El círculo de tiza caucasiano



El círculo de tiza caucasiano
De Bertolt Brecht
Martes: 20hs.
Teatro IFT
Bulogne Sur Mer 549, CABA

por Rubén Sacchi

“Lo que existe debe pertenecer a aquellos/ que para eso valen./ Los niños para que florezcan a las madrecitas./ Los coches para los buenos cocheros,/ para viajar bien./ Y el valle a los que lo riegan,/ para que dé frutos”. Con este canto termina la obra de Bertolt Brecht que Manuel Iedvabni versionó para esta puesta. En él se sintetiza la ideología del autor y se da razón al final de la obra.


En la pieza, el director interpreta profundamente el espíritu brechtiano; ningún elemento queda fuera del distanciamiento. En ella, los actores mudan de personaje, la escenografía se monta y desmonta a la vista y cualquier elemento puede servir como analogía: unas tablas como puente, una tela como lago y un evidente muñeco de trapo como niño, objeto central de la historia. Todo grita: ¡No lo crean, esto es ficción… esto es teatro!

Resulta así, porque Brecht elaboró su propia escuela teatral, muy diferente a la tradicional aristotélica, desarrollada por Konstantin Stanislavski, basada en el ensimismamiento del público al identificarse con los personajes, o la radical surrealista experimentada por Antonin Artaud. Brecht esperaba que el espectador llevara algo de esa experiencia, que no hiciera catarsis y volviera a su casa con la cabeza vacía. El teatro debía ser una herramienta más para la transformación política y social del individuo.

La versión elimina la introducción, donde unos campesinos en disputa por las tierras recuerdan una vieja historia y toma ese relato como conflicto único, aunque el problema de la tierra y la propiedad subyace en todo el texto ya que, más allá de la anécdota, el autor siempre provocaba planteos concretos al público. En este caso, la cuestión es ¿de quién es la tierra? y ¿de quién son los hijos?



La representación se inicia con una revuelta en la Georgia feudal que termina con la vida del gobernador y la huida de su esposa que, en medio de la urgencia, abandona a su bebé. El niño es rescatado y cuidado por Grusche Vachnadze, una criada, que lo traslada a una aldea vecina y es perseguida por las tropas del príncipe. Tras infinidad de peripecias, la mujer es descubierta y debe dirimir en juicio la tenencia del niño frente a la madre biológica. El juez Azdak, un borracho proveniente del pobrerío, decide resolver la cuestión mediante el círculo de tiza.

La resolución es contraria a toda la tradición al respecto, desde el bíblico juicio salomónico hasta el drama del Siglo XIV del chino Li Hsing Tao, El círculo de tiza, en el que Brecht se basó. En el final, según palabras del autor, “lo que se dilucida no es el derecho de la criada sobre el niño, sino el derecho del niño a una madre mejor”.

Cuenta Manuel Iedvabni: “Mi abordaje a la obra de Brecht comenzó de muy joven y cuando el autor aún vivía (“La condena de Luculus”) en 1954. Continúo con otros diez espectáculos que incluyen “La resistible ascensión de Arturo Ui”, “Santa Juana de los mataderos”, “La buena persona de Se-Chuan”, etc. En 1982 comencé a trabajar en “El círculo de tiza caucasiano” en un seminario que organicé para poner en escena la pieza. La estrenamos en junio de 1983 a pocos meses de la entrega del poder por parte de la dictadura militar de entonces. La escenografía y el vestuario eran de Gastón Breyer y Nereida Bar. Quise ahora rendirles un homenaje a aquellos grandes creadores que ya no están con nosotros, procurando reproducir su trabajo que aun hoy me parece maravilloso. Una nueva mirada de la obra reclamaba sí una música original que quedó a cargo de Esteban Morgado, quien ya había colaborado conmigo en la puesta de 1983. Brecht consideró siempre su proyecto estético como el comienzo de un intento que pretendía que fuera experimentado y enriquecido por otros teatristas. Su legado está resumido en esta frase: “No quiero para mí, lápida alguna, pero si alguna van a hacerme me gustaría que dijera: ‘Hizo propuestas que fueron tenidas en cuenta’”.



Es evidente que el director tiene sobrada experiencia en la obra del dramaturgo alemán y así lo demuestra. Lleva la razón sobre el sentimiento; expone al hombre como un ser social y a su acción como proceso dialéctico. El humor es una constante que pone el drama en un plano subalterno. Los actores hacen gala de profesionalismo y versatilidad, pudiendo rotar sus roles dúctilmente. También exhiben dotes musicales y para el canto, que hacen las delicias del espectador.

La escenografía y las luces, propias del teatro épico, refuerzan la estética que la puesta pretende, completando el todo un vestuario adecuado y de detalles cuidados. En síntesis, una experiencia para no perder. Buena propuesta para trabajar las ideas en épocas en que la uniformidad y la pereza de pensamiento amenazan abarcarlo todo. Aquí se encontrarán con un nuevo paradigma donde las resoluciones pueden ser múltiples.


