incursionando en los diferentes vínculos con la realidad que posee el arte en general y la poesía en particular, en tanto construcción de un paralelismo que interactúa con ella y la modifica.
El autor aborda las relaciones , o su ausencia, entre la lírica y otras cuestiones del pensamiento humano, tales como política y religión considerando, además, otras disciplinas inherentes a la literatura, como la traducción y la crítica porque, como nos recuerdan las palabras de Goethe: “Se llega a la poesía incluso a través del estudio de la mineralogía”.

El padre muere

2011-03-02T03:27:00.000-08:00

El padre muere
Ana Emilia Lahitte
Editorial Vinciguerra, 2006
Poesía, 36 pp.

por Rubén Sacchi

La muerte del padre es lo más natural que puede acontecernos aunque no por eso menos traumático. El dolor ante la muerte es atávico; sin embargo, no terminamos de aceptar esa inapelabilidad. ¿Cómo enfrentar el trance, entonces? Mediante la catarsis de la palabra.
La autora exorcisa el desconsuelo mediante la poesía y lo hace de manera magistral y minuciosa, tanto, que los detalles nos llevan a participar del momento necrológico acariciados por el bálsamo de los versos.
Pocas veces lo terrible puede resultar bello, pasa sólo cuando ocurre esa maravillosa alquimia practicada por el arte. Lahitte describe la agonía: “Viejos olores/ músicas unciones/ se mezclan con sudor./ Sólo la muerte abierta/ huele a parto./ A humanidad./ A llaga cancelada”.
Esa lenta despedida produce una ruptura inevitable “Quien muere/ quiebra el tiempo de los vivos”, pero todo caos se equilibra, es ley natural que cada esquema se reacomode con las piezas restantes cuando “El vacío/ del pulso/ nos deslumbra./ Es la serenidad.// Ya nada existe/ sino esa extraña máscara/ dormida”.

A dónde van los muertos (Lado B)

2011-03-01T11:17:00.000-08:00

A dónde van los muertos (Lado B)
de Grupo Krapp
Espacio Callejón
Humahuaca 3759, CABA
Jueves 3, 4, 10, 11, 16, 23, 30 de marzo y 6 de abril, 21 hs.

por Eva De Bartolo

¿Qué es la muerte? ¿qué se siente al morir? ¿hay otra vida después de la muerte? ¿cómo pensamos que vamos a morir? Todas estas preguntas que no tienen respuesta y otras, muchas, sobre el mismo tema se plantea y plantea al espectador el Grupo Krapp en éste, su nuevo espectáculo, entablando un diálogo que no tiene fin, donde cada uno de los interrogados trata de acercarse a un tema del que nadie tiene certeza alguna. No hay palabras, éstas no alcanzan para explicar la muerte, y el grupo intenta dar, si no respuesta, por lo menos una interpretación a través del cuerpo y el movimiento, en esta obra que refiere a otra que se está ensayando y que trata de la muerte.
Cuando no alcanzan las palabras para expresar lo inexplicable, el cuerpo puede llegar a articular la aceptación ante lo irreversible, pero también el deseo y la esperanza. Una vuelta de tuerca, no premeditada -pero que apareció y produce un efecto vital ante un tema que, generalmente, se prefiere evitar- es que mientras presentan este espectáculo, una de sus intérpretes, Luciana Acuña, que es además quien ejerce la dirección conjuntamente con Luis Biasotto, esté embarazada. Es la vida que resurge siempre, a pesar de todo, en medio de la angustia existencial y de este caminar hacia el inexorable fin.
Este es un destacado trabajo conceptual, en el que el grupo demuestra un certero conocimiento de su arte y solvencia profesional, con una coreografía ajustada y excelente manejo corporal. Muy buena la música y la integración de sonidistas en escena, con lo que desmitifican y exponen la trastienda del espectáculo, evidenciando el artificio de la actuación, la producción y sus mecanismos.

Creación GRUPO KRAPP: Luciana Acuña, Gabriel Almendros, Luis Biasotto, Edgardo Castro, Fernando Tur.

Dirección: Luciana Acuña, Luis Biasotto
Música original en vivo: Gabriel Almendros, Fernando Tur
Escenografía y vestuario: Mariana Tirantte
Asistente escenográfico: Gonzalo Córdoba Estévez
Iluminación: Matías Sendón
Dirección video y montaje: Alejo Moguillansky
Operación video en vivo: Alejo Moguillansky y Ignacio Masllorens
Sonido video y sonido en vivo: Rodrigo Sanchez Mariño y Gabriel Barredo
Imágen video: Agustín Mendilaharzu
Asistecia edición de video: Santiago Esteves
Entrevistados: Julián Tello, Gabriel Barredo, Horacio Barredo, Rodrigo Sanchez Mariño, María Villar, Alejandro Karasik, Nele Wohlatz, Luciana Kirschenbaum, Sebastián Lingiardi, Maitina De Marco, Ambra Maniscalco, Ivan Rudnitzky, Claudia Schijman, Natalí Claut, Gaston Claut, Nicolás Claut, Luis Fernandez Arroyo, Ema Fernandez Arroyo, Martín Sandoval, Guilherme Morais.

Las chicas de ahora lo hacen oral

2011-03-01T10:22:00.000-08:00

Las chicas de ahora lo hacen oral
Autores varios
Zediciones, 2010
Poesía, 15 audiotextos.

por Rubén Sacchi

Este CD, atendiendo a su título, debiera hacer las delicias de los caballeros, y en efecto las hace, pero no solo; también logra dar placer a las damas, que disfrutan de esta completa entrega de lo más profundo que las chicas poseen: su poesía.
¿Qué tienen en común las rapsodas? Amén de su condición de género, todas apuestan a la producción independiente y, salvo excepciones, deambulan por Cuyo y los barrios porteños. Luego, no debe buscarse parentesco alguno entre sus artes orales.
Abordan diferentes temáticas y los diversos estilos de escritura y lectura conforman un delicioso caleidoscopio, agradable al oído y despabilador de ideas. Si debiéramos buscar un hilo conductor entre las diversas autorías, podríamos coincidir en la libertad creativa.
Las autoras son: Flora Nativa, Patricia Jawerbaum, Débora Benacot, Rocío Navarro, Meck, Violeta Percia, María García, Madame Barfly, Patrica Pietrafesa, Griselda García, Romina Freschi, Anahí Ferreyra, Dafne Mociulsky, Ledem y Luli a Secas.
Destacable el diseño y armado del art-book a manos de Meck, que incluye fotos y biografías de las autoras.

Estros perdidos

2011-03-01T07:13:00.000-08:00

Estros perdidos
Rodolfo Virginio Leiro
Creadores Argentinos, 2011
Poesía, 108 pp.

por Rubén Sacchi

No es común encontrarse con un libro de poesía compuesto de sonetos, mucho menos que estos guarden una correcta estructura y puntillosa métrica; es inhabitual, salvo que hablemos del poeta Rodolfo V. Leiro, ese casi nonagenario escritor juninense, a quien ASOLAPO (Asociación Latinoamericana de Poetas, Escritores y Artistas) propusiera como candidato 2010 al Premio Nobel de Literatura.
De este prolífico autor escribe en el prólogo Nieves Lorenzo Córcoba: “Su poesía es un diálogo con el mundo que lo rodea, sincero, desgarrante, implicado en la sociedad, en la igualdad, en la paz, en la justicia...”, tópicos que uno descubre al sumergirse en la lectura.
Estros perdidos nos remite al celo del animal, vinculado a su potencialidad. La fuerza del verbo, no obstante, en el poeta no decayó, aún asumiendo el inevitable trance: “Cuando no quede nada de mi Nada”, rechaza a quienes auguran el cielo hipócritamente: “y arribando al final, premonitorio,/ me arrojen sin piedad al crematorio/ ¡prohíbo un vil repique de campana!”, para augurar: “me encontrarán quizás en el nectario,/ en mi predio de verso proletario/ que brincará en la página del libro”.

Disculpas del irascible

2011-02-28T15:20:00.000-08:00

Disculpas del irascible
Néstor Mux
De la Talita Dorada, 2008
Poesía, 96 pp.

por Rubén Sacchi

Esta antología de Libros de la Talita Dorada incluye la producción poética de Néstor Mux, a excepción de sus tres primeros trabajos, escritos durante su juventud. En contrapartida de esas ausencias, el editor agregó algunos trabajos aparecidos en la revista de poesía El espiniyo y el sitio de Internet Aromito.
El poeta describe con maestría pasajes de la vida que asumen el carácter de universales. Escenas sencillas pero poseedoras de detalles, movilizadores de esos resortes que llevamos en nuestra mente -y el corazón- a los que muy pocas cosas tienen la capacidad de accionar.

Mux asume la poesía como compromiso vital: “Si la poesía no alcanzara revelaciones/ y apenas fuese ademán inconcluso/ porque depusimos armas ante el desaliento/ (...)” habla de una cuestión ética y se embandera con ella al titularla Identidad.
Sería injusto obviar el prólogo que Mario Arteca escribió para la edición, titulado Diez miradas acerca de Disculpas del irascible y que constituye una suerte de exégesis de la obra del autor. Un verdadero micro-ensayo que disecciona todos los tópicos incluidos en su producción literaria.

Manhattan song

2011-02-28T08:41:00.001-08:00

Manhattan song
Cinco poemas occidentales
Luis Benítez
El Fin de la Noche, 2010
Poesía, 62 pp.

por Rubén Sacchi

Manhattan, ciudad enigmática de enormes torres que arañan el cielo del Dios Dinero y pozos nocturnos, dominios de su opuesto en el infierno del jazz. Escenario del delicioso cine de Woody Allen y del demencial apocalipsis del World Trade Center.
Benítez escribió estos versos hace casi dos decenios, según sus palabras: “en una isla famosa, que la codicia europea le compró por 24 dólares a la codicia americana, esta última convencida de que los compradores eran unos idiotas, porque ¿quién puede creer que la tierra es algo que se compra o se vende?”. De este intríngulis y aquel absurdo surgen estas historias un poco despiadadas, de pura vida, con un dejo de literatura beatnik y otro de policial negro.
En ese entorno, se desarrolla una lírica fantástica: “Desde una mota de polvo que tal vez sea el sol” y aleccionadora: “No hay que quejarse despierto/ de las miradas que toleramos en sueños”. Contiene cinco poemas duros, que nos recuerdan que “La vida es algo que siempre/ hay que cuidar de las polillas”, y ha de ser nomás, porque bien lo saben los veteranos de Vietnam en el quinto piso del Garbo’s Building: aquí “Nadie recuerda nada eso es lo bueno de este país”.

Recuérdate que no sabes recordar

2011-02-28T06:02:00.000-08:00

Recuérdate que no sabes recordar
Carlos Sánchez
Edizioni Librati, 2010
Poesía, 142 pp.

por Rubén Sacchi

Luego de La poesía, las nubes y el ajo, nos llega este nuevo volumen de Carlos Sánchez, en deliciosa edición bilingüe que nos permite sumergirnos en sus profundos pensares, a la vez que repasar, en mi caso, la lengua paterna, repleta de imágenes queridas y adobadas con atmósferas de ollas humeantes que convocan los afectos.
Escribe Alessandro Centinaro en el prólogo, que el autor es un poeta de “... regiones hechas de espacios amplios y abiertos, (...), no ama las jaulas...” lo que resulta una verdad incuestionable, ya que no hay mayor libertad que la poesía, y el hombre, y cualquiera de los sistemas que éste imaginó, no ha logrado fabricar los barrotes capaces de encerrarla.
Carlos Sánchez habla de la memoria, cuya materia prima son los recuerdos, y que necesita para desarrollarse de ese espacio intangible que llamamos tiempo, “el gran saboteador de sueños”, el que empuja a que “el misterio se haga pedazos”. El tiempo y su imparable transcurso que nos enfrenta a ese momento culminante de la vida llamado muerte y que trae conciencia de la inutilidad de proyectar hacia el futuro pero, y por eso mismo, otorga plenitud al presente; “el tiempo es un reloj de arena/ vacío”.

La historia del señor Sommer

2011-01-25T06:32:00.000-08:00

La historia del señor Sommer
de Patrick Suskind
Belisario Club Cultural
Av. Corrientes 1624, C.A.B.A.
Viernes y Sábados, 21 hs
Domingos, 20 hs

por Rubén Sacchi

Dicen que todo perseguidor es, a la vez, un perseguido. Pero lo habitual no es ser acosado por aquel o aquello que procuramos. Sin embargo, el señor Sommer cumple con esa condición, que conscientemente o no arrastramos todos los humanos: mientras huimos de la muerte, nos aproximamos inexorablemente a ella.
Esa es la parábola central de la historia, aunque el libro no se agota allí: el hermoso fresco de la campiña alemana reproduce un paisaje bucólico que enmarca la historia de un niño hasta su madurez, sus alegrías y frustraciones. Sus ansias de volar y la acartonada educación que, una y otra vez, se ocupa en cortarle las alas.
La historia del señor Sommer es una pieza trágica, a cuyo narrador el director catalán Xicu Masó reubica en una especie de café concert para quitarle algo de tensión. En ella se van desarrollando las interminables caminatas de ese enigmático personaje, quien rehusa la utilización de cualquier vehículo así como todo tipo de ayuda en general. La música de samba acompaña el relato, alternada con acordes de Alfonsina y el mar, que le otorgan una atmósfera anticipatoria.
Este unipersonal es brillantemente interpretado por Pep Tosar, actor catalán que se conociera profesionalmente en los 90 por su participación en series televisivas, aunque también trabajó en diversos largometrajes y, fundamentalmente, en teatro. Su muy buena dicción, no deja perder detalle de la riqueza literaria del texto de Suskind.

