Madre noche

Madre noche
Kurt Vonnegut
La Bestia Equilátera, 2016
Novela, 240 pp.

por Rubén Sacchi

Esta reedición reafirma al autor no sólo en su carácter de gran escritor, sino también en el de cuestionador de los paradigmas sociales. La humanidad se autoinflige el más tremendo flagelo, que es la guerra. Ésta, tras un real motivo económico que la desata, provoca y evidencia otras cuestiones, no menores, que ponen en tela de juicio la primacía inteligente de la especie. Una de las más generalizadas es la xenofobia y la discriminación en sus diferentes formas. Quizás, la que más se instaló en el imaginario colectivo fue la que el nazismo encarnó contra los judíos, pero hablo de instalada, porque en esa misma arremetida fueron también masacrados judíos, negros y homosexuales, aunque quienes dejaron más vidas fueron los comunistas, sin importar su credo.
Madre Noche habla de esos crímenes, pero desde un tiempo diferente: el de la guerra fría. También lo hace desde un lugar diverso: el espionaje y contraespionaje como generadores de políticas contradictorias, que lejos de auxiliar a las víctimas las utilizaban como corderos sacrificiales, necesarios para lograr el triunfo final sobre el enemigo.
Kurt Vonnegut fue reclutado como soldado en la Segunda Guerra Mundial, de esa experiencia, seguramente, proviene su literatura antibélica y humanista. Como prisionero, asistió al bombardeo de la población civil de Dresde por parte de las fuerzas aliadas con un saldo de 135 mil muertos, dos veces las víctimas de Hiroshima. Eso explica frases como “la guerra debe ser muy sexy para los americanos”.
Otros tópicos de carácter bélico, por demás actuales, se cuelan en estas páginas, como la posición de Israel respecto de Palestina, así un soldado sionista relata como Jasor, ciudad palestina 19 siglos aC, es capturada por el ejército israelita, masacrados sus 40 mil habitantes e incendiada y luego agrega: “¿Dónde está el mal? Es esa gran parte de cada hombre que quiere odiar sin límites, que quiere odiar con Dios a su lado”.
Vonnegut desgrana definiciones que golpean, como nombrar a un campo de concentración como “un centro de salud para judíos” pero también se detiene en escenas que reconfortan, como la relación de una mujer con su perro: “Mientras (...) lo acariciaba, los ojos castaños del animal se dilataban con la ceguera del éxtasis. Cada fibra de su sensibilidad se acomodaba como un dedal a los dedos que lo mimaban”, lo que no deja de ser un pequeño atisbo de esperanza.

La eternidad de la rosa

La eternidad de la rosa
Gabriel Moschitta y Laura González Roma
Hojas del Sur, 2016
Novela, 224 pp.

por Rubén Sacchi

Para acercarnos a la historia debemos preguntarnos qué es la eternidad, esa enorme entelequia creada por el hombre para definir lo inasible de la existencia.
La eternidad de la rosa propone una perpetuidad en la trascendencia, retomando la vieja creencia oriental de la rueda de la vida en la que las almas se perfeccionan en cada giro.
Los autores abordan la experiencia literaria como algo lúdico, recreando de manera fantástica algunas experiencias esotéricas y científicas en el plano del más allá.
El pesonaje central es Omar, un joven que sufre una posesión diabólica y es tratado por el parapsicólogo Fabio Zerpa, famoso por sus teorías acerca de seres y naves extraterrestres, que tuvieron auge en la década del 70.
La historia propone diferentes visiones de lo perenne y desarrolla una visión de la espiritualidad alejada de los esquemas con que nos rodea esta voraz modernidad.
Historias de amor y desamor dan marco a la temática central y nos pasean por el pasado de la mano de la sofrosis cuántica, método de hipnosis regresiva desarrollado por Zerpa.

