La Gallina



La Gallina
de Cía. La Varieteré
Espacio Cultural Dínamo, C.A.B.A.
Duración: 60 min.

por Eva Candendo

 
Cuando el espectador se aparta del circuito comercial teatral y logra bucear en otros ámbitos que solo se conocen por el boca a boca, puede encontrarse con verdaderas perlas del escenario. Tal es el caso de La gallina, a cargo del grupo La varieteré, que se presenta los domingos en el Espacio Cultural Dínamo. Este espectáculo trae a la memoria el quehacer teatral del Circo Criollo de los hermanos Podestá, aquellos que, en esa mistura con el circo, hacían reír y llorar a la platea. Los Podestá se adelantaron a lo que luego serviría de metodología para el entrenamiento actoral utilizando el lenguaje del cuerpo, que hoy se usa evitando el exceso de retórica y redunda en calidad y dinamismo. En La gallina, los jóvenes integrantes de la troupe demuestran ductilidad corporal en un recorrido que va desde el clown, el teatro físico, el mimo y la vocalización.

Pero no es sólo un espectáculo para los ojos, puesto que las escenas que se suceden, elaboradas por los propios artistas en una creación colectiva, siempre llevan una lectura especial y humorística sobre la realidad, desde el recuerdo de tiempos pasados con menos tecnología y más imaginación, los estereotipos femeninos impuestos socialmente, los profesionales de la salud desinteresados por los pacientes, la falta de valores y la alienación cotidiana, los desencuentros de pareja y el amor en distintas épocas, el adoctrinamiento evangelista y hasta los émulos de Volver al futuro, Doc y Martín, que traen la esperanza de mejorar el mundo. Todo esto en un recorrido en clave de humor, por momentos desopilante, como ellos dicen “abordado desde una perspectiva crítica y constructiva de nuestra realidad, divirtiendo e invitando a la reflexión”.

Los actores exhiben su capacidad de pasar en pocos minutos de un personaje a otro en un trabajo excelente, sin altibajos y sin perder por ello calidad, ocupándose también del cambio de escenografía.
El grupo no cuenta con agente de prensa por obvias razones económicas y, por ende, no tiene publicidad. Sin embargo, La gallina no cobra entrada, se hace a la gorra porque, como explican al finalizar la función, opinan que todas las personas deben tener acceso a la cultura y al entretenimiento. Toda una declaración de principios.


Ficha Técnica:

Dramaturgia: Cía. La Varieteré
Intérpretes: Guillermo Balbuena, Ana Clara Barboza, Belén Biniez, Elsa Davolio, Julio Di Ciocco, Ernesto Lospinnato, Natalia Tamara Rosa, Rita Seguín.
Asistencia Técnica: Florencia Pellejero
Dirección: Cía. La Varieteré

La noche a cualquier hora


La noche a cualquier hora
de Patricia Díaz Bialet
Centro Cultural de la Cooperación
Corrientes 1543, CABA
Domingos, 19:00 hs. Duración: 55´

por Eva De Bartolo

Dos cuadros de la pintora polaca Tamara de Lempicka, de cuerpos desnudos y entrelazados, saltan
a la vista a sendos costados del cortinado rojo adelantando, con su voluptuosidad, lo que vendrá
luego. La tenue luz del velador y la música envolvente y mágica del saxo transportan a otro espacio, a algún viejo club de jazz. En el escenario aparecen dos mujeres y un hombre. Ellas, seductoras,
recuerdan a las divas de Hollywood de los años 50; él, aplomado hombre de mundo que está dispuesto a caer una y otra vez en los brazos del amor de alguna de las dos o de las dos a la vez, si eso fuera posible. Entre los tres comienzan a enhebrar poemas llenos de erotismo en una celebración entre el lirismo y la carne. Así, se suceden las palabras con su carga íntima y sensual. Los poemas que se enlazan en sus voces hablan de seres que poseen la avidez del cuerpo del otro, del amante, donde el deseo y la pasión los unen y los separan permanentemente, con la tensión propia del sexo y del amor. Recuerdan viejas e intensas relaciones, reviviéndolas con la misma sensualidad de aquel momento. Surgen mujeres dispuestas a gozar libres en toda su plenitud, a tomar y dejar a gusto, a disfrutar plenamente del erotismo que las atraviesa e invade.