Narrador: Pep Tosar
Dirección: Xicu Masó
Traducción al catalán: Lluís Massanet
Traducción al castellano: Ana María de la Fuente
Fotografías: Blai Tomás
Diseño gráfico: Montse Lapuyade
Prensa: Duche & Zárate

Código de familia

2011-01-19T11:39:00.000-08:00

Código de familia
de Ponciano Funes
Teatro del Globo
Marcelo T. de Alvear 1155, CABA
Funciones: Miércoles a Sábados 21,30 hs.
Domingos 21 hs

por Rubén Sacchi

La inauguración o apertura de una sala teatral siempre resulta un hecho auspicioso, máxime cuando se realiza mediante una puesta de alto nivel. Esta conjunción sucedió el lunes 10 del corriente con el estreno de Código de familia en el reinaugurado Teatro del Globo.
La pieza en cuestión, con libro de Ponciano Funes y la dirección de la prestigiosa Eva Halac, toca un tema casi oximorónico: la justicia en la dictadura militar. Quienes, por entonces, atravesamos los tediosos pasillos de algún tribunal sabemos que el “extravío” de alguna foja, o de un trámite completo, era algo más que el argumento de una comedia y que una cuestión del fuero civil bien podía derivarse a lo penal.
Un abogado novato, con ansias de progresar en su profesión, aunque un tanto iluso, se hace cargo de un caso curioso de separación. No se trata de la típica disputa de bienes, cuota alimentaria o tenencia de los hijos, sino de la intención del marido de que la esposa mantenga el vínculo matrimonial. Maravillosamente representado por Tomás Fonzi, el letrado logrará su fin pero, para hacerlo, casi deberá pactar con el Diablo.

Con excelentes actuaciones, algo esperable si se atiende al elenco, la obra se desarrolla en un escenario que combina los diferentes ámbitos de acción con un hábil cambio de luces. Tal vez, como contrapartida, haya que advertir que el sonido por micrófonos inalámbricos empasta un poco los diferentes planos sonoros.
El Teatro del Globo vuelve a engalanar la noche porteña bajo la tutela de la Biblioteca de la Asociación de Mujeres, con nuevas programadoras. La periodista Rosario Lufrano, junto a la asociación Armar Artes Escénicas (Graciela Rodríguez y Silvia Pritz) y la directora Eva Halac estarán al frente del proyecto. Detrás de escena, trasunta un segundo propósito, idea de Margarita Biondi, hija del recordado Pepe: parte de la recaudación irá a financiar la actividad del Programa Solidario Pepe Biondi - Tearapia de la risa, que permite que un grupo de payamédicos lleve alegría a niños hospitalizados.

Elenco:

Tomás Fonzi: Dr. Ponciano Funes
Arturo Bonin: Amado Mubarak
Raúl Rizzo: Comisario
Alejandra Darin: Stella
Gabo Correa: Portero, Empleado judicial, Mozo y Empleado Morgue.

Equipo:

Dirección: Eva Halac
Asistentes de dirección: Silvio Lang y Victoria Rodríguez Monte
Asesor de dramaturgia: Silvio Lang
Dirección de arte: Micaela Sleigh
Música original: Negro García López
Diseño iluminación: Ernesto Bechara y Eva Halac
Diseño gráfico: Adrián Alvarez
Fotografía: Photomonteleone.com
Asesor de vestuario: Jorge García
Diseño técnico de sonido: Gonzalo Berdes
Asistente de escena: Iván Stilman
Comercialización: Roberto Lufrano y Luciana Llermanos
Prensa y difusión: Ana Albarellos
Producción ejecutiva: Graciela Rodríguez - Armar Artes Escénicas
Producción general: Rosario Lufrano

De Alfonsín al menemato

2011-01-04T06:54:00.000-08:00

De Alfonsín al menemato
(1983-2001): literatura argentina
siglo XX, Tomo 7
Director: David Viñas
Compiladores: Rocco Carbone y Ana Ojeda
Paradiso Ediciones, 2010
Ensayo, 360 pp.

por Rubén Sacchi

De Alfonsín recuerdo su negativa de recibir a Julio Cortázar, en la que sería su última visita al país luego de un largo exilio; de Menem, sus libros de cabecera, las Obras Completas de Sócrates. Ambos, por desidia o ignorancia, contribuyeron con una palada de tierra para la sepultura de la literatura argentina. Era evidente que de ninguno de ambos podía esperarse una respuesta comprometida con la cultura. Todo fueron parches y medidas más o menos improvisadas, no para el fomento sino más bien para la canalización de múltiples expresiones, que se desarrollaban en el hombre tan naturalmente como éste.
Entre esos dos momentos, muchos acontecimientos signaron nuestras letras, que apenas asomaban luego de una feroz dictadura y una guerra demencial: el primer juicio a los represores, las leyes de Obediencia Debida y Punto Final y los decretos de indulto.
Este libro agrupa interesantes ensayos que nos acercan a aquella realidad y la relacionan con la producción artística de entonces. Con un criterio amplio en cuanto a lo literario, incluye cine, historieta, ensayo, entrevista, periodismo de investigación y otras formas de la palabra escrita.
Cada trabajo toma en profundidad un icono del período y lo desmenuza de manera inteligente, embebido de un componente ideológico que viene a ser un pequeño acto de justicia contra aquellos representantes políticos y en reivindicación de piezas fundacionales de la literatura de esas dos décadas. Acompañados todos de textos complementarios seleccionados muy adecuadamente.
Compilado por Rocco Carbone y Ana Ojeda y bajo la dirección del escritor David Viñas, nos llega este 7º volumen de una colección que, sin pretensiones de faro, contribuye a iluminar lo que ocupa los anaqueles de las bibliotecas.

Carnalval

2010-12-15T15:53:00.001-08:00

Carnalval

Hernán Jaeggi

Babel Editorial, 2010

Poesía, 80 pp

por Rubén Sacchi

Carnalval es un neologismo formado por las palabras carnal y carnaval, pero ¿pueden esas palabras separarse, diferenciarse?

El carnaval es lujuria, desenfreno. Momo, con su burla, se toma de la mano de Baco y, junto a los sátiros, inauguran la fiesta de la alegría del cuerpo, la celebración de la carne y el reinado del sexo. Por eso, la comparsa recorre los cuerpos en la carroza del deseo.

Carnalval es la cópula hecha verso, la poética del erotismo donde “van mis deseos/ como vacas/ a abrevar/ en tu ojo/ de agua oscura”.

Hay una suerte de canibalismo bienechor que habita en las palabras; órganos que se fagocitan de deseo, se entrelazan y absorben sus jugos en un “amor medieval”,

Hernán Jaeggi hace de la poesía un ritual festivo donde Dios es el gran ausente: “Dios solo,/ mirando./ Gran voyeur/ insatisfecho/ por toda/ la eternidad/ se pregunta/ ¿qué hice mal?/ ¿por qué me/ han abandonado?”. Allí, las imágenes se suceden con contundencia orgásmica dejando en claro que “sexo/ es una palabra/ que le pone/ el cuerpo/ a la muerte”.

Sentir óseo

2010-12-15T15:48:00.000-08:00

Sentir óseo

María Victoria Verzura

Viajera Editorial, 2010

Poesía, 146 pp.

por Rubén Sacchi

Sentir óseo se divide en tres partes, que a la vez se articulan en una historia de fracturas: del corazón, del hueso y de la vida.

La primera es contada desde el despecho por la traición. Le habla a quien no es más “el centro” pero al que, sin embargo, dedica la primera parte del libro. Quiere golpearlo, lastimarlo hasta la sangre y lo hace con palabras duras, secas, contundentes.

La segunda es un viaje trunco. Un camino hacia el dolor, al daño físico concreto que nos muestra el otro sufrimiento, más terrenal, y también otra pérdida. Pero, en el punto más álgido de esa parábola invertida se hace inevitable el balance, reagrupar las pocas fuerzas restantes si se desea salir de allí.

La tercera habla de la muerte y es, a la vez, una declaración de principios: “y desafiar a Dios/ .../ hasta lograr que lo olviden” o “ni estado/ ni papeles/ solo carne y piel” definen una ideología que enarbola quien lo perdió todo y aún desea “soñar con fuego”.

Verzura nos entrega un libro, quizás, demasiado catártico pero, como todo lo óseo, medular y descarnado; en definitiva, lo único que nos sobrevive a nuestro paso por este mundo.

Poesía argentina

2010-12-15T15:42:00.001-08:00

Poesía argentina
Autores varios
Univ. Nac. de Quilmes, 2010
Poesía, 368 pp.

por Rubén Sacchi

La publicidad de la primera edición de esta obra rezaba: “Un volumen de 312 páginas con lo más representativo de la poesía argentina actual”. Obviamente que toda selección implica discutibles subjetividades, pero el valor de este libro es inobjetable, como lo es el hecho de que, aún hoy, la poesía sigua siendo un género rehuído por los editores y falto de difusión masiva. Desde esa perspectiva, la iniciativa de la Universidad de Quilmes es altamente loable.
Raúl G. Aguirre, Rodolfo Alonso, Edgar Bayley, Alberto Girri, Julio Llinás, Francisco Madariaga, Enrique Molina, H. A. Murena, Olga Orozco y Aldo Pellegrini son los autores escogidos y a cada uno de ellos se le dedicó una veintena de páginas, no poco espacio, lo que ayuda a que los lectores puedan tener un panorama bastante aproximado de sus diferentes poéticas. Muchos de ellos resultaban prácticamente inhallables a no ser en librerías de viejo.
En el prólogo original, a cargo de Enrique Oteiza, una sentencia final sintentiza el espíritu que condujo a los editores: “El día que nos reencontremos, encontraremos la poesía o, quizás, el día en que encontremos la poesía, nos reencontraremos”.

Miradas

2010-12-09T16:44:00.000-08:00

Miradas

Martín Andrade

Proa Amerian Editores, 2010

Poesía, 64 pp.

por Rubén Sacchi

“Cuando yo sólo sea la imagen de una antigua fotografía, miradla piadosamente”, tal sentencia el epígrafe con que Martín Andrade abre su último libro de poemas y que la humildad del autor implora, cuando, en verdad, más allá de la imagen lo sobrevivirá su obra, lúcida y profunda.

¿Cuál de los cinco sentidos es más importante para el hombre? difícil decirlo, cada quien arrisgará una opinión diferente, mas me atrevo a afirmar que es la vista. A través de ella podemos imaginar al resto, por lo tanto, no es descabellado que en el poema La creación apócrifa sea la que reemplace al verbo.

Luego de ese génesis, cada verso pasa por los ojos: imágenes que entran, se elaboran o escapan de ellos, sin interesar de quiénes sean, pueden pertenecer a un enigmático viajante, a un niño que, inocente, mira por vez primera el mar o a un torvo traficante de armas, al Cristo en su martirio o a la incorporeidad del tiempo; la mirada será siempre la gran protagonista.

En este libro se percibe un aire de ausencia y honestidad, que se define en dos versos del poema final Escritura: “Si el amor escribe, que no explique /.../ Si el ojo escribe, que no mienta”.

El médano

2010-12-09T16:41:00.000-08:00

El médano

Gabriel Bellomo

Paradiso Edicones, 2010

Novela, 204 pp.

por Rubén Sacchi

Dicen que uno de los acontecimientos más difíciles de remontar es la amnesia. Aún para aquellos que añoran el olvido, es inaceptable esa mancha lechosa en la gráfica de nuestra historia; porque una cosa es tapar un hecho puntual, molesto o doloroso, y otra muy distinta no recordar nada de lo que nos ha pasado durante cuatro meses de nuestra vida. Eso le ocurre a Roberto Ballestrero, víctima de una exótica enfermedad marroquí (lugar que jamás visitó) y que despierta, luego de un coma, en un hospital, junto a una joven que vela por su cuidado, a la que tampoco conoce, pero que le habla de su vida con total familiaridad.

La novela transcurre en ambas márgenes del Plata, entre Palermo y Valizas, una pequeña playa uruguaya. Aunque bien podría ubicarse en otra geografía, porque contempla características universales.

A través de los intentos de reconstrucción de su pasado, el personaje ahonda en el alma humana, haciendo eje en la vejez y lo que ésta conlleva: la cuota de soledad, manías arraigadas y el miedo a la decrepitud.

Un médano puede verse como algo sólido, pero está a merced de una constante mutación. El viento y el agua modifican su estructura, así como el tiempo hace otro tanto con el hombre.

Soma, El árbol de la vida

2010-12-09T16:38:00.000-08:00

Soma

El árbol de la vida

Pablo Banini

Taller Palabras, 2010

Novela, 496 pp.

por Rubén Sacchi

Quienes contamos algunas décadas, supimos hamacar las hojas de aquellos volúmenes de tapa amarilla y rígida de la Colección Robin Hood. Muchos, yo entre ellos, aún conservamos no pocos ejemplares en nuestras bibliotecas.