En tu nombre

En tu nombre
Cecilia De Vecchi
Editorial Dunken, 2016
Ensayo, 136 pp.

por Rubén Sacchi

Para poder asumir e internalizar algo, lo primero es ponerle nombre. La pérdida del padre nos arroja a la orfandad y la del cónyuge a la viudez pero ¿cómo llamamos a aquel que pierde un hijo? No hay palabra que lo defina porque tampoco hay la capacidad para aceptar el dolor de esa realidad que viola cualquier principio biológico, donde el lugar etario para partir se trastoca de manera absurda.
Cecilia De Vecchi se adentra en ese terreno, conversando con nueve madres que han ingresado por el portal del infierno pero que hallaron la manera de sublimar su padecimiento en solidaridad ya que, en definitiva, de eso se trata la vida cuando atravesamos lo irreversible. Una capacidad que los trabajadores de la salud mental denominan resiliencia.
La autora da forma a las palabras, pero las que hablan son ellas, las madres. No hay presión en las historias y los relatos fluyen con la naturalidad de quien los ha referido hasta el cansancio, pero que sabe que esa es la única manera de obtener justicia. Hay situaciones disímiles: el flagelo de la droga; la imprudencia al volante; los secuestros extorsivos; la violencia de género; la negligencia estatal y la represión y corrupción policial, pero el común denominador es una sociedad degradada que no valora la vida.
Según un informe de CORREPI, desde la vuelta a la democracia hasta noviembre pasado, hubo 4.644 víctimas de gatillo fácil y torturas, 70 asesinados en movilizaciones populares y 200 desaparecidos, la mayoría son jóvenes. Muchos se sumaron desde entonces. En tu nombre nos acerca al universo de la ausencia, al cómo se sigue sin ellos y qué podemos hacer para que la muerte no gane tan temprano la partida.

El paraíso opuesto

El paraíso opuesto
Antal Szerb
La Bestia Equilátera, 2016
Novela, 208 pp.

por Rubén Sacchi

Además de Attila József, el joven y maravilloso poeta, poco había llegado a mis manos de literatura húngara, es por ello que el lanzamiento de El paraíso opuesto significa un grato hallazgo y una apuesta arriesgada para el público local.
El texto de Szerb es una mezcla de novela humorística, intriga y algo de caballeresca, con una visión preclara del momento que vivía el Viejo Mundo y en particular su tierra natal.
Tras una historia sencilla en la que un rey decide su propio derrocamiento, se autoexilia y procura conocer la vida popular, se esconde una mordaz denuncia del manejo del erario público y el lugar que cada uno ocupa en cuanto al escenario de la lucha de clases y la dificultad de traicionar, en definitiva, la propia pertenencia.
Por estas latitudes y en los tiempos que corren, el lector podrá referenciar algunas situaciones que se evidencian crónicas de los esquemas capitalistas, como lo son el flagelo de la deuda externa y el extremo de ofrecer su canje por soberanía.
El texto abunda en situaciones jocosas, que hasta recuerdan la vieja canción de José Tcherkaski, Los americanos. Diversas controversias acompañan las tribulaciones del rey que resulta objeto de encontrados intereses, mientras que una sentencia flota en el aire y parece ser la directriz de la existencia: “la verdadera prueba, en la vida, era la incertidumbre”.

Sobre el autor:
Hasta hace un tiempo, la llamada “literatura europea” parecía allanar nuestra ignorancia e indiferencia por el lugar donde el género novela nació, con un suministro variado de nombres y títulos para ser memorizados más que leídos.
La obra de Antal Szerb (1901-1945) combinó los mejores elementos de la literatura fantástica y la narrativa realista, sin descuidar una conducta que, de losPrincipia Ethica de George Moore a la Minima moralia de Theodor W. Adorno, resultó absolutamente irreprochable. Elegido presidente de la Academia literaria húngara con apenas 32 años, Szerb ganó una temprana reputación con sus ensayos sobre William Blake y Henrik Ibsen. En 1934 publicó su primera novela, La leyenda de los Pendragon, que narra la experiencia de su vida en Inglaterra. El viajero bajo el resplandor de la luna (1937), su libro más conocido, transcurre por completo en Italia. En 1942 apareció El paraíso opuesto en Hungría bajo el seudónimo de A. H. Redcliff.
A Antal Szerb, como a todos los hombres, de acuerdo con lo que Borges dijo de Juan Crisóstomo Lafinur, “le tocaron malos tiempos en que vivir”. Como a quienes correspondió ser a la vez, y a menudo en el exilio, portadores de una nacionalidad y una religión en conflicto, Szerb descubrió tarde las raíces de su linaje. Y, tras una vida de católico, afrontó con total valentía su destino de judío, en tiempos en que la campaña más despiadada y sangrienta de la historia del siglo XX se llevaba a cabo.