FICHA TÉCNICA

Autoría: Bertolt Brecht
Versión y traducción: Manuel Iedvabni
Actúan: Dana Basso, Cristina Sallesses, Roxana Del Greco, Gabriel Dopchiz, Matías Sebastián Tisocco, Pablo Flores Maini, María Marta Guitart, Ariel Levenberg, Rodrigo Pagano, Juan Manuel Romero, Gustavo Siri.
Cantante: María Marta Guitart
Músicos: Gabriel Dopchiz, Matías Sebastián Tisocc, Pablo Flores Maini, Rodrigo Pagano.
Diseño de escenografía: Gastón Breyer
Diseño de Luces: Roberto Traferri
Diseño de Vestuario: Nereida Bar, Verónica Segal
Realización de escenografía: Ariel Levenberg
Diseño Gráfico /Colaboración artística: Leila Gramajo, Wilfredo Parra
Realización de Vestuario: Patricio Delgado, Susana Hidalgo
Fotografía de ensayos: Vicky Elmo
Prensa: Marcos Mutuverría - DucheZarate
Productor ejecutivo: Pato Rébora
Director Asistente: Pablo Flores Maini
Música original: Esteban Morgado
Dirección musical: Esteban Morgado
Dirección general y puesta en escena: Manuel Iedvabni

Veo veo... ¿qué ves?

Veo veo... ¿qué ves?
María Cristina Thomson
Ilustraciones: Alfredo Grondona White
Ediciones Deldragón, 2017
Ensayo, 92 pp.

por Rubén Sacchi

Que “una imagen dice más que mil palabras” no quedan dudas, pero ¿qué se lee en esa imagen? ¿cuáles son las mil palabras que visualiza cada uno?
Para acercar elementos a ese interrogante, María C. Thomson propone un recorrido por estampas de álbumes ilustrados, más conocidos como libro álbum, en el que propone al lector analizar los diferentes elementos que componen la imagen en función expresiva.
Para esto, nos introduce en lo que bien denomina El ABC de las artes visuales porque, sin las pretensiones de las Leyes de la Gestalt o la Regla Aurea, acerca al lector una serie de herramientas que resultan fundamentales a la hora de mirar, y ver, una imagen pictórica.
Un tercer apartado aborda la producción contemporánea de literatura infanto juvenil en nuestro país, en una selección que la autora asume subjetiva pero que sirve de muestra introductoria a un universo bastamente poblado de excelentes artistas.
El poeta español Ramón de Campoamor escribió la famosa cuarteta: “En este mundo traidor / nada es verdad ni mentira / todo es según el color / del cristal con que se mira”. Y así, pero con otras palabras, lo refiere Thomson: “...tanto la obra de arte como quien la recorre e interpreta (...) son partes de un contexto socioeconómico y cultural diverso que invita a considerar perspectivas distintas a la par que enriquecedoras”.

Habitaciones disponibles

Habitaciones disponibles
Nélida Arp
Ediciones Botella al Mar, 2012
Poesía, 60 pp.

por Rubén Sacchi

El poemario resulta una propuesta interesante. Las habitaciones disponibles están lejos de ceñirse a ese mundo cerrado de la hotelería o los inquilinatos, sino que la oferta es tan abarcativa como la vida y los sueños.
La autora, atrapada en ese universo, reniega del ritmo aparentemente cíclico del tiempo, nos dice: “Otra vez el tiempo, regresando en el inquietante/ orden de las horas”, para luego reforzar la idea en “la tenacidad de los relojes”.
Su poesía es cromática, colorea las figuras reinventando un universo de fantasía, en donde son tan válidas la paleta celestial como la infernal. Sus paisajes son áridos. De frío o de fuego, pero siempre desolados: “Desde esta tierra inhóspita, debo, imperiosamente debo contar el origen”, se impone, y ese origen, quizás su único lugar apacible, es la niñez, el pasado.
Ese sitio tan ansiado representa el sosiego y se plasma en el deseo de “Quedarse entre los caballos hasta que pase la/ infancia,/ hasta la primera gran tormenta”, como si luego de ese mundo que nos representamos idílico de la puericia, solo pudiese sobrevenir el caos, un constante arrebato en la furia de los elementos que lejos están de ser los externos, los de la naturaleza, puesto que conforman nuestro mundo interior, “ese pájaro azul, innombrable,/ dentro de mí”.
Una frase de Ernest Hoffmann, autor gótico que vivió en Alemania entre los siglos XVIII y XIX, comienza el libro con una reflexión que poco alienta respecto del devenir humano: “Al reino de los sueños se entra por la puerta de marfil; son pocos los que llegan a verla, menos aún los que traspasan sus umbrales”. Esa falta de coraje o de vuelo poético a la que aludía el escritor prusiano, es en donde fertiliza la monotonía de la vida. Ese transcurrir lineal y sin perspectiva. Ese que Nélida Arp retrata cuando poetiza: “Se apagan las lámparas mortecinas de las casas de pensión, aunque allí no amanezca”.