La autora, Patricia Díaz Bialet, dice en Agualava, uno de los libros que da origen a la obra teatral, "No
soy mujer de estar entre ollas"
. Y así lo demuestran las dos protagonistas, que hacen del goce una necesidad de vida, dispuestas a devorar al hombre que desean. Y dejarlo después sin culpas, sin remordimientos porque la vida sigue y el amor también. Como dice Jorge Dubatti, “los poemas de Díaz Bialet llaman a ser dichos en voz alta, porque la poesía es otra forma de teatro, poderosa, honda”.

Excelentes las actuaciones de Florencia Carreras, Gustavo Pardi y Ana María Cores, quien también se
luce cantando; y el acompañamiento en vivo de la saxofonista María de Vittorio, que interpreta la música original de Gabriel Senanes. La escenografía y las luces muy acertadas, consiguen dar un clima íntimo y sugestivo. Un espectáculo para paladear con todos los sentidos.


Elenco:

Ana María Cores, Florencia Carreras, Gustavo Pardi

Equipo:

Autor: Patricia Díaz Bialet
Adaptación: Mariano Dossena, Gustavo Pardi
Saxo en vivo: María De Vittorio
Escenografía y vestuario: Nicolás Nanni
Realización de vestuario: Claudia Olivera
Música original y diseño sonoro: Gabriel Senanes
Entrenamiento vocal: Nancy Ocampo
Técnica de grabación: More Fernández Núñez-Estudio La Posada
Diseño de iluminación: Claudio Del Bianco
Iluminador asociado: Martín Fernández Paponi
Prensa: Varas & Otero Comunicaciones
Diseño gráfico: EN DISEÑO
Fotografía: Fuentes2Fernández
Asistencia general: Natanael Fernández
Asistencia de Producción: Gabriela Genni, Emilia Nudelman
Producción artística: Pablo Silva
Dirección: Mariano Dossena

Patricia Díaz Bialet:
Publicó los libros de poesía: Los Despojos del Diluvio , 1er Premio FNA 1989 (Vinciguerra, Bs As, 1990); Testigo de la Bruma , Mención Honorífica en la Bienal de Poesía Arg. de la Sec. de la Función Pública de la Nación y FNA 1991 (Vinciguerra, Bs As, 1991); La Penumbra de la Luna Llena , 2do Premio en el Concurso Fund. Inca Seguros 1992 (Vinciguerra, Bs As, 1993);  La Dueña de la Ebriedad de la Rosa , 1er Premio FNA 1993 (Vinciguerra, Bs As, 1994); Los Sonidos Secretos de la Lluvia , Mención Honorífica en el 1er Certamen Nac. de Poesía Papiros del Siglo XX (Plus Ultra, Bs As, 1994); El Hombre del Sombrero Azul ( Dunken, 1ra Ed., Bs As, 1996), (Dunken, 2da Ed., Bs As, 1998); El Amor es una Pluma de Mercurio. Poemas elegidos (Las Otras Palabras, Esquel, 2007); Agualava (Atuel, Bs As, 2009); La Que Va (Atuel, Bs As, 2015). Tradujo del inglés al castellano el poemario Resurrection Papers , de la escritora estadounidense Heather Thomas, bajo el título Papeles de Resurrección , (Vinciguerra, Bs As, 2004). Poemas suyos fueron incluidos en la película "El Lado Oscuro del Corazón II" , de Eliseo Subiela (2001). Sus poemas también formaron parte del espectáculo poético-teatral "Con un tigre en la boca. Manual de los amantes" , dirigido por Hugo Urquijo (CCC, 2014/2015), Premio ACE 2014/2015 "Mejor Espectáculo de Teatro y Poesía" y Nominación ACE 2014/2015 "Mejor Música Original". Tiene a su cargo desde el año 2014 la columna radial semanal "Novedades y recomendaciones literarias" en el programa "Que vuelvan las ideas", AM 750.  Desde el año 2012 es miembro del jurado en los Premios "Teatro del Mundo ", UBA. Desde el año 2015 forma parte del "Área de Investigaciones en Ciencias del Arte (AICA)" del CCC como Investigadora Asociada dedicada al tema de estudio "Relaciones entre teatro y poesía: El espectáculo teatral basado en el texto poético".  Desde 2016 es Investigadora en el Instituto de Artes del Espectáculo de la Fac. de Filosofía y Letras, UBA.