La Cita… con Chuma!

La Cita… con Chuma!

de Cristian Fierro

Mimoteatro Escobar Lerchundi

Defensa 611, C.A.B.A.

Funciones: 9, 16, 23 y 30 de Abril a las 21:30 hs.

Por Eva De Bartolo

Dice Henri Bergson que no hay comicidad fuera de lo propiamente humano y en La cita… transitamos con el artista , de su mano y gracias a su talento, por las emociones conocidas de todos los espectadores: la alegría, la sorpresa, la tristeza, la ternura y también la poesía de sus sueños, inocentes como los de un niño, pero no sin un dejo de picardía.

La historia es simple: un hombre espera a su amada y prepara la mesa, la engalana con flores y agrega dos copas para el brindis que coronará el amor. La amada no llega y la ansiedad lo carcome. Pero Chuma, el protagonista, es payaso, y entonces la angustia se convierte en delirio y las acciones son cada vez más desopilantes, los gestos de su cara y los movimientos de su cuerpo nos convencen, graciosamente, de lo que siente, provocando en el público las más francas carcajadas. Nos abre su corazón en cada gesto, sin palabras.

Chuma trae al payaso perdedor y torpe que, sin embargo, demuestra ser astuto en la resolución de su conflicto. Según Federico Fellini, “el clown es una caricatura de la persona, es el hombre-animal, el hombre-niño, el hombre que provoca y recibe las burlas de la irrisión”. Precisamente por eso, Chuma nos hace reír pero también despierta nuestra ternura. Lo logra con su solvencia artística, que ha crecido y madurado a lo largo de su carrera, enriqueciendo su talento no sólo con la técnica de clown sino también en la escuela de mimo de los maestros Roberto Escobar e Igón Lerchundi. Y con estos elementos nos lleva a recrear el payaso que todos tenemos dentro, en una hora plena de amor y humor.

 

Ficha Técnica:

Actuación: Cristian Fierro

Técnica: Jere

Vestuario: Cami Amalia

Iluminación: Sebastián Coronel

Producción: Chuma Mimo-Clown

Diseño Gráfico: Diego Feijoó

Video: A la Gorra Producciones

Fotografía: Daiana Otero

Dirección: Gabriel Pérez

Biorrelatos

Biorrelatos

Idea e interpretación: Ana Padovani

Teatro CELCIT

Moreno 431, CABA

Domingos, 17:30 hs.

por Rubén Sacchi

En una propuesta singular, Ana Padovani nos presenta Biorrelatos, una serie de encuentros en los que la narradora ofrece un doble menú: las historias de un autor más la historia de su vida, y la carta, para las próximas fechas se muestra muy apetecible, con la interpretación de Alfonsina Storni, Horacio Quiroga y Niní Marshall. Para el comienzo del ciclo escogió a Roberto Arlt, un gigante tanto en su humanidad como lo fue en su talento.

Define la autora: "Biorrelatos designa una forma particular de narrar la vida de un artista y aquellos aspectos de su producción que funcionan como destellos en el transcurrir de su historia. Todo ser humano es de algún modo un archivo, una reserva de experiencias, saberes, emociones, textos, imágenes, comportamientos.

Este ciclo intenta poner en tensión ficción y realidad, lo público y lo privado, y recuperar la historia de vida como una experiencia única”.

Padovani se mueve en un escenario mínimo, que representa lo indispensable para la tarea de la investigación y la escritura. Dos asientos obran de separador para delimitar los estadios del relato, ya sea recreando su obra o refiriendo su vida. Completa el cuadro un sutil y adecuado manejo de las luces.

La vida de Roberto Arlt es en si misma novelesca. Sus viajes, sus amores y obsesiones, sus relaciones familiares y afectivas componen pasajes cuyo interés mantiene en vilo al público más desatento. A estos debemos sumar sus trabajos periodísticos, verdaderos ensayos fundantes de un estilo propio.