Desde sus páginas, héroes y aventureros, como Sandokán o Bomba, acompañaron nuestra infancia, pero aquellas historias tuvieron siempre parangón en otras épocas. Tal es el caso de Soma, el árbol de la vida.

En el tradicional estilo de las sagas, Banini nos hace atravesar los escenarios más diversos, donde hallaremos bosques de eternas lluvias e imaginarios monstruos de piel más gruesa que el muro de un castillo, que no puede ser atravesada por espada alguna.

Los nombres de lugares y personajes ambientan la historia en una atmósfera medieval, propia del género, habitada por caballeros y maleantes que confrontan permanentemente los poderes del bien y del mal.

Una obra, en definitiva, que apunta al lector joven, pero que bien puede leer cualquier adulto que no haya perdido el don de la fantasía. Además, es industria nacional.

Arraigo inasible

2010-12-09T09:20:00.001-08:00

Arraigo inasible

Julio Bepré

Ediciones Ultimo Reino, 2006

Poesía, 48 pp.

por Rubén Sacchi

El tiempo, su paso inexorable, ha sido tema constante del pensamiento humano. Pero ¿por qué ese desvelo en destejer los intrincados hilos que construyen el tejido de los días? ¿por qué esa obsesión en contabilizar el minuto? Es que, junto al tiempo, transcurre también la vida, que comparte con aquel un mínimo segmento de esa infinita recta y el ser humano es el único animal que percibe esa fatalidad.

Arraigo inasible parte de un oxímoron para mostrar ese conflicto que nos ocupa y que, quizás, sea el motor de la creación artística.

En él, el poeta habita un pasado de impronta tan contundente que lo lleva a ocupar el hoy, haciendo del presente una imagen deslucida por su brillante reflejo. Es que la conciencia nos lleva, impiadosa, hacia la temida meta donde no sólo acaban animales y plantas, sino “también esa piedra que los años desgastan”.

Sin embargo, pese a la dureza de lo vivido y la felicidad esquiva, el autor encuentra una salida en la poesía. Se extasía en “las miles variables de una nube” y se esperanza compartiendo “simplemente el arribo del día”.

Otro lugar

2010-12-09T09:08:00.001-08:00

Otro lugar

Elena Bossi

Ediciones Del Copista, 2008

Novela, 116 pp.

por Rubén Sacchi

Hay dos grandes maneras de contar la historia: desde una posición general, pararse arriba y contar, casi como un dios, qué les pasa a los mortales, o desde lo individual, a través de esos pequeños acontecimientos que suelen pasar desapercibidos para los demás pero, sin los cuales, el resto no sería posible.

Elena Bossi parte de esta última, intentando universalizar los hechos para llegar a aquélla.

Patricia juega a ocultarse debajo de la mesa bajo el mantel y entre las piernas familiares, construye una máquina del tiempo que navega a través de la sangre ancestral hasta sus orígenes europeos.

En esos escenarios se encuentra su pasado, pero también el e tantos otros que llegaron a estas tierras empujados por el hambre, la guerra o alguna cuenta pendiente con un acreedor innoble, aunque poderoso.

Hay mucho de autobiográfico en estas páginas y como una música de cuenta saldada con quienes pasaron antes y son responsables de nuestro existir. Expone toda la crudeza cultural de antaño, pero sin morbosidad.

Otro lugar es el sitio al que alguna vez volvemos, indefectiblemente, en busca de nuestras raíces.

Trata de encontrar tu blues

2010-12-07T06:12:00.000-08:00

Trata de encontrar tu blues
Flor de Corvette

Producción independiente, 2010

Por Diego Luis Forte

Los sesenta han vuelto y aparentemente para quedarse. Trata de encontrar tu blues, el nuevo disco de Flor de Corvette parece sostener esta hipótesis desde varios ángulos. En una crítica anterior sobre uno de sus shows he hablado de la estética y las letras de la banda, así como también de su sonido en general. Este disco no varía en lo más mínimo ninguno de esos elementos, todo lo contrario, parece intensificarlos. Sonido crudo, básico y estridente. Las guitarras sucias, desprolijas de Chico Génesis crean un ambiente casi prostibulario. Podridas de a ratos, se mantienen precisas en su creación de climas sin abusar de la distorsión y los efectos. La base rítmica conformada por Blacky Moreno y Funny Rogers es impecable y hasta exuberante a veces. Las voces se insertan perfectamente dentro de la ya extensa tradición argentina de cantantes masculinos de blues, aportando un toque roquero que las ensombrece lo suficiente como para crear un buen ensamble con la guitarra de Chico. De cualquier forma este es un punto que necesita profundización: Las voces suenan perfecto, pero eventualmente los Corvette deberán decidir quién de ellos tomará la posta como vocalista y frontman. Blacky Moreno es nuestra primera opción.
Recomendaciones: Si no hay rock es una contundente introducción con muy buenas melodías vocales. Si bien Densorama puede ser clasificado despectivamente como “blusacho baladesco” es una gran canción que podría haber sido incluida en Let It Bleed si a los Stones se les hubiera ocurrido primero. Grag parece provenir de Alabama o cualquier otra parte del sur profundo de Estados Unidos, donde algún gringo ranchero podría escucharla mientras maneja su F100. Recuerda muy gratamente a Embryonic Journey de Jefferson Airplane. Finalmente la que merece una mención aparte es el track 9, Como pornostars. Es probablemente el track que más respeta el formato tradicional de canción, tanto por su estructura como por su melodía. En lo personal la consideraría como corte de difusión.
El disco es muy parejo y la banda presenta un sonido y una estética muy consistente. Cualquier persona que haya escuchado rock en los últimos treinta años considerará éste uno de los discos a tener en cuenta dentro de las bandas de los últimos años. En un marco donde la basura reina es imprescindible que las buenas bandas nos recuerden cómo era el rock.

Tracklist:

1. Si no hay rock
2. No es verdad (es falso)
3. Densorama
4. Trata de encontrar tu blues
5. El hombre de blues
6. Grag
7. Inapetente blues
8. El bozal
9. Como pornostars
10. Su cuerpo manda
11. Mr. Big

De diez en diez

2010-11-23T11:19:00.000-08:00

Un relato ausente
de Pablo Baca
Intravenosa Ediciones, 2009
Poesía

por Elena Bossi

En 2000, hace diez años, presenté He visto vivir, el segundo libro de poemas de Pablo Baca, editado por la Universidad Nacional de Jujuy y lo que entonces era la Secretaría de Estado de Cultura de la Provincia de Jujuy. Su primer libro de poesías, que curiosamente lleva el título de Cuentos de la mujer y el solitario, data de 1989 y fue editado por la entonces Dirección Provincial de Cultura de Jujuy. Ahora, en este noviembre, me conmueve tener a cargo la presentación de Un relato ausente -Intravenosa ediciones-.
Su título recuerda el juego de géneros del primero: poesías a las que se les da el nombre de “cuentos” o de un “relato”. El epígrafe de Mark Strand sirve a modo de declaración para explicar lo de “relato” y, sobre todo, lo de “ausente”. Strand concibe el poema narrativo como relato ausente; esta ausencia se contagia al poeta y al lector que desaparece mientras aquel está todavía hablando. Estos relatos ausentes, según el subtítulo, fueron “escritos en la niebla” -que todo lo disuelve y desdibuja más todavía- y “reescritos” (es decir borrados o tachados y vueltos a escribir)- al “atardecer” -cuando el día se va borrando-. Dividido a su vez en cuatro libros que van desde los poemas más recientes hacia aquellos lejanos cuyas palabras el poeta ya no reconoce como propias, el volumen se presenta como los restos de un naufragio, aquello que permanece y se puede recoger a lo largo de una existencia.
Una mirada lúcida y nostálgica por la vida que se escurre, por lo poco que queda entre las manos, por lo mucho que se pierde y se olvida. Una vuelta de tuerca: se dice diciendo que no se dirá y las palabras y los lenguajes se arrastran como una carga pesada, una responsabilidad, por momentos, una deuda que se paga. Hay en el poeta una conciencia del modo en que lo ausente permanece en el recuerdo y en las palabras a pesar de su relación contradictoria con ambos:

Yo estuve a un costado de las vías del tren. Era verano
y por atrás de las cañas, corría una acequia. Había una
mesa y estaban mi padre y unos hombres. Esa
imagen es lo único que queda; lo demás ha sido
cortado por el vacío.

Fraile Pintado. Así dijo mi padre. Me llamó la atención
el nombre. Después he vuelto y lo recorrí de punta a
punta. Las vías estaban cubiertas de yuyos y no había
ninguna acequia.

Se escribe sobre lo que se pierde y se lo rescata diciendo que es imposible rescatarlo y advirtiendo al mismo tiempo que la belleza y la poesía no existirían de no ser por esa ausencia latente que amenaza, por ese naufragio. Se escribe para dar cuenta del tiempo y de la belleza que románticamente van siempre de la mano, pues el tiempo se escapa y esta condición nos hace temblar frente a la belleza.
Lo único que nos redime de la muerte es lo cotidiano: la mujer y los hijos seguros en casa al llegar la noche y algunas imágenes que logramos retener; el resto se resuelve en aceptar la nada y el sentido con el que podamos recubrirla.

Las distancias aumentan con la muerte.
Ya mi padre no puede atravesar el puente,
ir desde su casa a la ciudad.
Sus caminos han sido suprimidos;
todo es para él demasiado lejos.
Voy viajando a través de la frontera
y recorro una carretera que sigue y sigue.

Experiencia, Sensibilidad y Dialéctica

2010-11-23T11:03:00.000-08:00

Manhattan Song (Cinco poemas occidentales)
de Luis Benítez,
Ediciones El fin de la noche, 2010
Poesía, 58 pp.

por Juan Arabia

“Luego el vaso blanco de su delicado y dignísimo gesto
Entre saltos y reverencias y miradas a otra parte
Sin abandonar el otro lado desde donde no nos miraba”.
Underground New York

Rescatar un momento histórico, “recuperarlo” en el sentido de fijar sus condiciones materiales, sociales y estéticas, significa –al menos en el ámbito de la poesía- un gesto además de heroico, imposible.
Tan difícil como explicar las causas que hicieron al hombre el portavoz de la poesía: género relativamente autónomo del ser; caprichoso, austero, esclarecedor de una fugacidad temporal y verídica.
Recuperar vestigios, combinar en ellos las grandes narrativas y los grandes estilos con la misma experiencia, supone no sólo la recreación de un sentimiento, sino también de una circunstancia, un tiempo y un lugar.
Dos palabras convendría por ahora retener para acercarnos al menos de una manera superficial a los gigantes cinco poemas que reúnen paradójicamente este pequeño volumen: sensibilidad y experiencia.
Pero es preciso, antes que nada, entender lo que estos términos nos han querido decir en un pasado no muy lejano.
Deberíamos desprendernos, primero, del sesgo de la sensibilidad como una cualidad personal, es decir emotiva, para reencontrarla con lo propuesto por T.S. Eliot en tanto disociación de la sensibilidad: una supuesta disyunción entre “pensamiento” y “sentimiento” que necesita ser unificada.
La misma generalidad, podríamos encontrarla también en la palabra experiencia, es decir, una experiencia que no sólo nos hable de lo vivido o lo conscientemente sujeto a una condición o estado. Podríamos pensar también en Blake o Burke, que en un mismo momento se atrevieron a comprender la experiencia en contraste con la inocencia.
Incluyo esta mínima reflexión, puesto que el mismo lector encontrará una advertencia muy parecida –y mucho más clara y bella- en el prólogo que reúne a los cinco poemas occidentales del Manhattan Song: “Hay aquí detalles que pertenecen a la realidad y otros que provienen directamente de la imaginación (…) todo poema es un fractal, una pieza anómala que altera el sistema al que corresponde, modificándolo y siendo modificado por otras parte del conjunto, en este caso, un libro”.
Y es que me atrevería a conjeturar que el lector no se enfrentará ni con un “poema” ni un “poeta”: el poema vendrá a sustituir lo que no se hace presente. Benítez nos invoca a un lugar vacío en muchos de sus versos, momentos que se inscriben fuera del tiempo y de lo discursivo.
¿Cómo llenar ese vacío? ¿Cómo recuperar lo perdido de la secuencia simbólica que a la vez vislumbra y traiciona ese mismo momento, dejándonos solos en medio del intelecto de la Nueva crítica, en la cueva que proponían esconderse los Confesionalistas, en el mural que proponía derribar la Generación beat?
Toda escuela, movimiento poético, estilos y vanguardias confluyen y se bifurcan en el Manhattan del multiculturalismo; la voz de Benítez deja de ser literal, se rompe y cada página se transforma en muchas voces.
Se trata de advertir al lector de un gesto que es promulgado por el mismo Benítez, pero que seguramente, es superado y doblegado de manera inconsciente por su cualidad misma de poeta.
Y es aquí donde me gustaría introducir una nueva palabra representativa del Manhattan Song: dialéctica vivencial y poética.
Luis Benítez no sólo nos presenta un determinado momento histórico, la sensibilidad misma confluye con su experiencia de escritor sudamericano, que lejos de su tierra natal intenta pero no puede cambiar de vestimenta: una cultura que lo ha atravesado se mezcla dentro de una nueva cultura que lo atraviesa en tiempo presente.
Comenzamos pronto a ver, a sentirnos extranjeros pero cómodamente. Ni Jim Morrison, ni la esplendorosa vista al Central Park o la misma Japanese Food, logran enajenar al amigo hispano que sabe que no hay un piso para él en aquella rota “pocilga”, del bárbaro que circula “en la farsa de Roma”.
La vida cotidiana se presentará sórdidamente. Tanto “Una tarde en el jurásico” o “Garbo´s building” nos ofrecen incluso hasta un trabajo etnográfico, que reconstruye con el registro directo las voces mismas de los personajes la vida de la clase obrera, de una raza o etnia en particular.
Es un Manhattan donde confluyen y se vislumbran los orígenes de la migración europea de principios de siglo. Una ciudad que se apodera del poeta y que desde su ventanales más íntimos logran y sienten ser sólo uno: desde un criminal, un drogadicto, hasta una asustada mujer universitaria que teme caminar por las calles en la noche.
Manhattan, entonces, no será más que una metáfora de la decadencia de la cultura contemporánea.
Si bien esta dialéctica, como dijimos, es representada temáticamente, encontraremos también en su forma retórica y enunciativa un nuevo desafío.
Dialéctica poética, por tanto, en el sentido de cómo se construyen los cinco versos occidentales: podríamos decir que sólo nos queda un idioma que nos permite leer; una moneda gastada, casi destruida, pero que sin embargo todavía insiste en su valor de cambio.
Benítez se valdrá, para realizar semejante empresa, de una pluralidad poética que no lo define sólo como escritor, sino como uno de los lectores más importantes del género en nuestro país.
Desde las improvisaciones de la Escuela de Nueva York, hasta romper con ellas; desde el Vallejismo que pulveriza formas estéticas y gramaticales, hasta hacer de ese acto lo representativo de la poesía; Benítez, con la síntesis de Borges por momentos, con el delirio exacto, medido y comprensible de Dylan Thomas, con su pluma misma hoy día ya inconfundible, nos deja un retrato necesario y maravilloso del género.