Machos de campo

Machos de campo
El Púber P
Editorial Baldíos en la Lengua, 2017
Cuento, 130 pp.

por Rubén Sacchi

Macho y campo. Dos conceptos que en el imaginario popular se nos antojan de la mano, inseparables y cuasi sinónimos. Es que el llamado “campo” requiere de gran esfuerzo físico si lo adoptamos como medio de vida, vale decir, exige cierta rudeza “viril”.
Pero, como casi todo lo que compone ese supuesto canon, no pasa de ser un estereotipo cultural. Un concepto sin rigor alguno, puesto que el ser humano es el mismo en cualquier ámbito y, por ende, pasible de sueños y deseos similares.
De cuestionar ese mito se encarga El Púber P, seudónimo que Cristian Molina adopta para firmar este libro, a lo largo de una docena de variadas historias donde el hilo conductor es la homosexualidad y hasta el nudo de las mismas se centra en esa identidad sexual.
Los relatos, concebidos como una novela (hay lugares, situaciones y personajes subsidiarios entre las ficciones) tuvieron un recorrido difícil antes de consagrarse en formato de libro impreso, los diferentes avatares pueden conocerse en un apartado hacia el final del volumen, pero mucho obedecieron a prejuicios y moralinas que a esta altura deberían estar más que superados.
Algunos de los argumentos alcanzan la bizarría, pero la trama tiene su fuerza en la generación de climas tensos, atmósferas en las que la alternativa entre las posibles resoluciones cambia diametralmente el futuro de los personajes.
Machos de campo es un libro que provoca. Que sacude esquemas que la sociedad se empeña en cristalizar a perpetuidad.

El jerarca

El jerarca
de Igon Lerchundi y Franco D´Aspi
Mimoteatro Escobar-Lerchundi
Defensa 611, CABA
Viernes 21 hs.
Duración: 80’

por Eva Candendo

La primera mitad del siglo XX dio comienzo a un nuevo fenómeno bélico que tomó el nombre de “guerras totales”, porque ya no había un frente de batalla definido sino que se desarrollaba en todas partes, involucrando a la población civil, que fue blanco de bombardeos y persecuciones. Familias enteras huían o se separaban y, sin duda, de todo este horror, los más afectados fueron los niños, por el sufrimiento físico y psicológico de ver su infancia abruptamente interrumpida, sin entender el por qué. Dice Peter Townsed que “un hombre sabe más o menos por qué va a la guerra. Un niño no”. El éxodo forzoso y el exilio fueron dos instancias dolorosas para muchos de ellos durante la guerra civil española, dejando atrás su mundo de afectos. El bombardeo de Guernica, pueblo conocido como el hogar de las libertades vascas, fue la mayor masacre hasta ese momento, y un punto de inflexión en el horror que vendría.

Igón Lerchundi evoca al niño que fue en su descubrimiento de la maquinaria burocrática y feroz de aniquilamiento desatada en ese bombardeo, materializado en la figura del jerarca con su fría crueldad, y su rutina de muerte en su costado más oscuro y abyecto. En monstruosa contradicción, era capaz de disfrutar de la música, que ejecutaba y escuchaba en privado y después cumplir órdenes acatadas porque el sistema lo formó obediente y eficaz en su tarea de exterminio. A pesar de eso rescata en el pueblo los valores de coraje, solidaridad y amistad que lo ayudan en el camino.

La obra hace uso de tres lenguajes diferentes, el oral, el audiovisual y el gestual que potencian la conmoción provocada en cada una de las situaciones. En la piel de personajes tan opuestos, el niño y el jerarca, se pone, en un tremendo despliegue de virtuosismo, Franco D´Aspi. Es excelente su trabajo que pasa del niño de ojos inocentes que cuenta un horror que no comprende, al militar siniestro que se regodea en el mal, que degrada y desintegra creyendo ser un superhombre. El manejo del cuerpo, justo y necesario en la transmisión de emociones y alegre y exacto en el baile. La voz, al hablar y cantar, los gestos y la mirada precisos para conmover, sacudir y emocionar. La dramaturgia y la dirección de Igón Lerchundi son excelentes, sin fisuras, y ratifican una vez más el talento de este pionero del arte del mimo. Pone de relieve los valores éticos de solidaridad y lucha, tan necesarios en aquellos tiempos como en estos, con un impecable trabajo artístico, de infrecuente calidad, con una puesta austera y un juego de luces muy acertado.

Ficha Técnica:

Actuación: Franco D´Aspi
Diseño sonoro: Mariano Abrate
Realización de escenografía: Darío Tarasewicz
Preparadora vocal: Mónica Puente
Asesoramiento en danza vasca: Iñaki Galardi de Lescano y Juan Martín Vicente
Máscara y accesorios de vestuario: Alfredo Iriarte y Gabriela Guastavino
Diseño gráfico: Javier Choi y Federico D´AspiLuces y sonido: Stefany Briones Leyton
Dirección: Igón Lerchundi

Filomena

Filomena
Claudia Queiroz
th Barrios Rocha Editores, 2015
Novela, 108 pp.

por Rubén Sacchi

Cuando al inicio del libro la autora dice que “no es una novela corta, ni un cuento largo”, más que justificar el género narrativo alude a lo profundo de su obra: “Filomena es la primera palabra de un juego de palabras desparramadas que se vaciaron y se llenaron a lo largo de mi pueblo largo y me desafiaron”. Es que Filomena es una metáfora de la otredad, un grito contra el abandono y la deshumanización de la sociedad.
El personaje que elije Queroz para transcurrir su novela es una mujer indigente. Como todo desheredado social no tiene un origen cierto, por ende, no podemos intuirle futuro. No obstante, y recordándonos el origen de la vida, nos dice: “el agua y el comienzo suelen explicarse a sí mismos”.
Despacio, mediante idas y vueltas gramaticales, se va desenredando una historia, todos la tenemos, “es la conciencia histórica la que nos hace dueños” y, al privar a Filomena de la suya, se le quita solidez, se la resume a un instante que debe pasar rápidamente para no desentonar con la monotonía del paisaje. Pero la escritora insiste, bucea en la realidad y en la leyenda para devolverle su pertenencia, su peso, porque “la historia de los pájaros (...) no son los pájaros, sino su vuelo”.
Con una prosa, por demás poética, la escritora nos acerca a un lugar universal, sin apartarse de su aldea, donde se evidencia “la permanente imposibilidad de elevarse”, una realidad que no es destino, sino una heredad que debe transgredirse para alcanzar el verdadero sentido de la vida, si es que lo tiene, o inventárselo.