Ana María Cores:
Actriz y cantante de notable trayectoria en teatro, televisión y cine. Es una de las grandes figuras del musical argentino y del teatro de texto. Su versatilidad le ha permitido ofrecer su arte tanto para el público adulto como para los niños; en la comedia o en el drama.
Ha recorrido con sus espectáculos toda la Argentina, España, Colombia, México, Chile, Uruguay, Brasil, Paraguay, y Armenia, por citar solo algunos destinos destacados. A lo largo de su extensa carrera ha sido merecedora de los premios Trinidad Guevara, María Guerrero, Podestá, Konex, Hugo y Estrella de Mar , entre otros.
En teatro, encabezó decenas de espectáculos, tales como: " Como arena entre las manos", "La Novia de Gardel", "En Concierto", "Pijamas", "Juana Azurduy", "Canción de cuna para un marido en coma", "El conventillo de la Paloma", "El mágico mundo de las sombras", "Sor-presas", "Aquí no podemos hacerlo", "Universexus", "Arráncame la vida", "El imaginario", "Locos ReCuerdos", "La Vuelta a Manzana", y "Vivitos y coleando", entre muchos otros. En televisión, se destacó en éxitos como "Por amor a vos", "Mi Lady", "Corazón de tiza", "Marco el candidato", "Hombres de Ley", y "Compromiso".

Gustavo Pardi:
TEATRO: "Dignidad" (Maipo); "Un hombre equivocado" (Cervantes); "Sacco y Vanzetti" (Cervantes); "Los áspides de Cleopatra" (San Martín y temporada en Madrid); "Poeta en Nueva York" (Cooperación, Madrid y Montevideo); "El organito" (Teatro de la Ribera). CINE: "Rebobinado" ; "Tríada" ; "Exomologesis" ; "Testigo íntimo" ; "El cielo del centauro" ; "Yo sé lo que envenena" ; "Eso que llaman amor" ; "El karma de Carmen" ; "Contra Paraguay" . TELEVISIÓN: "El marginal" (TV Pública); "El Otro" (TV Pública); "Germán últimas viñetas" (TV Pública); "Sos mi hombre" (El Trece); "Farsantes" (El Trece). PREMIOS: Mejor actor largometraje (Festival Chascomús), Cine con Riesgo: Mejor actor; ACE (nominado): Mejor actor de reparto; Florencio Sánchez: Mejor unipersonal; ACE (nominado): Actuación en unipersonal; ACE (nominado) Revelación masculina; Estrella de Mar: Revelación masculina; Comedia de Bs. As.: Mejor actor.

Florencia Carreras:
Actriz. Estudió Licenciatura en Actuación en el IUNA, con Cristian Drut, Analía Couceyro y Eugenio Soto.  Dentro de la obras teatrales en las que trabajó se destaca " No inventes lo que no quieras que exista " unipersonal en donde se encargó de la selección y adaptación de los textos y por el cual ganó dos premios como actriz revelación Luisa Vehil 2015 y Planeando SOBRE BUE 2014.  En 2015 trabajó en la re-apertura de Teatro Caminito bajo la dirección de Lautaro Vilo en "Los veraneantes" y en 2016 estrenó en el CCKONEX bajo la dirección de Juan Manuel Correa  "Antígona" de Sófocles, adaptación Carnelli/ Ure. Desde sus inicios trabajó en publicidad y lleva realizadas diversas participaciones en cine y TV.