El primer cuento publicado por el escritor, El gato cocido, es el elegido por Padovani para comenzar la interpretación de su obra. Ese temprano trabajo marcaría pauta general de su prosa de la manera que él mismo definiría más tarde: “El futuro es nuestro, por prepotencia de trabajo. Crearemos nuestra literatura, no conversando continuamente de literatura, sino escribiendo en orgullosa soledad libros que encierran la violencia de un ‘cross’ a la mandíbula. Sí, un libro tras otro, y ‘que los eunucos bufen’”. 

Biorrelatos es una invitación interesante a adentrarnos en el mundo de la transmisión oral, mientras ejerce docencia, poniendo en primera persona a grandes autores de la literatura vernácula.

Agenda de Biorrelatos

ROBERTO ARLT, UNA PLUMA EN EL CEMENTO | Dom. 10, 17 y 24 de abril.

ALFONSINA STORNI, INTENSIDAD Y POESIA | Dom. 8, 15 y 22 de mayo.

HORACIO QUIROGA, SELVA, FICCIÓN Y TRAGEDIA | Dom. 24 de mayo, Dom. 5 y 12 de junio.

NINÍ MARSHALL, VIDA Y MILAGROS | Dom. 19 y 26 de junio, Dom. 3 de julio.

Ana Padovani es docente, profesora de música, psicóloga y actriz. Pionera de la narración oral en la Argentina representó al país en los festivales de Brasil, España, Uruguay, Ecuador, Italia y Cuba. Visitó Nueva York y Londres donde participó de coloquios y montó espectáculos bilingües. www.anapadovani.com.ar

Es miembro de la comisión organizadora de los “Encuentros de narración oral” que se realizan en la Feria del Libro de Buenos Aires y coordina el “Espacio de narración de cuentos” en dicha Feria.

Dicta talleres y dirige su escuela de formación de narradores interesándose particularmente por la conceptualización de esta praxis y por el logro de su excelencia artística.

Vértigo (Siempre distinto)

Vértigo (Siempre distinto)

de Marcelo Katz

Espacio Aguirre

Aguirre 1270, CABA

Funciones: jueves a las 21 hs.

por Rubén Sacchi

Quizás la vieja cultura educativa, rígida y acartonada de nuestros ancestros, sintetizada en la amonestación “dejate de payasadas” fue lo que generó el imaginario donde la gracia o el absurdo eran impensables en una vida “seria”. Para entonces, la figura del clown era relegada al circo a través de personajes que atravesaban, sin mayores diferencias, un esquema de actuación similar, creando verdaderos estereotipos expresados en un ser generalmente triste y desafortunado, resultando que el infortunio de uno hacía las delicias del resto.

La aparición de una corriente de bufos en la pantalla, tales los casos de Keaton, Chaplin, Laurel & Hardy o, más acá en el tiempo, The three stooges y Benny Hill, modificaron parcialmente esa lógica pero el medio en donde aparecían hacía que se mantuvieran en otro plano, como actores cómicos fuera de aquel mundo payasesco.

Hoy, el teatro atraviesa una etapa de refundación, que incorpora elementos de diversas corrientes artísticas. Mientras podemos ver cómo la danza o el video participan de las tablas, otras disciplinas provenientes del ámbito circense se suman generando resultados sorprendentes y por demás agradables, tales como la acrobacia y el clown.

Esta última expresión, por sí sola, dejó de ser la hermana olvidada de la actuación para empezar a considerarse en su verdadera dimensión y Marcelo Katz conduce un semillero de caricatos en el Espacio Aguirre, definido como Teatro y Escuela de Clown.

La obra que nos ocupa hace honor a su título, pero no por su ritmo sino porque carece de esquemas o guiones. Todo lo que acontece es fruto de la improvisación, aunque los resultados asombren de tal manera que parezcan seguir una línea de hierro, de allí que el vértigo, seguramente, más lo vivan los propios creadores.

Siete payasos, bajo la mirada de un director omnipresente que interactuará con ellos, interpretan al compás de una excelente música, también sin partitura, distintos cuadros donde abordan temáticas sensibles insertas en situaciones desopilantes. El amor, la sexualidad, la injusticia y el hambre son algunos de los tópicos propuestos que actúan como disparador de la obra.