La alegría siempre flota

La alegría siempre flota
Fatumi
Ediciones Caseritas, 2017
Cuento, 18 pp.

por Rubén Sacchi

Fatumi es el nombre que la niña de nueve años Zoe Victoria Hermann Mignaqui eligió para declamar su autoría. No se trata de un pseudónimo ni un apodo. Sucede que esa palabra designa su segundo nombre en árabe. La pista quizás se encuentre en la dedicatoria, en la que incluye a su abuela chiita.
La producción se define por el nombre de la editorial: totalmente artesanal y de buen gusto. La tapa y el interior incluyen textos e ilustraciones de la jovencísima autora en proporciones equilibradas.
El contenido reúne siete cuentos que muestran un espíritu sensible. Desde la fantasía hasta la más dura realidad recorren estas páginas, pero el lector siempre encontrará un mensaje esperanzador y un punto de vista positivo.
Es evidente que, tras el libro, hay un equipo de afectos que estimula y apoya las inquietudes de la talentosa pequeña. En horabuena, cuando el mensaje que nuestros vástagos reciben a diario es el de la lucha por el éxito individual y el lucro como objetivo final de la existencia.
Desconozco si este es su primer trabajo o si existen precedentes, aunque su edad permite intuir que no posee una frondosa obra; sin embargo creo que, de trabajar sus evidentes capacidades, Fatumi puede encontrar un lugar en el futuro de las letras. Si así no lo fuera, espero que la vida le permita sostener esa frescura y calidez que encierran sus historias en cualquier orden de su existencia.

Derecho de las mujeres a una vida sin violencia

Derecho de las mujeres a una vida sin violencia
Norma Matteucci
Ediciones Novedades Educativas, 2017
Ensayo, 128 pp.

por Rubén Sacchi

La violencia parece ser una característica humana, algo intrínseco a la especie, como una maldición que el hombre debe cargar por el resto de sus días.
El lugar común que nos dice “la violencia engendra a la violencia” tiene mucho de realidad, pero debe diferenciarse la que se ejerce como acción o la que vuelve en la forma de reacción. La historia está plagada de ejemplos donde la violencia no sólo está justificada sino que es plausible.
Los sistemas en los que el hombre organiza su vida, las instituciones que sostiene y sus modos de relacionarse son diversos y, de acuerdo a la equidad que propongan, serán más o menos violentos. Pero, en ese universo, subyacen contradicciones particulares que hacen al todo.
En una sociedad culturalmente patriarcal, la violencia que sufren las mujeres merece especial atención y a ello apunta el trabajo de Matteucci, que parte de la conflictividad cotidiana para desembarcar en la cuestión de género y en los diferentes tipos de violencia que sufren las mujeres a manos del hombre, “esa inferiorización sistemática (...) que les expropia a las mujeres los derechos materiales y simbólicos”, porque “cualquier modificación de la feminidad implica la modificación de la masculinidad”, ya que, al decir de Simon de Beauvoir, “nadie es más arrogante, violento, agresivo y desdeñoso contra la mujer que un hombre inseguro de su propia virilidad”.
Para modificar esta realidad, la autora plantea el trabajo sobre la educación, principal generador de subjetividades, insistiendo en desarrollar a los jóvenes como sujetos activos para la comprensión y transformación de los paradigmas sociales machistas y estereotipados.
En el convencimiento que “la lectura forma y transforma”, propone guías didácticas para la lectura crítica, mediante el abordaje de textos y el análisis de sus discursos.
Carlos Marx decía que “la mujer es el último bastión de la propiedad privada”. No será sencillo abolir esta última, pero va siendo hora de eliminar otras verticalidades.

Cartas a mi hijo Federico

Cartas a mi hijo Federico
de María Marta Guitart
Teatro El Crisol
Scalabrini Ortiz 657, CABA
Domingos 18 hs.
Duración: 60 min.

por Eva Candendo

Una madre, en soledad, entra al cuarto de su hijo para calmar la angustia y el desasosiego de no saber sobre su suerte. Allí encuentra una caja donde él guarda las cartas que ella le enviara durante sus viajes. Mientras lee sus propias palabras, en las que se funden los consejos y el aliento para que siga en la senda que le apasiona y lo hace feliz, se presiente la imagen del hijo, dulce y firme, como si ella lo trajera a su lado, con la fuerza de su amor y sus palabras. Vicenta sabe que la gran sensibilidad que tiene Federico no siempre es bienvenida, que los lobos acechan en esos tiempos peligrosos. Sola, frente al escritorio que nadie ocupa, repite sus versos, “…madre, bórdame en tu almohada…”, canta aquellos otros tan maravillosos que pintan su sentir y baila para ahuyentar el dolor y la muerte que, inexorable, se cierne sobre él.