Mariano Dossena:
En su rol de director se destacan los siguientes trabajos:  "Absorta y Desnuda", propuesta sobre el universo poético de Leonor García Hernando, protagonizada por Ingrid Pelicori, Leonor Manso, Muriel Santa Ana y Walter Quiroz, entre otros (Sala Tuñón, CCC, 2016) -espectáculo ganador del Premio Luisa Vehil "Mejor Música Original" y nominado en el mismo rubro para los María Guerrero - ;  "Las Tres Viejas" de Alejandro Jodorowsky, con Moria Casán, Alejandro Paker y Marko Vega (Teatro El Picadero); "La que besó y la que no besó " de Maruja Bustamante (CCC); "Sacco y Vanzetti " de Mauricio Kartun (Teatro Nacional Cervantes) -espectáculo con nueve nominaciones a los Premios Estrella de Mar y dos nominaciones a los Premios ACE -; "Poeta en Nueva York" de Federico García Lorca (CCC)  -espectáculo con diversas nominaciones a los Premios ACE , Florencio Sánchez y Teatro del Mundo -; "El Otro Judas" de Abelardo Castillo (CCC) -espectáculo con tres nominaciones para los Premios María Guerrero -; "Petrona, una delicia teatral "; "Espectros "(CCC) -espectáculo con una nominación "Mejor Director 2011" para los Premios María Guerrero y diversas nominaciones a los Premios ACE -; "Los invertidos" de José González Castillo (Teatro El Ex)  -espectáculo con cuatro nominaciones para los Premios ACE 2011 y del cual está preparando una Nueva Versión 2017 . Además se desempeña como docente especializado en teatro, en el Colegio Nacional de Buenos Aires (UBA) y en la Escuela Metropolitana de Arte Dramático.

Dios lo bendiga, señor Rosewater

Dios lo bendiga, señor Rosewater
Kurt Vonnegut
La Bestia Equilátera, 2017
Novela, 200 pp.

por Rubén Sacchi

La novela habla de una fortuna acumulada en la avaricia y en la especulación, en un escenario tan desgraciado como lo es una guerra civil. De una fortuna y de su feliz y particular heredero.
Como toda obra de Vonnegut, el humor y la gracia son los vehículos para exponer temas más profundos, realidades y miserias que hacen presa de los hombres, entragados a las prácticas más viles. Así, la corrupción estatal durante la Guerra de Secesión, enfrentada a la falsa imagen del “sueño americano”, del “país de las oportunidades”, deja expuestos los slogans en toda su crudeza.
Ese capitalismo incipiente ya evidencia las fórmulas que, no por vetustas, serán menos efectivas en el futuro, o sea hoy, como la respuesta patronal a “los ciudadanos honrados, industriosos y pacíficos (que) eran clasificados como chupasangre si pedían que se les pagara un salario para vivir”, mientras para sí mantienen el lema “agarra a cuatro manos o no conseguirás nada”.
Hay pasajes verdaderamente memorables, repletos de frases que pueden componer un compendio de clase, como la que un abogado refiere a un heredero: “...cómo una universidad se atreve a enseñar compasión sin enseñar historia” o la conversación entre dos adinerados: “La gente recibe lo que merece, no es verdad”; “Es la primera ley de la vida”, para rematar en la criada que  debía prestar juramento, diciendo: “juro solemnemente que respetaré la sagrada propiedad privada de los otros y que me conformaré con la posición que Dios Todopoderoso me asigne en la vida”. (...) ¿Qué más puedo hacer por mi patrón, mi república y mi Dios?”, coincidente con la idea burguesa de que “todo lo que hay de bonito en el mundo es un regalo que ellos o sus antepasados les dan a los pobres”.
Leyendo la historia, es inevitable preguntarse ¿por qué las clases altas se aterran y arremeten contra la solidaridad de quien se salta de vereda social? La respuesta la da el mismo Vonnegut, en boca de su personaje: “Nadie puede trabajar por lo pobres sin pensar en Marx de vez en cuando”.