La pieza, pese a la ausencia absoluta de marcación, no tiene baches ni altibajos. Todo el equipo hace lo suyo con profesionalismo y cada uno aporta un personaje diverso, con personalidad y particularidad bien marcadas que lo diferencian de su partenaire. Las situaciones se suceden mientras los músicos acompañan la acción con la naturalidad de lo ensayado y el Director capitanea el barco con la experiencia de quien domina la deriva.

La risa, se sabe, es sanadora. No sólo porque el buen humor predispone la psiquis convenientemente, sino porque es generadora de endorfina, sustancia que acelera los procesos curativos. Toda una corriente de la medicina la recomienda como terapia y propicia que haya payasos en los hospitales. Vértigo, funciona en ese sentido aunque es una obra que hace llorar… pero de risa.

FICHA TECNICA

Clowns:

Cecile Caillon

Lourdes Herrera

Gastón Jeger

Damián Luna

Diego Elmo Pérez

Mariano Russo

Agustín Saiegh

Músicos: Cami Ibarra y Tano López

Diseño Gráfico: Romina Salerno

Fotografía: Ana Katz, Daniela Cascante y Phillipe Caillon

Prensa: Marcos Mutuverría - Duche&Zarate

Operación de luces: Stefanía Piotrkowsky

Asistente de dirección: Luis Cagnacci

Dirección en vivo: Marcelo Katz

PALABRAS DEL DIRECTOR

Después de más de 25 años en el mundo del clown, con VERTIGO, hemos dado en el clavo para conocer y entender el corazón de la experiencia clownesca. Sus lógicas y delirios. Sus riesgos y sus amplias posibilidades, que generan las emociones más intensas y las risas más explosivas.

MARCELO KATZ transita el clown, el bufón y las máscaras desde el año 1986, como intérprete, director y maestro.

Tiene una amplia formación en Teatro, Danza, Clown, Máscaras, Música y Circo.

Integró la compañía de danza contemporánea de Teresa Duggan.

Fue actor del Teatro Municipal General San Martín de Buenos Aires, entre los años 1987 y 1992.

De 1993 a 1997, junto a Gerardo Hochman, crea y dirige “La Trup”, primera compañía de Nuevo Circo de Argentina.

Como Director montó espectáculos en teatros reconocidos de Buenos Aires: Teatro Metropolitan, Teatro Municipal General San Martín, Teatro Nacional Cervantes, Centro Cultural de la Cooperación, Teatro Regina, La Trastienda, Teatro Broadway, Ciudad Cultural Konex, entre otros.

Fue merecedor de los principales premios y nominaciones de su medio teatral: Premio “ACE”(Asociación de Críticos de Espectáculos), “Premio Teatro XXI” (del grupo de investigación teatral GETEA), Premio “Teatros del Mundo” (de la Universidad de Buenos Aires), Premio “Pregonero” ( de la Fundación el Libro), entre otros.

Fue docente en la escuela de Danza de Julio Bocca, de la Escuela de Arte Dramático de la Universidad del Salvador, y lo es actualmente en el Teatro Municipal General San Martín.

Dicta regularmente cursos en diversas ciudades de Argentina, en San José (Costa Rica), Montevideo (Uruguay), Lisboa (Portugal), Paris (Francia), Barcelona, Bilbao, Durango, Arrigorriaga, Navarra, Murcia, Zaragoza, Valencia, Alicante, Palencia, Ibiza, Avilés, Gijón, Madrid (España), Parma (Italia), entre otras.

Dirige Espacio Aguirre en Buenos Aires, escuela de clown, bufón y máscaras en la que se han formado más de 3000 alumnos argentinos y extranjeros.