Si el lector permite las comparaciones, me gustaría terminar este breve artículo recordando otro gran poemario, que sin dudas el tiempo lo convertirá en hermano del Manhattan Song: hablo de Poeta en Nueva York, de García Lorca.
Como sabemos, los hermanos no sólo presentan similitudes –podemos pensar en el valor cultural emergente de ambas obras, por ejemplo- sino también claras y evidentes diferencias. Lo más importante del contraste, sin dudas, estriba en que Lorca intentaba denunciar un determinado modelo de sociedad; mientras que en Benítez lo denunciado ya se encuentra incorporado en su cuerpo, en sus palabras, en lo fijado nuevamente sobre la ennegrecida huella de la muerta hoja.
Que sean del lector y del poeta las últimas palabras:

“Aunque con pesar los modernos debamos
Lamentarnos de no poder escribir
Una larga oda de maldiciones
Al que cien años antes plantó
La encina que casi nos aplasta,
Como podía Quinto Horacio,
Ésta sigue siendo una buena inocencia”.

No tengo tiempo

2010-11-01T16:33:00.000-07:00

No tengo tiempo
María Pía López
Novela, 120 pp.
Paradiso Ediciones, 2010

por Rubén Sacchi

Una vieja canción del grupo de rock Manal, compuesta por Javier Martínez, sentenciabaa: “... No hay tiempo de más, no hay tiempo de más, una hora es fatal, un minuto: igual...”, ese pánico de Cronos parece coincidir con la advertencia que abre el volumen: “la acción interna de la novela no es otra cosa que una lucha contra el poder del tiempo”. Sin embargo, la confrontación va más allá del tiempo porque, si bien éste es sinónimo de eternidad, para los humanos significa la muerte y esa es la real fobia que recrea la narradora.
La historia es el recorrido en la vida de una mujer adulta durante escasos once meses, a través de su diario íntimo. Elige ese medio porque todo es mentira, asevera, salvo, tal vez, la escritura; nada de fotos o recuerdos que nos confronten con un pasado del que no aceptamos el exilio.
La protagonista busca, quizás, un paraíso en el frecuente infierno de la soledad. Por las páginas desfilan las relaciones familiares, afectivas y amorosas. También todos los conflictos que puede arrastrar la única viva de cuatro hermanos que murieron al nacer antes que ella. La culpa del sobreviviente y la angustia de su existencia la llevan a analizar los hechos desde una perspectiva empirista, donde los nacimientos son “prueba y error” y “el suicida también cree que decidió”. Todo atravesado por la maternidad, que sobrevuela la historia desde el vínculo con su progenitora hasta los hijos que no tuvo.
No tengo tiempo es un libro profundo, que incursiona en el alma humana y se adentra también en el lenguaje, enarbolándolo como única verdad, para luego cuestionarlo evidenciando sus contradicciones: “A tener se llamaba falta, a no tener regla. Es raro el lenguaje”.
La autora es socióloga, ensayista, docente e investigadora de la Universidad de Buenos Aires. Integró el grupo editor de las revistas El ojo mocho y La escena contemporánea. De ella, escribe Liliana Heer: “María Pía López, como Céline, excede la apuesta, pacta fractura, convoca el más acá de la pose, hace experimentar al lector el barro, la tregua, el entusiasmo y el hastío”.

Entre mujeres solas

2010-10-25T07:37:00.000-07:00

Entre mujeres solas
de Jorge Palant
Teatro del Pasillo
Colombres 35, C.A.B.A.
Viernes, 21 hs.

por Rubén Sacchi

Se nace y se muere solo, sin embargo, en el medio de esos límites, la vida del ser humano suele transformarse en un acontecimiento gregario. Buscando razones a todo lo que compone su existencia, el hombre es el único animal que no sabe qué hacer con su presencia en la tierra y la socializa, para que el estar frente a tanta inmensidad sea menos vertiginoso. Pese a ello, las relaciones humanas son complejas y muchas veces nos empujan al ostracismo. Es en medio de esa vacuidad que las protagonistas de esta obra flotan o, mejor aún, se hunden.
.

Dos piezas cortas, Griselda en la cuerda y Al pasar por un cuartel componen la propuesta, con la soledad como línea directriz. En ambas se vislumbra la obstinación en mantener el aislamiento que atraviesan y la dificultad en ceder espacios en pos de una mejor relación.
Con buenas actuaciones, ambas actrices delinean dos situaciones diferentes pero con un mismo nudo central. Como es habitual, Jorge Palant (Capítulo V: La cuestión armenia; Requiem; Tres piezas con prostitutas; Las visitas, entre otras) se vale de su experiencia como psicoanalista para sumergirse en lo más profundo de la mente y sus conflictos.

Elenco:

Beatriz Dos Santos
Dora Mils

Equipo:

Dirección: Jorge Palant
Asistente de Dirección: Agustina Suárez
Diseño escenográfico: Jorgelina Herrero Pons
Realización escenográfica: Leandro Illescas
Música (original): Antonio Zimmerman
Diseño de luces: Eduardo Safigueroa
Producción ejecutiva: Claudio Santibañez
Prensa: Laura Castillo

Con mis botas Kosakas

2010-10-21T16:31:00.000-07:00

Con mis botas Kosakas

de Timo Berger

Editorial La Propia Cartonera, 2009

Cuento/poesía, 48 pp

por Rubén Sacchi

Tres cuentos y una treintena de poemas componen el trabajo de Timo Berger, autor que en su vida cerró un periplo: Alemania - Latinoamérica - Alemania. Su origen se percibe en la temática, pero en su estilo es insoslayable su paso por estas pampas.

Los cuentos son historias duras, violentas, siempre sexuadas, como si ambas cualidades fuesen inseparables, inmersos en un clima de odio racial.

Los poemas son fotografías experimentales que no se contentan con describir situaciones, sino que denuncian la problemática social: “solidaridad resulta una palabra al sacar/ los muebles a la calle, heladeras en trueque” o “No teníamos para romper/ el ayuno, ni migas/ para las gaviotas”.

Todo llevado a través de un lenguaje rayano al lunfardo, donde palabras soeces encuentran un cauce adecuado y generan un clima marginal, cualidad que condice con el caracter under de las editoriales donde publica. Esas características no impiden que el autor se adentre en temáticas muy actuales, como la represión ilegal: “Haceme un escrache/ pero con tutti/ :huevos y color rojo fuerte/ los nombres de los milicos/ como bombones en tu boca”.

Luis Benítez, breve antología poética

2010-10-21T16:27:00.001-07:00

Luis Benítez, breve antología poética

de Luis Benítez

Selección y notas: Elízabeth Auster

Ediciones Juglaria, 2008

Poesía, 112 pp.

por Rubén Sacchi

Acaba de publicarse, de manera digital a través de la editorial española Publicatuslibros.com y en tres tomos, la Obra completa de la poética de Luis Benítez. Ese maravilloso y arduo trabajo puede bajarse del sitio web de manera gratuita y viene a cubrir la ausencia de varios de los títulos que la integran, muchos de ellos inhallables.

Pero como siempre digo: soy un piojo de papel, aunque muchos lo tilden de anticuado, pero sé que tantos otros hay como yo. Por eso, y sin la mínima intención de quitar mérito a la iniciativa peninsular, que hace justicia en muchos aspectos, quisiera recomendar lo último impreso del autor, que no pretende ser un trabajo exhaustivo, pero que rescata para nuestros anaqueles parte de esa bibliografía ya de culto para los lectores de poesía argentina, en general, y de la generación del 80, en particular.

Buen trabajo de compilación de la escritora Elízabeth Auster, a cargo también de la introducción y las notas.

Por eso esta sugerencia, porque esta breve antología nos acerca una vez más este autor de elevada calidad, en tiempos que, a su decir: “apenas los ascensoristas/ se levantan de entre los demás”.

Siguiendo al conejo

2010-10-21T16:23:00.001-07:00

Siguiendo al conejo

de Leónidas Lamborghini

Paradiso Edicones, 2010

Poesía, 56 pp.

por Rubén Sacchi

Una imaginaria tertulia five o‘clock entre Lewis Carroll y su famoso personaje, Alicia. Como si se desarrollara, tras bambalinas, una charla entre el autor y el actor de una obra de la que ninguno de ambos tiene muy clara idea e intentan encontrar su significado.

A través de un inteligente ping pong (como el tic tac del reloj) de respuestas e interrogantes, desarrollan un juego de palabras cuyo tema central es el tiempo.

La locura y el infierno comparten un espacio que domina la charla, muy lejos del maravilloso mundo que creara el escritor inglés: “si no es loco no es verdad”.

Un aire de absurdo ronda el diálogo y nada es lo que parece. “Una sola palabra puede cortarte la cabeza si dices perecer por parecer”.

El hermetismo y el juego son características de la obra de Lamborghini, pero en esta ocasión no se ocupa de la problemática nacional ni de sus movimientos populares, sino de temas que ocupan el alma humana desde los albores de la humanidad.

Siguiendo al conejo se lee rápido, pero es un libro que requiere, y tiene, más de una lectura. No obstante, la clave la da el autor: “Si quieres entender una cosa del todo, no la entenderás jamás”.

De mar y madres

2010-10-21T16:18:00.001-07:00

De mar y madres

de Silvia Loustau

Editorial Martin, 2010

Poesía, 64 pp.

por Rubén Sacchi

Dicen que el mar es el principio de la vida, que allí se originaron los seres vivientes que luego poblaron el planeta. Por eso ¿qué mejor analogía para el mar que la madre?

Pero esa dupla de creación, paradójicamente, nos remite a la muerte, a esos cercanos años en los que cuerpos llenos de sueños eran arrojados a las aguas para ser acallados. Entonces, también las Madres siguieron el derrotero de sus hijos.

De mar y madres es un libro de la memoria de la lucha y de su proyección al futuro: “crecerán nomeolvides/ en cada huesito”. También es la poesía de la esperanza, la que burla al mal y resucita en esas viejas ceremonias de ocultar lo prohibido y esperar, pacientes, su desentierro al sol: “ensombrece el miedo./ palabras guardadas en cestos secretos./ palabras sembradas/ en las quintas de Magdalena./ salvadas del hurto/ de la hoguera./ .../ hoy brillan/ junto a las manzanas/ que están permitidas morder”.

En absoluta concordancia con lo expresado en A manera de epílogo, afirmo que la poeta da voz al silencio y agrego que arroja un cándido rayo de luz sobre las oscurecidas almas.

Cuentos Breves

2010-10-21T16:14:00.000-07:00

Cuentos Breves

de Rafael Barrett

Grupo Mil Botellas, 2009

Cuento, 120 pp.

por Rubén Sacchi

Es increíble la vigencia de este libro que el año entrante cumplirá un siglo de editado. La única obra de ficción que escribiera Barrett está imbuida de actualidad.

Esas historias pueden ser escritas únicamente por alguien que conoce en profundidad la vida y el alma humanas, así como sus miserias: “En aquellos tiempos compraba el amor hecho, como las camisas (..). Ahora me lo encargo a la medida”.

De ideas libertarias, expone los manejos del capitalismo con destreza: “Había allí varios reyes de productos textiles, metalúrgicos y alimenticios, los únicos reyes auténticos de la tierra, capaces de comprar naciones y con derecho de vida y muerte sobre cientos de miles de proletarios”. Basta este párrafo para describir las ideas que desarrolló en diversos ensayos y que en el Paraguay le costaran la tortura y la deportación.