Sólo una gran pasión y un gran trabajo actoral pueden llevar adelante esta obra, tan difícil por la enorme elaboración interior que requiere. María Marta Guitart es, además de una talentosa actriz y poeta, una estudiosa de Federico García Lorca, lo que la llevó a hacer durante diez años en forma casi ininterrumpida, Federico tuvo un sueño, basada en la poesía del poeta granadino y en un cuento de Antonio Tabucchi. De la lectura profunda de las cartas de Vicenta Lorca surgió este espectáculo en el que, con su exquisita sensibilidad poética y su ductilidad, logró hacerse carne en esta madre que muestra el costado más íntimo y humano del hijo talentoso y amado. Sentada en la mecedora, leyendo, o en los momentos más dramáticos, cuando baila abrazada al saco blanco, vacío, despliega un abanico de sentimientos que sobrevuelan el recuerdo llevándola de la alegría de saberlo exitoso a la angustia por el destino incierto. La emoción no da tregua, se adueña de cada uno de los espectadores por esa mujer vestida de negro que echa sus palabras al aire y que son pura poesía. La música del cello, ejecutado por Natalia Surachi, acentúa la belleza de las  imágenes que se suceden en el recorrido de la lectura. La escenografía y las luces son sencillas y contundentes. Un espectáculo para no dejar de ver.

Ficha Técnica:

Dramaturgia, actuación y dirección: María Marta Guitart
Asistencia de dirección: Melina Forte
Música en escena: Natalia Surachi
Composición de música original: Maylén Ubiedo Myskow
Diseño de movimiento: Melina Forte
Fotografía: Silvina Di Caudo
Diseño Gráfico: Mariana Cullen
Diseño Lumínico: Diego Todorovich
Vestuario y escenografía: Teatro en camino
Producción Ejecutiva y Prensa: Pato Rébora

La Gallina



La Gallina
de Cía. La Varieteré
Espacio Cultural Dínamo, C.A.B.A.
Duración: 60 min.

por Eva Candendo

 
Cuando el espectador se aparta del circuito comercial teatral y logra bucear en otros ámbitos que solo se conocen por el boca a boca, puede encontrarse con verdaderas perlas del escenario. Tal es el caso de La gallina, a cargo del grupo La varieteré, que se presenta los domingos en el Espacio Cultural Dínamo. Este espectáculo trae a la memoria el quehacer teatral del Circo Criollo de los hermanos Podestá, aquellos que, en esa mistura con el circo, hacían reír y llorar a la platea. Los Podestá se adelantaron a lo que luego serviría de metodología para el entrenamiento actoral utilizando el lenguaje del cuerpo, que hoy se usa evitando el exceso de retórica y redunda en calidad y dinamismo. En La gallina, los jóvenes integrantes de la troupe demuestran ductilidad corporal en un recorrido que va desde el clown, el teatro físico, el mimo y la vocalización.

Pero no es sólo un espectáculo para los ojos, puesto que las escenas que se suceden, elaboradas por los propios artistas en una creación colectiva, siempre llevan una lectura especial y humorística sobre la realidad, desde el recuerdo de tiempos pasados con menos tecnología y más imaginación, los estereotipos femeninos impuestos socialmente, los profesionales de la salud desinteresados por los pacientes, la falta de valores y la alienación cotidiana, los desencuentros de pareja y el amor en distintas épocas, el adoctrinamiento evangelista y hasta los émulos de Volver al futuro, Doc y Martín, que traen la esperanza de mejorar el mundo. Todo esto en un recorrido en clave de humor, por momentos desopilante, como ellos dicen “abordado desde una perspectiva crítica y constructiva de nuestra realidad, divirtiendo e invitando a la reflexión”.

Los actores exhiben su capacidad de pasar en pocos minutos de un personaje a otro en un trabajo excelente, sin altibajos y sin perder por ello calidad, ocupándose también del cambio de escenografía.
El grupo no cuenta con agente de prensa por obvias razones económicas y, por ende, no tiene publicidad. Sin embargo, La gallina no cobra entrada, se hace a la gorra porque, como explican al finalizar la función, opinan que todas las personas deben tener acceso a la cultura y al entretenimiento. Toda una declaración de principios.


Ficha Técnica:

Dramaturgia: Cía. La Varieteré
Intérpretes: Guillermo Balbuena, Ana Clara Barboza, Belén Biniez, Elsa Davolio, Julio Di Ciocco, Ernesto Lospinnato, Natalia Tamara Rosa, Rita Seguín.
Asistencia Técnica: Florencia Pellejero
Dirección: Cía. La Varieteré