 

Las Historias de un Corazón (Relatos de Saturno)

Las Historias de un Corazón (Relatos de Saturno)

de Guillermo Balbuena y Ana Friedlmeier

Mimoteatro Escobar Lerchundi

Defensa 611. San Telmo

por Eva De Bartolo

Las Historias de un Corazón (Relatos de Saturno) poseen la magia de transportarnos a un

mundo onírico y misterioso, del que participamos apenas se apaga la luz y en la caja

negra se despliega el sortilegio. Cada gesto es una historia que da cuenta tanto de la vida

cotidiana como de las más íntimas reflexiones y sentimientos del protagonista, el miedo, la

soledad, el amor, la belleza del universo, todas enlazadas por la poesía gestual, compleja

y bella. Todo puede resumirse en una caricia o en oler una flor y no hace falta más.

El mimo, al decir de los grandes maestros, es un artista silencioso, plástico y profundo,

capaz de expresar al hombre en toda la magnitud de su mundo interior, en cada acto, por

pequeño que sea, de todos los días. La complejidad expresiva del cuerpo, llevada a este

arte, logra exquisitos cuadros poéticos en los que lo no dicho es más fuerte que la

palabra.

Guillermo Balbuena se formó con los maestros Roberto Escobar e Igón Lerchundi, quienes

se encuentran entre los más reconocidos del mundo, hecho que se nota a la hora de

poner el cuerpo en escena de manera precisa. Ana Friedlmeier proviene de la danza y

esto produce una excelente combinación, acentúa el dramatismo y le da una mayor

plasticidad, enriqueciendo la obra con la mixtura de técnicas.

Una obra digna de verse, que levantará nuevamente el telón en los próximos meses.

 
Ficha técnico artística:

Intérpretes: Guillermo Balbuena, Ana Laura Ana Friedlmeier
Iluminación: Stefany Briones Leyton
Musicalización: Stefany Briones Leyton
Producción: Sebastián Coronel
Dirección: Guillermo Balbuena

Clavelina

Clavelina
Eduardo Kovalivker
Hojas del Sur, 2015
Novela, 144 pp.

por Rubén Sacchi

No es un clavel, con su evidente belleza y prestancia, la clavelina es una flor pequeña, que se exhibe casi con timidez en medio de un ramillete y su hermosura posee el tono de lo salvaje. Ese quizás sea su mayor atractivo.
La novela de Kovalivker comienza en un escenario romántico, con el que los amantes de la literatura y el conocimiento siempre soñamos: una biblioteca frente al mar; y ese gigante líquido es el nexo que lleva a Juan, cincuenta años después, a otro teatro de similares características pero impregnado de gran turbulencia vital.
El autor logra construir un personaje muy interesante, plagado de contradicciones, que puede despertar en el lector tanto la empatía como el desprecio. Su pasión por una joven aldeana arrojada a la prostitución, lo lleva a enfrentar al proxenetismo, mientras por otra parte lo alimenta y construye una relación que bien puede considerarse incestuosa.
La trama se desarrolla plena de tensión y recorre una isla caribeña, en la que puede identificarse a Cuba aunque en ningún momento se la nombre y se exponga una visión bastante particular del proceso político revolucionario que atravesara la ínsula.
Las creencias y supersticiones ponen de la mano peces, que pueden ser demonios, con el conocimiento de pócimas y brebajes ancestrales, más efectivas que la medicina occidental.
El protagonista, a la saga escritor, desmitifica la visión idealizada de la profesión. No resulta un humanista preocupado por los avatares de los mortales, sino que está dotado del suficiente egoísmo necesario para cargar con un asesinato innoble y poder continuar, sin mayores sobresaltos, disfrutando de una buena vida.

Desde la muralla

Desde la muralla

Jorge Andrade

Umbrales Ediciones, 2015

Novela, 250 pp.

por Rubén Sacchi

Hace casi 170 años que Carlos Marx y Federico Engels hablaban de un fantasma que recorría el mundo. La imagen utilizada pareciera haber producido un efecto inverso al buscado; pese a proponer una teoría socio-económica más justa y ecuánime, el comunismo provocó lo que todo fantasma logra en una mente propensa a las supersticiones: un susto.

Hoy, ese fantasma sigue siendo la utopía de muchos, pero otro es el espectro que logró corporizarse más rápidamente y, aunque mortal en extremo, goza de la simpatía de amplios sectores de la sociedad, obnubilados por su brillo y el dulce canto de sirena que emite. Se trata del neoliberalismo.