Mala junta

Mala junta
Pablo Lerman
De los Cuatro Vientos Editorial, 2017
Novela, 254 pp.

por Rubén Sacchi

En El 18 brumario de Luis Bonaparte, Carlos Marx, observando una sentencia de Hegel, afirmó que “La historia se repite dos veces, primero como tragedia y después como farsa”. Hago esta observación porque Mala junta parecería estar hablando de estos días, aunque su autor la plasme a inicios del milenio y ligeramente posterior al levantamiento popular y crisis política que dejara un saldo de varios muertos y una marcada inestabilidad institucional.
Puede decirse que es una historia de perdedores, en un país en donde los ganadores conforman una casta mínima. Hay cuatro protagonistas delineados con precisión y sutileza: un ex montonero, quebrado ideológicamente; un aprendiz de brujo; un ex gerente de banco despedido y su insatisfecha esposa. Alrededor, otra buena cantidad de personajes que rondaron estas vidas y las marcaron.
El espacio que los une, su trabajo dentro de la industria farmacéutica, es la excusa para hablar de otras cuestiones del momento, como la brutal represión: “un bastonazo lo hundió en un mar de borceguíes policiales”; el desasosiego: “en este país, donde todo se pudre antes de brotar” o la agonía de un ser querido: “¿Cómo se mira a quien se muere? ¿con qué ojos se lo ve?”.
La historia, típica del cotidiano, se va tejiendo hábilmente para terminar atrapando al lector con una variedad de relatos secundarios y un clima subyacente que hace muy difícil abandonar la lectura.

Marx discípulo de Engels

Marx discípulo de Engels
Martín Mazora
UNSAM Edita, 2017
Ensayo, 168 pp.

por Rubén Sacchi

Hace años, cuando la aparición de la edición de Editorial Cartago del Anti-Dühring, un amigo me lo recomendó enfáticamente basado en la aseveración: “Engels es más marxista que Marx”. No me siento capacitado para aceptar o refutar tal sentencia, pero sí para concluir en la gran capacidad intelectual y la claridad para entender la profundidad de los conflictos sociales, que poseía el estudioso alemán.
Bajo la consigna “no hay testimonio ni documento, por solvente que pueda parecer, que no amerite una escrupulosa evaluación crítica”, el autor aborda el desarrollo de la teoría marxista, como subsidiada por su contemporáneo y amigo Federico Engels. Apela para ello a un análisis minucioso de declaraciones y acontecimientos que recorren los ricos años de la génesis de la ideología que cambiaría el devenir de la humanidad y las relaciones entre los individuos.
Mazora toma como punto de arranque el Esbozo de una crítica de la economía política, que apareciera publicado en el único número de los Anales franco-alemanes, en París, en febrero de 1844, obra considerada fundacional del socialismo científico.
El ensayo intenta demostrar como El esbozo..., junto a La situación de la clase obrera en Inglaterra, tratados teórico y empírico respectivamente, colocan la piedra basal al desarrollo de la teoría marxista y dan los elementos claves para la futura y vasta producción de quien pasara a la historia como fundador indiscutible de esa doctrina.

Dos de Gambaro



Dos de Gambaro
de Griselda Gambaro
Patio de Actores
Lerma 568, CABA
Viernes 20 hs.
Dureción: 60'
por Rubén Sacchi

En 1966, la polémica Yoko Ono escribía, para su performance Statement / Biography: “La gente siguió cortando las partes de mí que no les gustaban hasta que terminó por no quedar de mí más que la piedra que estaba en mí, pero esto no les pareció bastante y quisieron saber cómo era la piedra por dentro”. Ese poema vino automáticamente a mi cabeza durante la primera mitad de Dos de Gambaro, la que corresponde a Un viaje a Bahía Blanca. Allí, a modo de muñeca rusa, una actriz relata El viaje a Jonostrov del polifacético autor francés Boris Vian, pero su intento se frustra una y otra vez por la intromisión de una mosca.

La sorprendente creatividad de Gambado logra equilibrar con el insecto el otro platillo de la balanza emocional, que contiene toda la discriminación y la incomprensión humanas, representadas mediante el crimen y la tortura. Bondades del arte, donde desaparece la noción de peso específico y una medida de comedia mezclada con varias partes de drama, puede proporcionar una receta apetecible al paladar del espectador. La actriz, Silvana Seewald, despliega toda su versatilidad y profesionalismo alternando de manera contingente las historias y evidencia el profundo trabajo interior que la caracteriza.