La crueldad social aparece también en metáforas: “Los árboles parecen soñar, balanceando apenas su follaje. Me temo que se trata de una paz fingida: bajo tierra las raíces se estrangulan entre sí”, sintetiza su oscura visión de ayer, tan sugerente de nuestros días.

Las irregulares

2010-10-21T16:08:00.001-07:00

Las irregulares
Bs. As. horror tour
de Massimo Carlotto
Babel Editorial, 2009
Novela, 248 pp.

por Rubén Sacchi

Daniel Viglietti cantaba: “Los ríos son como venas/ de un cuerpo entero extendido/ y es el color de la tierra/ la sangre de los caídos”.

Ese cuerpo único y sufriente es una gran cicatriz provocada por un daño que, si bien infligido en sitios diversos, apuntaba
al mismo blanco.
Las irregulares, Buenos Aires horror tour es un recorrido por los años más infaustos de la reciente historia argentina sobre la directriz de las Abuelas de Plaza de Mayo.
Dentro del gran relato de un turista comprometido con la lucha por los derechos humanos, se despliega un intrincado enjambre de otros tantos que van conformando el duro rompecabezas de ignominias que debieron atravesar los desaparecidos.
El protagonista realizará una serie de paseos nocturnos que lo irán adentrando en ese otro país, ese que el extranjero no suele conocer.
La narración llevará a otras latitudes que atraviesan una historia común, demostrando que nada de lo ocurrido fue un hecho aislado o producto de algún trasnochado demente, sino un macabro
plan finamente concebido en aras de implementar la dependencia.

La logia de los anillos de amatista

2010-10-15T11:26:00.000-07:00

La logia de los anillos de amatista

Jorge A. Colombo

Grupo Ed. Latinoamericano, 2010

Novela, 240 pp.

por Rubén Sacchi

El desarrollo del pensamiento, que debiera ser el objetivo último de la humanidad para confirmar su condición de “animal inteligente” fue, por el contrario, combatido, perseguido y condenado reservando, en actitud oscurantista, su privilegio solo a unos pocos elegidos.

“El pensamiento libre solía ser una mercancía muy cara que hasta podía pagarse con la vida”, dice el padre Vicario a sus interlocutores y el lector no puede menos que remitirse a aquel clérigo, pionero del librepensamiento, que fue Giordano Bruno.

En medio del paisaje de la Colonia, atmósfera en que se mueve como pez en el agua, Jorge Colombo alterna una narración que llega hasta nuestros días, jugando con personajes y hechos de la historia y valorando el legado que los grandes pensadores y humanistas intentaron dejar a las generaciones venideras, quizás en el espíritu de evitar que el mundo se pierda en un caos sin valores.

Mediante una prosa rica y atrapante, nos sumerge en pozos del tiempo a través de los que los protagonistas rescatan sucesos de antaño, en una ciudad donde “la ambición del lucro inmobiliario parece condenar las memorias ocultas a la triste muerte de la destrucción y el olvido”.

Detrás de la forma

2010-10-14T09:37:00.000-07:00

Detrás de la forma
de Alfredo Martín
Andamio 90, Paraná 660, C.A.B.A.
Viernes, 22:30 hs

por Rubén Sacchi

Intentar llevar Ferdydurke al teatro es una empresa arriesgada. Difícil hacer una abstracción de lo que Ernesto Sábato definía como "especie de grotesco sueño de un clown, con páginas de irresistible comicidad", pero Alfredo Martín lo logra maravillosamente a través de una adaptación que no deja detalle del libro fuera. Resulta una obra un tanto larga, pero que no aburre en ningún momento.
El duro y difícil proceso para salir de la inmadurez, el abandono de la inocencia, importa un parto, el nacimiento de una nueva persona con responsabilidades, que ya jamás podrá mostrarse ante una sociedad hipócrita de la misma manera que antaño sin recibir la censura más despiadada.
La palabra inocencia automáticamente remite a su opuesto, de lo que deviene que, si se perdió su condición, se es culpable. ¿Y de qué es culpable el hombre adulto? Basta mirar alrededor y darse cuenta del mundo que construye y sobre qué pilares lo asienta.
Ese tema es el que el escritor Witold Gombrowicz, descendiente de la nobleza polaca, planteaba en su novela, allá por el año 37, tópico que escapa a su tiempo y conforma la trama de sucesivas obras de arte. Tal vez, la más recordada sea la ópera rock The Wall, del grupo Pink Floyd, en que al joven se lo intentaba uniformar convirtiéndolo en "un ladrillo más en la pared".

Económica en escenografía, apenas unas cuantas sillas y un par de mesas procuran lo necesario para representar los diferentes ámbitos; todo acompaña para que la atención recaiga en los actores, de muy buen desempeño en general.
Con momentos desopilantes, y entre juegos y risas, la pieza expone planteos sociales, sexuales y clasistas. Una mirada cáustica y existencialista de un modelo de vida perimido pero que se resiste a morir.

Elenco
(por orden de aparición)

Guillermo Ferraro
Gabriela Villalonga
Fidel Cuello Vitale
Martín Savo
Gonzalo Camiletti
Julian Belleggia
Rubén Di Bello
Francisco Gonzalez Franco
Ignacio D’Olivo
Cecilia Antuña
Luis Dartiguelongue
Luciana Procaccini
Victoria Fernandez Alonso
Alberto Astorga
Alfredo Martín.

Equipo
Dirección: Alfredo Martín
Asistente de dirección: Natalia Vozzi
Asistente artístico: Marcelo Bucossi
Asistente de movimiento: Armando Schettini
Escenografía: Alejandro Alonso
Iluminación: Pehuén Stordeur
Vestuario y Utilería: Ana Revello
Gráfica: Julieta Selem
Fotografías: Daniel Goglino
Prensa: Simkin & Franco

Album de esperas y otros asuntos

2010-10-13T17:58:00.000-07:00

Album de esperas y otros asuntos
Jorge Prieto
Ediciones El Mono Armado, 2010
Poesía, 76 pp.

por Rubén Sacchi

El libro cuenta la historia de un hombre en la vorágine cotidiana, inmerso en la angustia diaria, que sobrevive gracias al amor, o a su recuerdo.
La espera es la acción que lo conduce aunque no es, ni más ni menos, que una de las tantas representaciones del tiempo; un tiempo inexorable, que suele tomar la forma del viento para barrer los instantes, dejando permanentemente ausencias y nostalgias.
En tiempos en que la memoria está en primer plano, es necesario reflexionar que una cosa es lo colectivo, lo social y otra muy diferente, lo íntimo. Allí puede ocurrir, y es lícito que sea, que “la memoria y el olvido,/ por un rato/ se amigan/“.
En esas esperas transcurre toda una vida, allí se suceden todos los acontecimientos que encontraron “la única grieta que él mismo olvidó tapiar” en la pared del olvido, desde los proyectos de un mundo más justo: “A los que hasta ahora, luchamos y perdimos/ saber que no estamos solos, no alcanza” hasta los muertos en Cromagnon, en el poema Bengalas.
Album de esperas y otros asuntos plantea una urgencia de vivir lo efímero, como las palabras de Mario Trejo con que abre el libro: “El mejor modo de esperar es ir al encuentro”.

Escombros e ilusiones

De tardecita

más apaciguado el viento

y después de barrer las sombras

voy a desatar

el imprudente

paquete de palabras

que fui juntando en la vida.

Todos los grandes gobiernos han evitado el teatro íntimo

2010-09-27T11:44:00.000-07:00

Todos los grandes gobiernos han evitado el teatro íntimo
de Daniel Veronese
Teatro Camarín de las Musas
Mario Bravo 960, CABA
Viernes, 21 hs; Sábados, 22:30 hs

por Rubén Sacchi

Hedda y Jorge Tesman regresan de un viaje y se hospedan en la casa que les ofrece el asesor Brack. La vivienda no es tal, sino el decorado de una pieza teatral: Casa de muñecas, haciendo un guiño al autor del libro original y al trabajo anterior del director. En esta atmósfera de utilería percibimos que el matrimonio no es bien avenido y rápidamente se evidencian rasgos de aburrimiento e insatisfacción. Una antigua compañera de estudios de Hedda trae la noticia de la visita de Lovborg, un escritor notable que pudo dejar temporalmente su afición al alcohol y publicó un interesante ensayo. A partir de su encuentro, los tres hombres deciden asistir a una fiesta, a la que Lovborg lleva el manuscrito de su nuevo libro, una obra genial titulada El desarrollo de la generación venidera. En este esquema, desarrollarán su papel las diferentes pasiones humanas. En la obra, nadie juega limpio y de esa mezcla difícilmente surja la felicidad. Muchos puntos hay de contacto entre los personajes, que llevarán a un desenlace fatal.

En su estreno en 1891, su autor, Henrik Ibsen, fue criticado por dar a su personaje un perfil que rompía con las premisas morales de la época, no obstante, hoy Hedda sigue siendo una personalidad urticante. Fría y calculadora, acostumbra manejar las situaciones a su voluntad.
El recurso del parlamento superpuesto, genera una sensación de ansiedad en los personajes mientras, por otra parte, escamotea información al espectador. En síntesis, una puesta sencilla: vestuario adecuado, luces y decorado correctos, pero sin sobresalir, como para dejar protagonismo a la acción, de gran carga dramática.

Elenco:
Jorge Tesman: Claudio Da Passano
Hedda Gabler: Silvina Sabater
Señora Elvsted: Elvira Onetto
Asesor Brack: Aldo Barbero
Ejlert Lovborg: Marcelo Subioto

Equipo:
Dirección: Daniel Veronese
Asistente de dirección: Felicitas Luna
Adaptación escenográfica: Franco Battista
Producción: Sebastián Blutrach
Prensa: Duche & Zárate

Diseño gráfico: Estudio Papier

Freshwater

2010-09-15T10:57:00.000-07:00

Freshwater
de Virginia Woolf
Domingos 20 hs.
Ciudad Cultural Konex: Sarmiento 3131

por Rubén Sacchi

Estrenada profesionalmente off-Broadway en 2009, llega a Buenos Aires en su primera versión castellana, cuando el mundo de la cultura está por celebrar los 130 años del nacimiento de la escritora.

Virginia Woolf no se caracterizó precisamente por una pluma ligera y la comedia no era su fuente de inspiración. Esta pieza fue escrita como divertimento cuasi privado para su grupo de entorno, se representó en el estudio de arte de su hermana en 1935 y durmió en un cajón hasta el 69, para ser considerada recién en nuestros días.
La obra satiriza la sociedad victoriana, donde la burguesía parecía dormir un letargo que no presentía sobresaltos y descansaba sobre la riqueza que expoliaban de sus colonias. Woolf utiliza para su historia algunos personajes reales del mundillo artístico de entonces, como la fotógrafa Julia Margaret Cameron; el pintor George Frederic Watts y su joven novia, la actriz Ellen Terry y el gran poeta Alfred Lord Tennyson y los ubica en otro punto del tiempo.
La obra, pese al carácter desopilante y absurdo de la historia, mantiene los tópicos de la prosa de la escritora: la liberación femenina y la crítica a una sociedad con la que no se identificaba, que añoraba la bonanza de las colonias, pero que al final quería descansar en un ataúd de la metrópolis.
Con excelente vestuario y decorado barroco, aunque económico, se pueden apreciar actuaciones correctas, con matices interesantes. Para disfrutar y también para realizar varias lecturas entre líneas.
Elenco:

Marcela Bea: Julia M. Cameron
Félix Tornquist: Charles H. Cameron
Miguel Amestoy: George F. Watts
Guillermo Somogyi: Alfred Lord Tennyson
Manuela Fernández Vivian: Ellen Terry
Victoria Páez: Mary M., la criada
Gabriel Schapiro: John Craig

Equipo:

Dirección: María Emilia Franchignoni
Diseño de vestuario: Sofía Di Nunzio
Asistencia de vestuario: Emilia Tambutti
Realización de vestuario femenino: Mirta Dufour
Realización de vestuario masculino: Vladymyr Hlavadskyy
Realización de calzado: José Romero
Realización de barba: Eugenia Palafox
Estampas: Muchatela
Diseño de iluminación: Leandra Rodríguez
Asistente de iluminación: Bettina Sara
Escenografía: Julieta Ascar
Asistencia de escenografía: Lucrecia Marchese
Realización de escenografía: Juan Carlos Pinilla
Diseño de sonido: Robertino Franchignoni
Diseño gráfico y retoque digital: Bruno Rafaelli
Fotografía: Pilar Benítez Vibart, Luciana Damiao
Producción general: Maria Emilia Franchignoni
Producción ejecutiva: Martin Lavini
Asistente de producción: Marisol Delgado
Prensa: Duche & Zarate
Dramaturgismo y puesta en escena: Maria E. Franchignoni
Dirección de actores: Alejandra Flores

¡No, mi Dios! ¡Otra antología de poesía argentina!

2010-09-10T15:51:00.000-07:00

La Poesía del Siglo XX en Argentina

Autores varios

Selección de Lic. Marta Ferrari

Poesía, 560 pp.