La noche a cualquier hora


La noche a cualquier hora
de Patricia Díaz Bialet
Centro Cultural de la Cooperación
Corrientes 1543, CABA
Domingos, 19:00 hs. Duración: 55´

por Eva De Bartolo

Dos cuadros de la pintora polaca Tamara de Lempicka, de cuerpos desnudos y entrelazados, saltan
a la vista a sendos costados del cortinado rojo adelantando, con su voluptuosidad, lo que vendrá
luego. La tenue luz del velador y la música envolvente y mágica del saxo transportan a otro espacio, a algún viejo club de jazz. En el escenario aparecen dos mujeres y un hombre. Ellas, seductoras,
recuerdan a las divas de Hollywood de los años 50; él, aplomado hombre de mundo que está dispuesto a caer una y otra vez en los brazos del amor de alguna de las dos o de las dos a la vez, si eso fuera posible. Entre los tres comienzan a enhebrar poemas llenos de erotismo en una celebración entre el lirismo y la carne. Así, se suceden las palabras con su carga íntima y sensual. Los poemas que se enlazan en sus voces hablan de seres que poseen la avidez del cuerpo del otro, del amante, donde el deseo y la pasión los unen y los separan permanentemente, con la tensión propia del sexo y del amor. Recuerdan viejas e intensas relaciones, reviviéndolas con la misma sensualidad de aquel momento. Surgen mujeres dispuestas a gozar libres en toda su plenitud, a tomar y dejar a gusto, a disfrutar plenamente del erotismo que las atraviesa e invade.

La autora, Patricia Díaz Bialet, dice en Agualava, uno de los libros que da origen a la obra teatral, "No
soy mujer de estar entre ollas"
. Y así lo demuestran las dos protagonistas, que hacen del goce una necesidad de vida, dispuestas a devorar al hombre que desean. Y dejarlo después sin culpas, sin remordimientos porque la vida sigue y el amor también. Como dice Jorge Dubatti, “los poemas de Díaz Bialet llaman a ser dichos en voz alta, porque la poesía es otra forma de teatro, poderosa, honda”.

Excelentes las actuaciones de Florencia Carreras, Gustavo Pardi y Ana María Cores, quien también se
luce cantando; y el acompañamiento en vivo de la saxofonista María de Vittorio, que interpreta la música original de Gabriel Senanes. La escenografía y las luces muy acertadas, consiguen dar un clima íntimo y sugestivo. Un espectáculo para paladear con todos los sentidos.


Elenco:

Ana María Cores, Florencia Carreras, Gustavo Pardi

Equipo:

Autor: Patricia Díaz Bialet
Adaptación: Mariano Dossena, Gustavo Pardi
Saxo en vivo: María De Vittorio
Escenografía y vestuario: Nicolás Nanni
Realización de vestuario: Claudia Olivera
Música original y diseño sonoro: Gabriel Senanes
Entrenamiento vocal: Nancy Ocampo
Técnica de grabación: More Fernández Núñez-Estudio La Posada
Diseño de iluminación: Claudio Del Bianco
Iluminador asociado: Martín Fernández Paponi
Prensa: Varas & Otero Comunicaciones
Diseño gráfico: EN DISEÑO
Fotografía: Fuentes2Fernández
Asistencia general: Natanael Fernández
Asistencia de Producción: Gabriela Genni, Emilia Nudelman
Producción artística: Pablo Silva
Dirección: Mariano Dossena

Patricia Díaz Bialet:
Publicó los libros de poesía: Los Despojos del Diluvio , 1er Premio FNA 1989 (Vinciguerra, Bs As, 1990); Testigo de la Bruma , Mención Honorífica en la Bienal de Poesía Arg. de la Sec. de la Función Pública de la Nación y FNA 1991 (Vinciguerra, Bs As, 1991); La Penumbra de la Luna Llena , 2do Premio en el Concurso Fund. Inca Seguros 1992 (Vinciguerra, Bs As, 1993);  La Dueña de la Ebriedad de la Rosa , 1er Premio FNA 1993 (Vinciguerra, Bs As, 1994); Los Sonidos Secretos de la Lluvia , Mención Honorífica en el 1er Certamen Nac. de Poesía Papiros del Siglo XX (Plus Ultra, Bs As, 1994); El Hombre del Sombrero Azul ( Dunken, 1ra Ed., Bs As, 1996), (Dunken, 2da Ed., Bs As, 1998); El Amor es una Pluma de Mercurio. Poemas elegidos (Las Otras Palabras, Esquel, 2007); Agualava (Atuel, Bs As, 2009); La Que Va (Atuel, Bs As, 2015). Tradujo del inglés al castellano el poemario Resurrection Papers , de la escritora estadounidense Heather Thomas, bajo el título Papeles de Resurrección , (Vinciguerra, Bs As, 2004). Poemas suyos fueron incluidos en la película "El Lado Oscuro del Corazón II" , de Eliseo Subiela (2001). Sus poemas también formaron parte del espectáculo poético-teatral "Con un tigre en la boca. Manual de los amantes" , dirigido por Hugo Urquijo (CCC, 2014/2015), Premio ACE 2014/2015 "Mejor Espectáculo de Teatro y Poesía" y Nominación ACE 2014/2015 "Mejor Música Original". Tiene a su cargo desde el año 2014 la columna radial semanal "Novedades y recomendaciones literarias" en el programa "Que vuelvan las ideas", AM 750.  Desde el año 2012 es miembro del jurado en los Premios "Teatro del Mundo ", UBA. Desde el año 2015 forma parte del "Área de Investigaciones en Ciencias del Arte (AICA)" del CCC como Investigadora Asociada dedicada al tema de estudio "Relaciones entre teatro y poesía: El espectáculo teatral basado en el texto poético".  Desde 2016 es Investigadora en el Instituto de Artes del Espectáculo de la Fac. de Filosofía y Letras, UBA.