“Le gustó el nombre, pero me lo cambió. ¿Y por qué no? ¿Qué importancia tiene un nombre? Cualquiera sirve” es el planteo de la segunda narración, a cargo de Lucía Castro que se ubica en un nivel actoral equiparable al anterior. Cuenta en primera persona la historia de María, una trabajadora doméstica “cama adentro” y la relación con sus patrones. En una ilación, en apariencia sencilla, despliega todo un tratado que instala el tema de la identidad y la propiedad privada, llevándonos al concepto bíblico del nombre como medio de apropiación con toda la connotación que esto supone si se lo aplica a una persona. Un fresco dramático, donde la relación laboral deja entrever cómo la lucha de clases subyace en toda acción de sojuzgamiento y su consiguiente rebeldía.

Interpretada con maestría, permite que la actriz exponga en el monólogo todas las pasiones que la atravesaron a lo largo de su experiencia como trabajadora, convirtiendo cada una de ellas en microficciones, para culminar en una toma de conciencia que delimita el papel de cada uno en la relación de poderes.

Para ambos trabajos hay un escenario compartido, sencillo y suficiente, que pone en funcionamiento la imaginación del público. Con la luz sucede otro tanto: buen manejo que activa y estimula la observación. El sonido acompaña la escena sin baches, completando una pieza altamente recomendable.


Elenco:

Silvana Seewald
Lucia Castro

Equipo:

Dirección: Sebastián Berenguer y Cristian Thorsen
Vestuario: Vera Rinaldi
Escenografía: Henry Cufre
Asistente Coreográfica: Elena Fuster
Diseño gráfico: Diego Berenguer
Maquillaje: Celeste Giraudo
Diseño sonoro: Sebastián Berenguer
Prensa: Ana Quiroga


Sobre la autora:

Griselda Gambaro (1928)
Novelista y dramaturga, ha escrito obras teatrales, novelas, cuentos para niños y ensayos. Algunas de sus obras teatrales más representativas son: Los siameses, El campo, La malasangre, Antígona furiosa, La señora Macbeth, La persistencia, Del sol naciente. Entre sus últimas obras literarias: Lo mejor que se tiene, El mar que nos trajo y Promesas y desvaríos. Traducida a diversos idiomas, ha publicado en Estados Unidos, Polonia, Alemania, Inglaterra, Francia y Brasil.
Fue la primera autora mujer en inaugurar la Feria del Libro de Buenos Aires y la internacional de Frankfurt con Argentina como invitada de honor. Ha sido distinguida con el Premio Nacional y Municipal de Teatro, el Premio Universitario de Cultura (UNC), el Premio Atahualpa del Cioppo (España), el Premio Konex Teatro 1984 y 1994. Además, es Doctora Honoris Causa de la UNA y Ciudadana Ilustre de Buenos Aires.

Sobre los directores:

Sebastián Berenguer (Bahía Blanca, 1981)
Es director teatral, actor, músico y profesor de Artes en Teatro (Escuela de Teatro, Bahía Blanca). Se formó en dirección teatral con el maestro Augusto Fernandes, y en actuación con Eduardo Tato Pavlovsky, Beatriz Spelzini, Carolina González Antón, Cristian Drut, entre otros. Ha realizado cursos y seminarios de filosofía e historia teatral con Jorge Dubatti, y estudió Commedia dell Arte con Javier Tenías (Madrid, España).
Es fundador y coordinador del Espacio Cultural Independiente EPA (Bahía Blanca).
Ha dirigido numerosas obras teatrales: Tosco, la obra teatral, El títere, El Sr. Galíndez, El abrazo, Historia del zoo, El acompañamiento, Claustro, Feliz navidad, entre otras. En 2010 participó del homenaje a Tato Pavlovsky con la obra Las personalidades de Samuel Yunque, y en 2016, en el CCC, con Hombres, imágenes y muñecos, que se encuentra en cartel actualmente en la misma sala.
Ha obtenido el premio al mejor espectáculo teatral con las obras El abrazo (Guaminí, 2013) y La historia del zoo (Bahía Blanca, 2015).