Desde la muralla propone un escenario en donde esta corriente se desarrolla, y lo hace de manera premonitoria ya que, escrito en 2010 retrata, sin mayores diferencias la Argentina actual, realidad extensible a gran parte de la vecindad latinoamericana y mundial.

Con un lenguaje rico y certero –el escritor es, además, economista- va describiendo el proceso de acumulación de capital en toda su perversión, dejando al descubierto toda una enorme trama atada a la lógica del poder por el poder en sí.

El autor, también docente especializado en el campo sociocultural, analiza las posibles respuestas del resto de los estratos sociales que quedaron fuera del festín de la clase dominante y desarrollaron métodos alternativos de supervivencia.

Con una gran dosis de actualidad, en tiempos de crisis y holdouts, la novela se presenta como una guía esclarecedora de a dónde iremos a parar de continuar en este derrotero.

A pesar de sus negacionistas, la lucha de clases continúa su desarrollo histórico, y la muralla es la figura que divide claramente a sus actores, describiéndola en toda su crudeza.

Desde el fondo

Desde el fondo
Eugenio Polisky
Editorial textosintrusos, 2015
Poesía, 108 pp.

por Rubén Sacchi

El nuevo libro de Eugenio Polisky describe el proceso de escritura: desde la inspiración hasta la praxis, pasando por situaciones propias del desarrollo creativo. Dicho así, resultaría una obra rayana en la vulgaridad, casi un ensayo para taller literario o un manual de principiantes, pero nada más lejos de esa simpleza que el libro de este interesante autor, tanto por su propuesta como por su contenido.
Es que todo desarrollo creativo atraviesa infinitas fases. Se direcciona y redirecciona permanentemente y, también de manera constante, es atravesado por la vida del creador, y es justamente este elemento un protagonista primordial en el libro.
El poeta toma todos los elementos habitualmente perturbadores del hecho artístico y los convierte en poesía. Cada contingencia, interior o exterior, se resume en versos, porque “las palabras/ (...)// no viven/ una vida/ banalmente/ cotidiana”. El simple proceso de preparar una sopa instantánea funciona como disparador y metáfora.
Dicho esto, se puede inferir que el trabajo de Polisky es profundamente vital y terreno, despega al poeta de ese Olimpo ideal que suele imaginarse y lo arroja entre los mortales, casi como uno más. Casi, porque ese individuo logró sacar lo oscuro que lo habita desde el fondo y sublimarlo en luz.

Las horas fuera de los márgenes

Las horas fuera de los márgenes
de Bruno Schulz
Patio de Actores
Lerma 568, CABA
Sábados 21:30 hs.

por Rubén Sacchi

Julio Cortázar decía que "después de los cuarenta, la verdadera cara la tenemos en la nuca, mirando desesperadamente hacia atrás". Es que en esa bisagra de la existencia, tanto lo vital como lo emocional se parte en dos mitades asimétricas en las que, generalmente, hay más por detrás que por delante.
No es que se trata de abonar la teoría Manriquista de que "todo tiempo pasado fue mejor" sino que, en lo concreto, el declive de aptitudes se pronuncia y los afectos que nos rodearon e hicieron de la vida un tránsito soportable, van desapareciendo en el maremágnum de los años, sumiendo en la más absoluta soledad al dudosamente afortunado sobreviviente.

De eso habla Las horas fuera de los márgenes, de la soledad; pero no de cualquiera, sino de la que sobreviene con la vejez, fiel retrato de la mítica balada de Sui Generis, Confesiones de invierno.
La obra, basada en un trabajo del polifacético y trágicamente desaparecido artista polaco Bruno Schulz, delinea magistralmente la vida lenta y frugal de un anciano que, asumido en lo absoluto y concreto de su condición de geronto, la transita con altura y creatividad.
No llora los recuerdos que anida, los convive y desempolva, como quien busca mantener el aliento ritual que le diera sentido a los días de plenitud. Su vida está llena de poesía y en poesía se resuelve.
La pieza, dirigida por Javier Margulis, se logra en ese sentido, imprimiendo de lírica la atmósfera que supo montar como responsable de la música original y la cálida escenografía que compartió con Oscar Trussi, ésta última trabajada con originalidad y detalles que hacen a lo entrañable de la historia. Vestuario e iluminación precisos completan un trabajo acertado y recomendable. Con ese soporte, debemos destacar la labor de Fidel Vitale, que compone un personaje de una sola pieza, sin fisuras ni titubeos. Logra esa mezcla de ternura y complicidad que poseen solamente quienes asumen el momento que les toca vivir. Sus movimientos, gestos y hasta su voz poseen una carga y un equilibrio perfectos.
La obra se desarrolla en una hora escasa y colma al espectador de un gratificante aire de magia, donde el retorno a la niñez es más que una alternativa, es la salida liberadora para enfrentar lo inevitable.