Ana María Cores:
Actriz y cantante de notable trayectoria en teatro, televisión y cine. Es una de las grandes figuras del musical argentino y del teatro de texto. Su versatilidad le ha permitido ofrecer su arte tanto para el público adulto como para los niños; en la comedia o en el drama.
Ha recorrido con sus espectáculos toda la Argentina, España, Colombia, México, Chile, Uruguay, Brasil, Paraguay, y Armenia, por citar solo algunos destinos destacados. A lo largo de su extensa carrera ha sido merecedora de los premios Trinidad Guevara, María Guerrero, Podestá, Konex, Hugo y Estrella de Mar , entre otros.
En teatro, encabezó decenas de espectáculos, tales como: " Como arena entre las manos", "La Novia de Gardel", "En Concierto", "Pijamas", "Juana Azurduy", "Canción de cuna para un marido en coma", "El conventillo de la Paloma", "El mágico mundo de las sombras", "Sor-presas", "Aquí no podemos hacerlo", "Universexus", "Arráncame la vida", "El imaginario", "Locos ReCuerdos", "La Vuelta a Manzana", y "Vivitos y coleando", entre muchos otros. En televisión, se destacó en éxitos como "Por amor a vos", "Mi Lady", "Corazón de tiza", "Marco el candidato", "Hombres de Ley", y "Compromiso".

Gustavo Pardi:
TEATRO: "Dignidad" (Maipo); "Un hombre equivocado" (Cervantes); "Sacco y Vanzetti" (Cervantes); "Los áspides de Cleopatra" (San Martín y temporada en Madrid); "Poeta en Nueva York" (Cooperación, Madrid y Montevideo); "El organito" (Teatro de la Ribera). CINE: "Rebobinado" ; "Tríada" ; "Exomologesis" ; "Testigo íntimo" ; "El cielo del centauro" ; "Yo sé lo que envenena" ; "Eso que llaman amor" ; "El karma de Carmen" ; "Contra Paraguay" . TELEVISIÓN: "El marginal" (TV Pública); "El Otro" (TV Pública); "Germán últimas viñetas" (TV Pública); "Sos mi hombre" (El Trece); "Farsantes" (El Trece). PREMIOS: Mejor actor largometraje (Festival Chascomús), Cine con Riesgo: Mejor actor; ACE (nominado): Mejor actor de reparto; Florencio Sánchez: Mejor unipersonal; ACE (nominado): Actuación en unipersonal; ACE (nominado) Revelación masculina; Estrella de Mar: Revelación masculina; Comedia de Bs. As.: Mejor actor.

Florencia Carreras:
Actriz. Estudió Licenciatura en Actuación en el IUNA, con Cristian Drut, Analía Couceyro y Eugenio Soto.  Dentro de la obras teatrales en las que trabajó se destaca " No inventes lo que no quieras que exista " unipersonal en donde se encargó de la selección y adaptación de los textos y por el cual ganó dos premios como actriz revelación Luisa Vehil 2015 y Planeando SOBRE BUE 2014.  En 2015 trabajó en la re-apertura de Teatro Caminito bajo la dirección de Lautaro Vilo en "Los veraneantes" y en 2016 estrenó en el CCKONEX bajo la dirección de Juan Manuel Correa  "Antígona" de Sófocles, adaptación Carnelli/ Ure. Desde sus inicios trabajó en publicidad y lleva realizadas diversas participaciones en cine y TV.

Mariano Dossena:
En su rol de director se destacan los siguientes trabajos:  "Absorta y Desnuda", propuesta sobre el universo poético de Leonor García Hernando, protagonizada por Ingrid Pelicori, Leonor Manso, Muriel Santa Ana y Walter Quiroz, entre otros (Sala Tuñón, CCC, 2016) -espectáculo ganador del Premio Luisa Vehil "Mejor Música Original" y nominado en el mismo rubro para los María Guerrero - ;  "Las Tres Viejas" de Alejandro Jodorowsky, con Moria Casán, Alejandro Paker y Marko Vega (Teatro El Picadero); "La que besó y la que no besó " de Maruja Bustamante (CCC); "Sacco y Vanzetti " de Mauricio Kartun (Teatro Nacional Cervantes) -espectáculo con nueve nominaciones a los Premios Estrella de Mar y dos nominaciones a los Premios ACE -; "Poeta en Nueva York" de Federico García Lorca (CCC)  -espectáculo con diversas nominaciones a los Premios ACE , Florencio Sánchez y Teatro del Mundo -; "El Otro Judas" de Abelardo Castillo (CCC) -espectáculo con tres nominaciones para los Premios María Guerrero -; "Petrona, una delicia teatral "; "Espectros "(CCC) -espectáculo con una nominación "Mejor Director 2011" para los Premios María Guerrero y diversas nominaciones a los Premios ACE -; "Los invertidos" de José González Castillo (Teatro El Ex)  -espectáculo con cuatro nominaciones para los Premios ACE 2011 y del cual está preparando una Nueva Versión 2017 . Además se desempeña como docente especializado en teatro, en el Colegio Nacional de Buenos Aires (UBA) y en la Escuela Metropolitana de Arte Dramático.