Visor, 2010

por Luis Benítez

¿La poesía nacional, se está convirtiendo en un microrrelato?
Son conocidas mis diferencias respecto de lo realizado por el Lic. Monteleone, sobre lo que ya me expresé dilatadamente, resaltando el respeto que siento por la obra y la persona de cada uno de los incluidos en el volumen 200 años de poesía argentina. Del mismo modo que creo, pese a que hayan surgido algunas opiniones en contra, que la diputada tucumana que propuso declarar el volumen de Alfaguara como “de interés legislativo”, en definitiva estaba contribuyendo a resaltar el papel de la poesía argentina en nuestra sociedad, nada menos que al fundamentar su pedido en que la aparición de un libro titulado 200 años de poesía argentina era entendible como “un homenaje a la Revolución de Mayo” en medio del Bicentenario: nuestra sufrida poesía argentina, antes entendida como un género prácticamente marginal.
Supuse que ello iba a dar el positivo saldo de una razonada discusión entre pares, pero aprecio que el asunto no deja de estar manchado aquí y allá por agrios enfrentamientos, que no creo que lleven algún beneficio al género. Ahora, con el mayor estupor, y en coherencia con lo que antes expresé, me veo en la paradójica instancia de “defender lo establecido por el Lic. Monteleone”, al compararlo con la antología de poesía argentina recientemente editada por Visor, en España, 560 páginas, una colección dirigida por García Montero, donde la compiladora reduce un siglo de poesía argentina a... ¡33 poetas! La obra es: La Poesía del Siglo XX en Argentina. Creo que es injusto no sólo con los autores que no están incluidos en 200 años de poesía argentina; también con los que sí lo están en la obra de Monteleone, definitivamente. ¿Es que se está reduciendo la poesía argentina a un microrrelato? ¿No alcanzan 560 páginas para incluir una visión más realista de la poesía argentina del siglo XX? Esta es la nómina, tan breve, que puede copiarse aquí sin mayor esfuerzo: Raúl González Tuñón, Amelia Biagioni, Alberto Girri, César Fernández Moreno, Jorge Leónidas Escudero, Roberto Juarroz, Leónidas Lamborghini, Raúl Gustavo Aguirre, Juan Gelman, Horacio Castillo, Santiago Sylvester, Diana Bellessi, Néstor Perlongher, Jorge Boccanera, Héctor Freire, Osvaldo Picardo, Fabián Casas, Enrique Molina, Jorge Calvetti, Edgar Bayley, Olga Orozco, Joaquín Giannuzzi, Mario Trejo, Francisco Madariaga, Alfredo Veiravé, Gianni Siccardi, Alejandra Pizarnik, Hugo Mujica, Arturo Carrera, Daniel Samoilovich, Abel Robino, Alejandro Schmidt y Macky Corbalán. Estos nombres y obras forman parte, indiscutiblemente, de la poesía argentina. Mas son tantos los nombres que faltan en ese más que medio millar de páginas que, insisto, me veo en la obligación moral de cuestionar por qué no figuran en esta obra aquellos que incluyó Monteleone -además de otros que no incluyó- que bien ganado tuvieron su espacio en esa selección, como remarqué ya en mi artículo Carta abierta al lector de poesía argentina. No puedo hacer un listado sin ser injusto, pero no entiendo por qué no están en una obra llamada La Poesía del Siglo XX en Argentina, por ejemplo, Bustriazo Ortiz, Víctor Redondo, Susana Villalba, Concepción Bertone, María Elena Walsh, Paco Urondo, María del Carmen Colombo, Aldo Luis Novelli, Ricardo Rubio, la Andruetto; remarco, apenas por dar algunos nombres de los mejores de la poesía argentina, que el Lic. Monteleone sí incluyó, ciertamente con mejor criterio que la Dra. Ferrari, aunque a Monteleone se le hayan quedado en el tintero tantísimos otros.

Carta abierta al lector de poesía argentina

2010-09-08T13:43:00.000-07:00

200 años de poesía argentina
Selección y prólogo de Jorge Monteleone
Poesía, 992 pp
Alfaguara, 2010

por Luis Benítez

La importancia del género
Sea usted exclusivamente lector del género o también poeta y/o crítico, académico o no, argentino o extranjero, seguramente habrá llegado a sus oídos el revuelo que ha causado la publicación del volumen 200 años de poesía argentina (Ed. Alfaguara, Buenos Aires, 1.008 págs., ISBN 978-987-04-1401-8) o, caso contrario, pronto le llegará. Es que a meses de su presentación formal en sociedad, cuando los ecos de la aparición de cualquier otro libro deberían haberse convertido en un susurro, particularmente por lo específico del género que trata, ha desatado controversias llamativas, que van desde las más pomposas alabanzas hasta el elogio que quiere ser razonado; desde el rechazo argumentado hasta los denuestos más feroces. ¿Cómo es que un libro que habla –bien o mal- de poesía, provoca una reacción tan notable? ¿No era la poesía un género casi marginal? ¿Dónde quedaron las décadas de lamentaciones al respecto, las mesas redondas, simposios, conferencias, encuentros literarios, donde la situación de la poesía se evaluaba como prácticamente inexistente en un mercado alimentado por best-sellers, operado por el marketing de las grandes empresas editoriales, decíamos, que desdeñaban incluir en su catálogo obras del género, porque es nulo el margen de ganancia que devengan? ¿No era la poesía algo que sólo nos importaba a nosotros, sus lectores, fuéramos o no, además, poetas, críticos, académicos?
En momentos en que le escribo a usted, ya no se oyen las salvas de artillería de la Feria del Libro, que saludó al de referencia como un acontecimiento en medio del Bicentenario; tampoco el recibimiento triunfal que se le brindó en un acto de la Biblioteca Nacional, celebrado en el salón mayor, que lleva el nombre de Jorge Luis Borges. Los diarios y periódicos que festejaron su existencia encontraron el destino final de esos medios gráficos, siempre el mismo; los blogs y páginas Web que se ocuparon del nacimiento siguen allí, y la Honorable Cámara de Diputados de la Nación Argentina considera un proyecto, elevado al Presidente de la Comisión de Cultura de ese organismo legislativo, el diputado Roy Cortina, por su par la legisladora por la provincia de Tucumán, Norah Susana Gastaldo (Nº de Expediente 4286-D-2010, Trámite Parlamentario 077, del 16/06/2010), para “declarar de interés de la Honorable Cámara de Diputados la edición del libro 200 años de poesía argentina, en homenaje al bicentenario de la Revolución de Mayo”.
Por la otra punta del ovillo, desde Italia, el poeta argentino Gabriel Impaglione, editor de la bien conocida revista Isla Negra, envió una carta abierta a la Honorable Cámara resistiendo esa iniciativa; en la misma revista, el poeta argentino Eduardo Dalter cuestionó duramente el criterio que animó al antólogo y las omisiones de poetas connacionales en la obra, artículo abundantemente reproducido ya en los blogs, a lo que sumó Dalter una carta dirigida a la diputada tucumana que propuso la medida legislativa; el poeta santafesino Rubén Vedovaldi sumó lo suyo, criticando otros aspectos de la antología de Alfaguara; la autora Miriam Cairo agregó también su opinión negativa sobre la obra de Monteleone en un artículo publicado por el diario Página 12, en su edición rosarina: http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/rosario/14-25079-2010-08-28.html (toda esta documentación la puede usted leer en revistaislanegra.blogspot.es).
A estos primeros pasos de la oposición a la obra, se suma algo que no por no aparecer en los blogs y los medios gráficos, deja de ser de fundamental importancia: los mensajes personales en torno al mismo tema, la franca mayoría de ellos de índole “no positiva”, por emplear este curioso y célebre eufemismo de origen preclaramente legislativo.
Como verá, lector, su género preferido, para casi no existir, hace bastante barullo en la República Argentina. ¿Cómo nos explicamos esto? ¿Es el género en sí, o factores extraliterarios aquello que agita las aguas antes supuestamente estancadas de la poesía nacional? Y la cuestión principal y definitiva: ¿Le sirve esto al género o va a ir en su desmedro? Veamos.

La importancia de que se publique una obra de valor genuinamente histórico
El lector de poesía, como usted y yo, es uno de los más específicos, exigentes y reducidos, en relación a las escalas a las que se destinan los productos editoriales de alcance masivo. Para presentarle a usted una obra, las editoriales saben que deben afinar la puntería y confiar el trabajo a alguien que domine el tema destacadamente. Para un lector especialista, se necesita un autor altamente especializado. Más aún cuando el proyecto atiende al abarcamiento de la completa historia de la poesía argentina, desarrollada a lo largo de muy complejos doscientos años de acontecimientos literarios, sociales, políticos y económicos, una intrincada sinergia que originó el fenómeno de que se trata.
Queda claro que usted y yo somos un segmento de lectores, además de exigente, sumamente sensible a adulteraciones, atento a leer agudamente entre líneas: las miríadas de supuestas antologías realizadas por cuatro hampones literarios a tanto por cabeza, en las últimas décadas; los supuestos concursos literarios con la cláusula opcional de integrar una “antología colectiva”, donde decenas de “terceros premios” y “menciones” tienen la “posibilidad” de publicar al lado de cualquiera, mientras se tenga para el alquiler de las páginas, no nos han engañado nunca.
Por parte del Grupo de Empresas Santillana una obra de esta envergadura jamás iba a ser confiada a un inepto ni a un ignorante, por el segmento de lectores al que se dirige, por la imagen de la compañía que financió la obra y porque el Grupo es consciente de la relevancia que tiene invertir en un proyecto así, lanzado en medio de los fastos, las declamaciones y los buenos sentimientos que despierta nada menos que el segundo centenario de la patria, algo que lleva a una diputada de la Nación a esgrimir como argumento de su pedido de declaración de la obra como de interés parlamentario, el que constituye un “homenaje a la Revolución de Mayo”. La sufrida poesía argentina. La que usted y yo leemos desde hace décadas, porque tiene un valor específico, porque tiene unos alcances y una trayectoria meritorias, porque aportó muy lo suyo al conjunto de las letras en nuestro idioma, y, fundamentalmente, por la sempiterna razón que nos lleva a abrir un libro y no dedicarle esas horas maravillosas a otra cosa, tal vez la mejor razón de todas: porque nos gusta.
En función de esta exigencia, estoy seguro, el Grupo Santillana se dirigió a un referente del estudio de la poesía argentina. Aunque en base a los resultados del proyecto muchas voces se alcen para desestimar la competencia del Lic. Jorge Monteleone y su equipo de colaboradores, creo que las particularidades de su formación lo señalaban para el puesto.
Monteleone nació en Buenos Aires en 1957 y es crítico literario y traductor; es investigador en el Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas (Conicet), con sede en el Instituto de Literatura Hispanoamericana de la Universidad de Buenos Aires. Desde 1992, dirige allí el Boletín de Reseñas Bibliográficas. Obtuvo dos veces la beca del Deutsches Akademischer Austausch Dienst (DAAD, por sus siglas en alemán, que significan Servicio Alemán de Intercambio Académico), establecida por la República Federal de Alemania, para ejercer la docencia y la investigación en la Universidad de Colonia (RFA). Su especialidad es la crítica de la poesía hispanoamericana en general y de la argentina en particular. En su especialidad ha firmado una centena de ensayos y artículos académicos en medios de América y de Europa. Es periodista cultural en distintos medios gráficos y audiovisuales de Buenos Aires, señaladamente en el diario La Nación. Un típico representante del medio académico –ámbito que todavía no dijo ni “a” sobre el espinoso asunto- cuyo CV se ve que era más que adecuado para lo que buscaba el Grupo Santillana: the best boy.
Dudo mucho que el Grupo haya querido invertir en este proyecto todo lo que invirtió, no sólo en la edición en sí, sino también en su difusión, por el simple afán de lucro, legítimo y común a toda empresa comercial; se trata de un libro caro para los menguados bolsillos latinoamericanos y, gracias a la crisis mundial, también caro para los particulares extranjeros; estimo que su intención estuvo orientada más a producir un título de obligada consulta, presente en las bibliotecas de las universidades, un título que no puede ser obviado, no sólo porque desde la edición de la Antología de la poesía argentina, compilada por Raúl Gustavo Aguirre (Ediciones Fausto, Buenos Aires, 1979, ISBN 9504580000) y que necesitó tres tomos para abarcar su objeto en aquel tiempo, ninguna otra obra de similar envergadura salió a la venta; también tiene que haber motivado al Grupo la certeza de que su imagen empresaria quedaría todavía mejor asentada al haber colaborado a dotar de un instrumento sistematizador y crítico de esta importancia a nuestro sistema de valores literarios.
El prestigio es otra de las motivaciones, además del afán de lucro, de todas las corporaciones empresariales, que pueden darse de tanto en tanto estos “lujos”, habida cuenta de las altas facturaciones que obtienen con cada balance anual, con crisis mundiales o sin ellas. Una buena obra, bien seleccionadas sus partes, bien introducida por un best boy, bien difundida a través del aparato propagandístico de la corporación, que se constituya en el referente de toda la poesía argentina, acogida positivamente por todo el establishment literario, bendecida por los medios y por todos los sectores de la poesía argentina, lanzada oportunamente en medio de la celebración del bicentenario del país, se constituye obligadamente en el aporte bibliográfico sobre el género más importante en casi medio siglo de esas dos centurias a las que se refiere.
En ocasiones, los intereses de las grandes corporaciones establecen alianzas reales con los intereses literarios de una época y lugar dados; cuando existe comunidad de intereses –hoy la base de toda negociación, el común beneficio de las partes- generalmente los proyectos prosperan. El proyecto de Alfaguara, empresa miembro del Grupo Santillana, era por igual beneficioso para la empresa como para el conjunto de la poesía argentina; por ello, el anticipo de su lanzamiento generó tanta expectativa. Entonces... ¿por qué fracasó?
Me explico, colega lector: no fracasó porque el Grupo Santillana sea una entidad perversa, al estilo de los Illuminati del inefable Dan Brown, empecinada en destruir el mundo y específicamente, sembrar la confusión en la cultura (no me cabe duda de que las intenciones del Grupo eran bien otras y, ya vemos, lejos del afán de lucro y más cerca de los intereses de los lectores de poesía) y no fracasó porque no llenara las expectativas del establishment literario local, que hubiese aplaudido de igual forma cualquier obra, incluso una peor realizada por Monteleone y sus adláteres, porque el establishment necesitaba un título y no una obra; no fracasó porque Monteleone sea un obtuso que, misteriosamente, llegó a uno de los estamentos más altos de la carrera, examen tras examen, postulación tras postulación, porque cuenta con un velo mágico que hace invisible su supuesta ignorancia a los ojos de los demás (en realidad, creo que sabe de poesía argentina mucho más que el común de los que la leemos, particularmente en cuanto a teoría y datos al respecto, y era por ello uno de los sujetos mejor indicados para trasmitir esos conocimientos); no fracasó porque haya incluido en su selección a autores que, con toda justicia, trabajaron muy talentosamente para ganarse ese lugar (ni uno solo de los canonizados por el best boy sobra, nos guste o no nos guste su estilo o su poética); cualquier aseveración en nombre de esas falsas interpretaciones lo único que hace es embarrar la cancha y confundir el juicio objetivo en cuanto a lo sucedido, que es mucho más grave.
Y es grave porque con la aparición en escena de 200 años de poesía argentina, que contó con el apoyo económico y propagandístico de una corporación editorial de las grandes, capaz de brindarle una distribución a escala de todo el territorio hispanoparlante, en comunidad de intereses con el lector de poesía; con la anuencia del establishment político, periodístico y cultural local; con la selección y la introducción a tan complejo fenómeno como es la historia completa de la poesía a lo largo de 200 años - todos los que cuenta- puesta en manos del mejor muchacho y su seleccionado de intérpretes de la realidad, se ha desperdiciado un oportunidad única de dar cuenta del asunto, leal y francamente resuelta mediante un trabajo que debía ser de excepción.
Y no fue tal por impericia de los encargados de llevarlo a cabo, sino por su intención. Esto es, ellos pusieron por encima de los intereses del género sus intereses personales, el flaco afán de figurar como árbitros de la elegancia –el arbiter elegantiorum de la antigua Roma-, de erigirse como capaces de señalar quién es quién y quién no es –o sea, no nació, no escribió, no existe, es alguien desaparecido- en la historia de la poesía argentina.
Porque desde el título la obra proclama su ambición –que era lo que los lectores de poesía argentina estábamos esperando, una obra que se ajustara a aquello que aspiramos a leer alguna vez, y que definitivamente, no es ésta- se invalida su contenido. No contiene esa obra que dé cuenta de 200 años de poesía argentina. No están en ella las referencias claves a todo su acontecer, a cada una de sus partes y el razonamiento sobre el conjunto, ni contiene el conjunto de los nombres que hicieron esa historia. Si se titula así, debe cumplir con lo que promete cuando uno, lector de poesía, abre el libro. Debo en esta lectura disentir con mis colegas Eduardo Dalter y Rubén Vedovaldi (ver sus textos en la fuente citada) cuando expresa el primero que Monteleone (y todo su grupo de investigadores, no los dejemos afuera del asunto, que también llevan lo suyo) obraron así por desconocimiento; creo haber argumentado lo suficiente, antes, para dar por descartada esta hipótesis de Eduardo Dalter. Respecto de algo aseverado por Vedovaldi, opino todo lo contrario: él manifiesta que las 24 páginas de introducción del prólogo de Monteleone son algo excesivo, yo creo que son tan cortas para la ambición de reseñar el fenómeno del que se ocupan, que ponen a lo escrito por Monteleone a la altura de los logros alcanzados por la sección final del célebre Reader’s Digest, capaz de resumir La Ilíada en un par de pliegos. ¿Pueden 24 paginitas resolver el intrincado espectro de 200 años de poesía argentina? ¿Tan poco sucedió en dos centurias? Creo que no, que un argumento tan simple como éste, tan obvio, invalida lo expuesto por Vedovaldi. Sí coincido con lo señalado por ambos autores respecto de las exclusiones concretadas por Monteleone, aunque insisto en que no tienen una causa tan inocente como la ignorancia, sino el fin bien determinado de establecer un canon legitimante no dirigido en realidad a un beneficio de los canonizados –que ya lo estaban antes del advenimiento de Monteleone como sumo sacerdote de la poesía argentina, porque por obra y también por gracia de la poesía, los nombrados no necesitaban de ningún espaldarazo del Conicet ni de la virgen desatanudos- sino a ungir al best boy como aquel que determinó el Who is Who poético nacional. Lo que no es poca cosa y vieja aspiración de muchos, desde los tiempos en que la todavía distribuida revista Diario de Poesía proclamaba, en los 80, que primero el neo-barroco y después el neo-objetivismo eran los cánones a seguir por la muy diversa –por suerte- poesía argentina.