FICHA TECNICA

Actuación: Fidel Vitale
Asistencia de dirección: Pablo García Tuma
Escenografía: Javier Margulis y Oscar Trussi
Realización de escenografía: Duilio Della Pittima
Vestuario: Lili Piekar
Asistencia de vestuario: Julieta Heiderscheid
Realización de vestuario: Stella Giorgio
Iluminación: Marco Pastorino
Asistente de iluminación: Matías Luciano Tinganelli
Operadora de luces: Julieta Carrillo
Música original: Javier Margulis
Colaboración en arreglos: Adrián Odriozola
Estudio de grabación: La cuerda
Prensa: Duche&Zarate
Coordinación de producción: Rosalía Celentano
Dramaturgia y dirección: Javier Margulis
Agradecimientos: Javier Beresiarte y Nelson Segovia del Teatro Nacional Cervantes / Ana Minujín y Liliana Vitale.

Los colores secundarios

Los colores secundarios
Alexander Theroux (*)
Traducción de Ariel Dilon
La Bestia Equilátera, 2015
Ensayo, 352 pp.

por Rubén Sacchi

Los colores, esas frecuencias de radiación electromagnética a las que nuestra mente otorga diferentes tonalidades, son parte inseparable de nuestra existencia. No ya vitales, pero sin los que cuesta imaginarse la vida.
¿Nos tentaría morder una frutilla negra presentada sobre un plato gris? Esa y otras disquisiciones integran el sinfín de interrogantes que, sin duda, obedecen a un hecho natural-cultural: el color de las cosas, ya que, como nos enseñaban en la carrera de cinematografía: “los objetos no son en sí mismos, sino en función de la luz que reflejan”.
Alexander Theroux nos acerca a ese inacabable universo, en este caso, de Los colores secundarios, complemento de su anterior trabajo Los colores primarios, mediante un ensayo por demás original.
El escritor caracteriza los colores, pero los pone en contexto de los diversos órdenes de la vida. Enumera inacabables hechos y situaciones donde éstos imponen su presencia y reproduce citas, versos, canciones y diálogos creados bajo su dominio absoluto.
Estructura su trabajo en estilo enciclopédico, pero sin el riguroso ordenamiento académico. De manera caprichosa, por no decir anárquica, va desarrollando distintos tópicos que hacen a la historia, la mitología, el arte en sus diversas expresiones, la política o la cultura farandulesca, entre otros. Es, en definitiva, un compendio de cultura general innovador y pincelado de matices diversos, donde el lector hallará el origen naranja de Halloween, la condena púrpura de los leprosos y la verde y prohibida historia del ajenjo.
Documentado obsesiva y exhaustivamente, es un derroche de erudición e información en un lenguaje ameno y coloquial que obliga a seguir leyendo.

(*) Alexander Theroux nació en Massachusetts, Estados Unidos, en 1939. Ha enseñado en Harvard, en el MIT y en la Universidad de Virginia, donde obtuvo su doctorado en 1968. Es el autor de novelas admirables: Three Wogs (1972), Darconville’s Cat (1981), An Adultery (1987), Laura Warholic or, The sexual intellectual (2007) y de libros de viajes, ensayos y poesía.
The Strange Case of Edward Gorey (2010), el libro que narra su relación de amistad con el genial ilustrador, ha sido elogiado por escritores de la talla de Cormac  McCarthy. Sus últimos libros publicados son The Grammar of Rock (2013) y Collected Poems (2015).