Dios lo bendiga, señor Rosewater

Dios lo bendiga, señor Rosewater
Kurt Vonnegut
La Bestia Equilátera, 2017
Novela, 200 pp.

por Rubén Sacchi

La novela habla de una fortuna acumulada en la avaricia y en la especulación, en un escenario tan desgraciado como lo es una guerra civil. De una fortuna y de su feliz y particular heredero.
Como toda obra de Vonnegut, el humor y la gracia son los vehículos para exponer temas más profundos, realidades y miserias que hacen presa de los hombres, entragados a las prácticas más viles. Así, la corrupción estatal durante la Guerra de Secesión, enfrentada a la falsa imagen del “sueño americano”, del “país de las oportunidades”, deja expuestos los slogans en toda su crudeza.
Ese capitalismo incipiente ya evidencia las fórmulas que, no por vetustas, serán menos efectivas en el futuro, o sea hoy, como la respuesta patronal a “los ciudadanos honrados, industriosos y pacíficos (que) eran clasificados como chupasangre si pedían que se les pagara un salario para vivir”, mientras para sí mantienen el lema “agarra a cuatro manos o no conseguirás nada”.
Hay pasajes verdaderamente memorables, repletos de frases que pueden componer un compendio de clase, como la que un abogado refiere a un heredero: “...cómo una universidad se atreve a enseñar compasión sin enseñar historia” o la conversación entre dos adinerados: “La gente recibe lo que merece, no es verdad”; “Es la primera ley de la vida”, para rematar en la criada que  debía prestar juramento, diciendo: “juro solemnemente que respetaré la sagrada propiedad privada de los otros y que me conformaré con la posición que Dios Todopoderoso me asigne en la vida”. (...) ¿Qué más puedo hacer por mi patrón, mi república y mi Dios?”, coincidente con la idea burguesa de que “todo lo que hay de bonito en el mundo es un regalo que ellos o sus antepasados les dan a los pobres”.
Leyendo la historia, es inevitable preguntarse ¿por qué las clases altas se aterran y arremeten contra la solidaridad de quien se salta de vereda social? La respuesta la da el mismo Vonnegut, en boca de su personaje: “Nadie puede trabajar por lo pobres sin pensar en Marx de vez en cuando”.

Mala junta

Mala junta
Pablo Lerman
De los Cuatro Vientos Editorial, 2017
Novela, 254 pp.

por Rubén Sacchi

En El 18 brumario de Luis Bonaparte, Carlos Marx, observando una sentencia de Hegel, afirmó que “La historia se repite dos veces, primero como tragedia y después como farsa”. Hago esta observación porque Mala junta parecería estar hablando de estos días, aunque su autor la plasme a inicios del milenio y ligeramente posterior al levantamiento popular y crisis política que dejara un saldo de varios muertos y una marcada inestabilidad institucional.
Puede decirse que es una historia de perdedores, en un país en donde los ganadores conforman una casta mínima. Hay cuatro protagonistas delineados con precisión y sutileza: un ex montonero, quebrado ideológicamente; un aprendiz de brujo; un ex gerente de banco despedido y su insatisfecha esposa. Alrededor, otra buena cantidad de personajes que rondaron estas vidas y las marcaron.
El espacio que los une, su trabajo dentro de la industria farmacéutica, es la excusa para hablar de otras cuestiones del momento, como la brutal represión: “un bastonazo lo hundió en un mar de borceguíes policiales”; el desasosiego: “en este país, donde todo se pudre antes de brotar” o la agonía de un ser querido: “¿Cómo se mira a quien se muere? ¿con qué ojos se lo ve?”.
La historia, típica del cotidiano, se va tejiendo hábilmente para terminar atrapando al lector con una variedad de relatos secundarios y un clima subyacente que hace muy difícil abandonar la lectura.

Marx discípulo de Engels

Marx discípulo de Engels
Martín Mazora
UNSAM Edita, 2017
Ensayo, 168 pp.

por Rubén Sacchi

Hace años, cuando la aparición de la edición de Editorial Cartago del Anti-Dühring, un amigo me lo recomendó enfáticamente basado en la aseveración: “Engels es más marxista que Marx”. No me siento capacitado para aceptar o refutar tal sentencia, pero sí para concluir en la gran capacidad intelectual y la claridad para entender la profundidad de los conflictos sociales, que poseía el estudioso alemán.
Bajo la consigna “no hay testimonio ni documento, por solvente que pueda parecer, que no amerite una escrupulosa evaluación crítica”, el autor aborda el desarrollo de la teoría marxista, como subsidiada por su contemporáneo y amigo Federico Engels. Apela para ello a un análisis minucioso de declaraciones y acontecimientos que recorren los ricos años de la génesis de la ideología que cambiaría el devenir de la humanidad y las relaciones entre los individuos.
Mazora toma como punto de arranque el Esbozo de una crítica de la economía política, que apareciera publicado en el único número de los Anales franco-alemanes, en París, en febrero de 1844, obra considerada fundacional del socialismo científico.
El ensayo intenta demostrar como El esbozo..., junto a La situación de la clase obrera en Inglaterra, tratados teórico y empírico respectivamente, colocan la piedra basal al desarrollo de la teoría marxista y dan los elementos claves para la futura y vasta producción de quien pasara a la historia como fundador indiscutible de esa doctrina.