La importancia crucial de que una antología no sirva para establecer un canon
¿Qué es un canon? Con magistral claridad, el mismo Monteleone responde esta pregunta, en su “ensayo” preliminar, fundiendo adrede el significante “antología” con el significado de canon: “Tal vez no sea un conjunto más o menos razonado o azaroso de inclusiones, sino un sistema de ausencias” (0p. cit., pág. 13).
Salpimentado aquí y allá con algunas observaciones sobre el desarrollo general de la poesía argentina, sí de índole literaria, el meollo del supuesto ensayo no es otro que la justificación del establecimiento de ese canon, por la fácil vía de declararlo como el único medio posible para discernir en el asunto: un sistema de ausencias, esto es, que su primera medida no es incluir, como se supondría, sino lo opuesto, excluir, establecer un espacio “exclusivo”, al que no se pueda ingresar sin el visto bueno de Monteleone; ello lo ubicaría, tal su pretensión, como el guardabarreras de la poesía argentina, un sistematizador de la ausencia. El determinaría así quien aparece y quien desaparece de la historia. Hábilmente, entre los canonizados ubica a autoras y autores cuya pertenencia a la historia resulta irrefutable, no por mérito de Monteleone, como aquel que supo discernir que eran “joyas escondidas” de esa historia, sino por mérito propio de los canonizados, que mucho antes de que Monteleone comenzara a hacer su listita, ya se habían ganado con creces su espacio propio en la poesía argentina. Es que hay un movimiento sutil en la obra: mientras que aparentemente Monteleone es quien legitima a los canonizados, en realidad son los canonizados los que lo legitiman a él. Buen intento del best boy, sólo que olvida que abre un punto muy flaco en la defensa de la validez de su obra: el canon es un procedimiento extraliterario, si se inserta como procedimiento en una obra que se denomine 200 años de poesía argentina. Lo esperable en algo así titulado es una descripción muy completa y razonada de todo y todos aquellos que hicieron esa historia, detallada y dividida en movimientos, características, modificaciones y sus causas, cronología y todo un amplio sumario que Monteleone conoce muy bien, tan bien como nosotros, los lectores de poesía.
En cambio, empotra en el cuerpo de una pretensión literaria de tales dimensiones, como hilo conductor, el establecimiento de un canon, que es un artefacto propio de esa odiosa palabra, maistream. Como bien sabemos, mainstream es un término que define las predilecciones y preferencias que son aceptadas por la mayoría en una sociedad. No en balde se la emplea abundantemente para referirse al universo de lo mediático. Ahora sí, encaja mejor la destacada presencia de la obra de Monteleone en los medios, se explica su aceptación inmediata por parte del establishment, se entiende la discordancia extraña entre lo prometido por el título continente y el verdadero contenido. Entendido como agente del maistream, el trabajo de Monteleone no ofrece fisuras y lo consagra, sólo que en un lugar ubicado fuera de lo literario. 200 años de poesía argentina, pese a su título, es un fenómeno propio del universo mediático, no del universo literario. Si tal era su pretensión –muy bien lograda, por cierto- entonces no es criticable desde un punto de vista propio de lo pop; resulta el equivalente entrometido en las letras de lo farandulesco, lo mediático; tiene que ver más con el ámbito televisivo y el resto de los medios de comunicación de masas, que sí, como Monteleone, establecen un canon, porque lo necesitan para excluir y modelizar, amasando las opiniones de los espectadores hasta obtener una pasta más o menos homogénea, que es –precisamente- la esencia misma del maistream, la corriente generalizada de opinión, una sola. Suena totalitario, pero así es como se maneja el mainstream: excluyendo, y de ninguna manera 200 años de poesía argentina deja entonces de ser un auténtico producto de él. Quien hace ese trabajo para el mainstream, estableciendo una opinión uniformizadora en cualquier terreno: la belleza, la política, la economía, el deporte, etc., recibe una recompensa que habitualmente implica dinero y fama; en letras, que no es una actividad relevante para la sociedad, aunque conserva algún medio apagado brillo de prestigio, la recompensa para el amansador de divergencias será sólo... el prestigio en su campo. El problema surge cuando en ese campo los lectores opinan lo contrario. Porque volvemos a la misma diferencia entre lectores: el de poesía es uno sumamente especializado, hábil para leer entre líneas, educado por sus mismas lecturas, que apelan a los mecanismos de elusión y alusión continuamente; ¿cómo resultaría posible venderle maistream en lugar de criterio literario? El asunto de 200 años de poesía argentina falla por la base.
Además de la incómoda situación en que queda ubicado Monteleone –tal vez, lo menos importante- se abren otras inquietantes perspectivas. ¿Es realmente adecuado el lugar donde quedan ubicadas esas obras canonizadas por este agente del maistream? Se trata de obras definitivamente importantes, constitutivas de la historia de la poesía argentina.
Tal vez, a una escala local –recordemos que el Bicentenario se produce en medio de la globalización de la información y el contacto inmediato entre culturas- el maistream criollo les pueda dar su difusión (siempre a escala de la aldea), pero, ¿qué pasará cuando llegue esa difusión, impulsada por los puntos de venta de la corporación editorial que tuvo la buena idea de editar una obra llamada 200 años de poesía argentina, a otros lectores de poesía, no menos entrenados que los locales, y algunos más especializados todavía, porque disponen de mayores aparatos de información, para contrastarla con lo realizado por Monteleone? En concreto: ¿qué le sucederá a un lector de poesía argentina extranjero, por el caso con formación académica, con acceso directo desde su universidad a fuentes de información directas, que recibe y estudia libros de poesía argentinos, cuando contraste lo que ya sabe con lo que expone Monteleone? ¿No notará las ausencias? Tal vez para algunos este personaje suene utópico, pero existe y muchos de nosotros, por ejemplo, nos comunicamos por Internet con numerosa gente que lee poesía argentina en lugares muy distantes y la sigue atentamente. Como el lector de poesía local, ellos no encontrarán aquello que buscan en el trabajo para el mainstream impecablemente realizado por Monteleone...
Si el trabajo de Monteleone hubiese sido editado antes de Internet, es probable que hubiera logrado pasar como única fuente de información respecto de la poesía argentina para el exterior (al menos, en parte); pero en este contexto, llega demasiado tarde: es mucho mayor la información sobre la diversidad de nuestra poesía contenida en las páginas de Internet que la contenida en las mil páginas del canon mainstream: el Sr. Google es implacable, está siempre listo y es abundantemente consultado.
Si solamente se hubiese editado 200 años de poesía argentina antes de Internet.
Otro espinoso problema que se desprende y se relaciona con lo anterior, es el relativo a lo que les sucede a los cánones una vez que son establecidos: provocan una reacción en su contra, proveniente del mundo académico, del ámbito de los mismos creadores o surgido del colectivo de lectores, que pueden y tienen a orientar sus referencias y preferencias hacia otras direcciones. Salvando las distancias, veamos sino lo que sucedió con El canon occidental (The Western Canon: The Books and School of the Ages. Ed. Harcourt Brace, New York, 1994. Edición en español: El canon occidental: La escuela y los libros de todas las épocas. Ed. Anagrama, Barcelona, 2005. ISBN 84-339-6684-7), la obra maestra del gran Harold Bloom, indiscutiblemente una de las mayores mentes de la crítica literaria: su obra sirvió de referencia, sí, pero precisamente para opinar en contra de partes o el conjunto de lo afirmado por Bloom, el talentoso Bloom, el celebérrimo Bloom, el notoriamente erudito Harold Bloom. Y Harold Bloom definitivamente sí era un gran teórico.

La importancia de que a una antología total de la poesía argentina la acompañe un auténtico ensayo crítico-descriptivo
El texto que buscaba el lector de poesía en esas mil páginas de 200 años de poesía argentina no era canónico; era descriptivo. No excluyente sino todo lo contrario: incluyente; incluyente de todo el fenómeno en sí; esto es, precisamente, 200 años de poesía argentina. Porque a la poesía argentina la hicieron todos los poetas argentinos, durante dos siglos, es que la mayoría de los poetas argentinos no están presentes en la obra de Monteleone.
Es falaz de toda falacia argumentar que para ello la obra hubiese tenido que alcanzar un número incalculable de páginas, algo irrealizable como proyecto editorial: hubiese alcanzado conque la obra –si coherente con el enunciado de su título hubiese sido su intención- hubiese dividido sus capítulos en verdaderas “constelaciones” -eufemismo de Monteleone por corrientes estéticas- y sencillamente elegido algunos representantes de esas ”constelaciones” para ilustrarla y nombrado a todos los otros. Asimismo es falaz de toda falacia argumentar que dicho trabajo hubiese insumido mucho más de un año, el período declarado por Monteleone y su grupo de investigadores de la realidad para establecer, como resultado último, este canon del maistream que se nos presenta como el adecuado para ocupar el legítimo espacio de una historia de la poesía argentina: para aquellos que cuentan desde hace dos décadas con el aparato del Conicet y de la Universidad Nacional de Buenos Aires, con los que no cuenta el lector de poesía habitual, resulta ciertamente muy simple llegar a ese resultado, porque es precisamente aquello sobre lo que han trabajado –con becas que se pagan con los impuestos de cada ciudadano, sea o no lector de poesía- durante igual período, un año de trabajo. ¿Cómo, entonces cualquier lector de poesía –y los desafío a hacer esa experiencia- puede usar la página 972 de la obra, que está en blanco, para escribir los nombres de los autores que faltan, y verá que aun empleando cursivas de pequeño tamaño, esa página no le alcanza?

La importancia de la opinión del lector presente y futuro
Como dijimos al comienzo, la pregunta principal que podemos plantearnos los lectores de poesía ante este fenómeno es si opera a favor o en contra del género.
La intención de Alfaguara, desde el punto de vista de los intereses de los lectores de poesía, me parece meritoria. De todas maneras, aunque muy parcialmente, contribuye a la difusión de nuestro género en su amplia área de distribución comercial. Esto es que, de todas formas, es mucho mejor que exista una obra de esta envergadura a que no exista, aunque se haya perdido la oportunidad de volcar al mercado el tipo de obra que era de esperar; lo grave es pensar cuándo será la próxima vez que se presente la factibilidad de concretarla, habida cuenta de que pasaron 31 años entre la publicación de los tres tomos de la antología de Raúl Gustavo Aguirre y la edición del único tomo de Monteleone, facilitada esta última por la oportunidad de celebrarse el Bicentenario.
Nos corresponde a los lectores de poesía argentina - sea usted exclusivamente lector del género o también poeta y/o crítico, académico o no, argentino o extranjero- dialogar y argumentar sobre esto.
Entonces la obra de Monteleone habrá servido, involuntariamente, para algo más que para establecer un canon.

Exaltación de la Cruz, Provincia de Buenos Aires,
4 de septiembre de 2010

El sobreviviente

2010-09-03T12:45:00.000-07:00

El sobreviviente
Jorge A. Colombo
De los Cuatro Vientos, 2008
Novela, 64 pp.

por Rubén Sacchi

En este trabajo, Jorge Colombo se aparta del escenario al que nos tiene acostumbrados. La historia no transcurre en los lejanos tiempos de la Colonia, sino que se proyecta a un futuro trágico, quizás no tan lejano.
¿Novela corta o cuento largo? no son patrones que interese determinar, porque la extensión es la justa para el desarrollo de la trama.
Un grupo de amigos asiste al teatro a presenciar una obra que, en parte, los refleja y continúa. En ese contexto los personajes se entremezclan y confunden en una suerte de círculos concéntricos, donde uno es contenido por otro mayor y así la realidad de éste es la ficción del aquél.
El libro apela a la reflexión acerca del futuro de la especie y la necesidad de modificar la conducta que nos rige. Denuncia un sistema que flota en su obsolescencia y que sólo la ceguera del poder no percibe como suicida.
En medio de la telaraña, la presencia de un personaje solitario, una especie de Gilgamesh o de Noé, es la clave para comprender la historia y lo que nos espera de continuar ese derrotero; pero también representa la esperanza de que no todo está perdido.

Lengua espiral

2010-09-03T12:42:00.001-07:00

Lengua espiral

Perla Ericlée Quinteros

Viajera Editorial, 2010

Poesía, 148 pp.

por Rubén Sacchi

Toda espiral conduce a un punto o nos expulsa de él, todo depende de la dirección que se tome: de lo general a lo particular o de lo personal a lo universal. Sin embargo, todas las acciones que nos llevan a ese tránsito se motorizan por el amor o por el odio que, como perfecto opuesto, lo completa y lo define.

Lengua espiral recorre estos laberintos circulares a través de la palabra, el verbo como hilo de Ariadna para intentar la salida.

La autora busca su piedra filosofal y, para ello, recurre a la alquimia. Juega, experimenta un lenguaje que aglutina y fragmenta. Define y redefine significantes, pero no cae en abstracciones sino que alude a lo concreto, aunque eso sea la ausencia, o su forma más cruel: la desaparición.

En esa exploración también va hacia adentro, a cuestionar los mandatos y ataduras en los que cae y enfrenta: “Me he tragado hasta el vacío/ y ahora/ la garganta es una prisión”.

Pero en “el absurdo esmero de encontrarle la vuelta”, en la línea de los opuestos complementarios, toda cárcel supone la libertad, que la poeta clama “aunque sea el desahogo/ DE MIS LAGRIMAS DE PAPEL”.

Las variaciones del mundo

2010-09-01T07:58:00.000-07:00

Las variaciones del mundo

Diego Roel

Ediciones El Mono Armado, 2010

Poesía, 56 pp.

por Rubén Sacchi

El autor asume en este libro la libertad absoluta de la palabra; la libertad y a la vez su condena. Busca respuestas y encuentra un caos indefinible. Por eso, y en procura de la refundación de un lenguaje que le permita salir del círculo vicioso, intenta la cópula con la grafía, pretende hacer el amor con las palabras para lograr, tal vez, multiplicarlas: “Avanzo y retrocedo/ suelto las manos y los pies,/ abro las piernas del lenguaje”.

Ensaya la locura como una forma de lucidez; el loco, “fuera” de los límites supremos, “del espacio y del tiempo”, se asume como un Cristo en el momento culminante de la pasión, en un mundo utópico (“caen las últimas banderas”) ideal y fraterno.

Hurga el revés de las palabras, las invierte como el espejo lo hace con nuestra imagen: “Salto dentro del espejo/ y atravieso los umbrales del verbo”. Ansía encontrar el verbo absoluto, una palabra indefinida, que lo nombre todo como un amanecer: “Sobre los labios del alba emerge/ una palabra neutra,/ silenciosa”.

Roel atraviesa una experiencia lacerante hasta vaciarse, para volver a recrear lo nuevo, donde “El vacío es apertura y promesa”. Sabe que para que un mundo nazca necesariamente debe morir el anterior.

La muerta

2010-08-31T12:46:00.000-07:00

La muerta
Pablo Giordano
La Propia Cartonera, 2009
Cuento, 34 pp.

por Rubén Sacchi

El primer contacto con la prosa de Pablo Giordano lo tuve al recibir la antología Es lo que hay, un panorama bastante ilustrativo de la joven narrativa cordobesa, que publicara Babel Ediciones un año atrás.
En esta oportunidad, al cuento entonces publicado, Dos siluetas de Simulcop, se agregan otros cuatro de similar clima angustiante. Porque si hay algo que no hacen los relatos de Giordano es divertir.
Estos cuentos son crueles, pero no al estilo de Abelardo Castillo, poseen una crueldad cotidiana, casi natural pero muy humana, porque son horrores que resultarían evitables más allá de lo cultural y lo social.
Sartre decía que para que el suceso más trivial se convirtiera en aventura, era condición necesaria y suficiente contarlo. Yo sumo a esto que, si la manera de referirlo lo vuelve atrapante, podemos estar en presencia de una promesa para el género.
En estos dramas, que trascurren con la imperceptibilidad de la vida, hay una interesante capacidad descriptiva con mucho trabajo interior en los personajes. Parece ser la receta del autor y la aplica magistralmente.

Saga errante

2010-08-25T07:40:00.000-07:00

Saga errante

Iván Yauri

Yaku Editores, 2009

Poesía, 60 pp.

por Rubén Sacchi

Cusco es una ciudad peruana con una doble carga. Por un lado, arrastra toda la desigualdad social que aqueja a sus pares de Latinoamérica; por el otro, tiene la herencia de dolor y sometimiento de una civilización arrasada por otra, literalmente edificada sobre otra, pero que no llegó a eliminarla pese a tamaña masacre.

Hacer poesía allí, sin despegarse de su atmósfera, es una tarea que puede asimilarse al acto militante. En este libro, último publicado por el poeta hay una mezcla de compromiso social con cierto matiz ancestral que recorre sus versos.

Suele decirse que los poetas pasan largas horas atentos a su ombligo, mientras el mundo puede estar desplomándose. Lejos de eso, Yauri opone a la realidad como un espejo, al que muchos prefieren esquivar. Como en los versos de Terencio ”nada de lo humano le es ajeno”.

“Apareció arrastrando los pies/ viejo y opaco rodeado de caos/ terco y medio muerto/ era yo mismo algún día”, retratando la familiar figura del vendedor ambulante, como la del inmigrante ilegal que Europa vomita sin memoria “entiendes cada vez menos castellano/ para no escucharlos sonreír/ no acordarte de sus sellos/ plazos requisitos/ .../ tus visas vencidas/ pero tú no”, son algunos de sus frescos.

Tupacamaria

2010-08-25T07:34:00.000-07:00

Tupacamaria

Demián Konfino

Perspectiva Bicentenario, 2010

Novela, 216 pp.

por Rubén Sacchi

Walter coincide con John y Sharon en el aeropuerto de Lima. Iniciarán un viaje que será la excusa del autor para adentrarnos en un itinerario más universal, que es la historia de Latinoamérica y los distintos caminos que llevaron a sus habitantes al sometimiento y la lucha por su liberación.

Mediante el recurso del narrador, ubica a los personajes en tiempo y espacio, permitiendo la alusión a hechos del pasado reciente de los argentinos y adquiere el tono de denuncia a través de una especie de “cartas abiertas”, en las que el protagonista refiere con lenguaje sencillo e incisivo sus acontecimientos más aciagos.

En estas páginas, Konfino compila procesos de similares características que sacudieron los cimientos del poder establecido en la región. Así, desde la Revolución Cubana hasta la creación del A.L.B.A., pasando por las experiencias de la Revolución Sandinista o el Frente Farabundo Martí para la Liberación Nacional, estos tres viajeros cumplirán un rito iniciático que los unirá sólidamente al destino de los pueblos que habitarán Tupacamaria.

Mi tren monoplaza

2010-08-25T07:24:00.000-07:00

Mi tren monoplaza

Paula Irupé Salmoiraghi

Ediciones del Dock, 2010

Poesía, 56 pp.

por Rubén Sacchi

Ningún verso define mejor el trabajo de Paula Salmoiraghi como el de Adrián Abonizio que precede el libro: “Me pego un tiro con cada palabra”. Y es que sus palabras son disparos certeros a ninguna parte y a todas, hacia esos sitios imprecisos del alma humana, donde los lugares pierden la condición de absolutos y se relativizan en función de los sentidos, esos de los que René Descartes recomendaba desconfiar por engañosos.

Parece corroborarlo en los versos: “hacia el centro/ que es límite, el borde, la sorpresa/ quizás final”, del poema Blando vaivén. Un encuentro acompasado que es el momento amoroso, el avance temeroso y explorante de los cuerpos, la sed saciada que permanece insatisfecha.

El poema Frío de junio representa en una imagen todo el caudal poético de la autora: “La luna no es un cuerpo,/ .../ es el agujero que dejó/ un poeta enloquecido/ al cortar la punta cónica/ de la oscuridad”, donde describe, con simpleza infantilmente lisérgica, el enigma de la noche.

El libro reúne palabras frescas, de la primera juventud de la poetisa. Deja pendiente un futuro trabajo, que esperamos de la misma contundencia sumada a la madurez de su pluma.

Prisiones terrestres

2010-08-25T07:11:00.000-07:00

Prisiones terrestres

Nicolás R. Correa

Universidad Nacional de La Plata, 2010

Cuento, 88 pp.

por Rubén Sacchi

Un libro es como una cicatriz, una marca que el escritor infringe para dejar señas de su paso por esta vida y, tal vez, intentar una explicación a tanta sinrazón.

Como en un juego de cajas chinas (tema recurrente en la narrativa de Nicolás Correa) dentro de esa alforza hay otras y, separando los labios de cada herida, seguramente se las hallará sin solución de continuidad.

Las cicatrices son un hilo conductor de la historias que, a la vez, son una sola, como es la realidad: grande y abarcativa.

Hay cuchilleros en estos cuentos, hombres de faca y machete en atmósferas de alcohol y un aire que entremezcla a J. L. Borges y Horacio Quiroga en una interesante síntesis.

Las historias se dejan protagonizar por personajes que remiten al círculo del autor y a él mismo y transcurren en zonas fronterizas, esos territorios con mucho de romántico y otro tanto de tenebroso, donde los límites se confunden, así como la vida y la muerte.

Este tercer libro de Correa lo va confirmando en el género con mayor solidez, a la vez que nos muestra un autor prolífico. Incluye un apéndice que remite a su primer trabajo, Made in China, algo así como un bonus track.