Cristian Thorsen (Bolivar, 1981)
Es actor y director de teatro. Se formó con Raúl Serrano, Norberto Gonzalo y Beatriz Spelzini. Participó en ciclos televisivos, en cine y, en teatro, en obras como Tosco, la obra teatral, Hombres, imágenes y muñecos, Calígula, Decir si, El títere, Las paredes, entre otras.
Es socio fundador de la fundación Valta Thorsen, y dueño de las salas de ensayo Thorsen.
Ha recibido el premio a la Mejor Actuación en el Festival Adaptado, en Mar del Plata, por su protagónico en el monólogo Las manos de Eurídice, de Pedro Bloch. Con esta obra, además, fue seleccionado en 2016 para inaugurar la sala "Rafael Obligado" de la ciudad de Villa Gesell.
Fue galardonado por la Red Cultural Mercosur por su aporte a la cultura nacional e internacional, entregado por el Embajador de Uruguay en Argentina, Héctor Lescano.
Actualmente, se encuentra filmando la serie Matungo en la Ciudad de Buenos Aires.

Relatos verdes

Relatos verdes
Diego Vásquez
Ilustró: Nave
Sátira Ediciones, 2016
Cuento, 202 pp.

por Rubén Sacchi

No es un libro de los comúnmente llamados “cuentos picantes”, su título no se refiere a historias subidas de todo. Su denominación alude al color de la planta de cannabis y los textos se enmarcan en esa cultura milenaria, a la que un buen sector social intenta hoy reivindicar en sus diferentes usos.
Los relatos flotan en esa atmósfera voluptuosa que provoca el humo de la marihuana y, como tan, tiene idéntica consistencia: etérea. Pueden hablar de situaciones sensuales, violentas o introspectivas, pero estarán marcadas por esa otra lógica que el cerebro aborda bajo los efectos del THC.
Vásquez desarrolla una narrativa descriptiva, propia de un estado de ensimismamiento, con figuras interesantes, como en el coito: “murmullas alientos sobrantes, los sueltas, se van en forma de quejidos”. Le da a la marihuana un carácter litúrgico, emparentado a lo religioso, donde fumar “es justo y necesario”, asumiendo la insignificancia del hombre: “la vida no es más grande que la cordillera, y el mundo es más pequeño que los ojos de un gato”.
La luz es un factor omnipresente a través de la narrativa, quizás en asociación con la iluminación que conlleva una apertura mental bajo la llave de la droga. Relatos verdes propone una mirada diferente de la vida, en la que no cambia el paradigma capitalista y patriarcal contra la existencia, sino que modifica la forma personal de afrontarlo.

Vamo y vamo



Vamo y vamo
de Juan Freund
Teatro El Desguace
México 3694, CABA
Sábados 20 hs.

por María Antonacci García

Un hombre de mediana edad, ex ferroviario, ante una realidad económica que quiere marginarlo, encuentra una oportunidad en el Programa de Prisiones Privadas. Ofrece su casa, donde le instalan una jaula en la que ubican un preso, al que deberá cuidar y hacerle cumplir un riguroso reglamento. El preso al que debe vigilar debe purgar cinco años. Ramiro, el carcelero, quedó sin trabajo en aquellos tiempos en que un presidente decía: “ramal que para, ramal que cierra” y no pudo reubicarse en la economía formal, por lo que este nuevo programa le ofrece una salida para zafar de la miseria. El delito por el que detienen a Juan Pablo es absurdo, sin embargo, recrea lo cotidiano cuando el detenido es pobre y la policía y el sistema judicial se ensañan. A partir de la anécdota, se suceden conflictos humanos,  que muestran a los protagonistas como seres desamparados que tratan de sobrevivir como pueden. Se acumulan los recuerdos y la nostalgia mientras los espectadores pueden reconocer una realidad nacional de años atrás pero que hoy adquieren relevancia por repetirse para mal de todos. Finalmente, los hombres descubren que la solidaridad es lo único que podrá hacerlos superar tantos males. La pieza tiene mucho humor, por lo que se hace más llevadera la denuncia de terribles realidades socioeconómicas.

Los actores llevan adelante sus personajes con solvencia, compartiendo el dramatismo y la picardía, logrando la emoción de la platea en la salida fraternal que los une.

Su autor, Juan Freund, nació en Alemania y es sobreviviente de los campos nazis de exterminio. Luego de huir junto a su madre recaló muy joven en Argentina y se dedicó al teatro en el campo de la actuación, la dirección y la dramaturgia. Llevó a escena más de 30 obras, muchas de ellas propias. La anécdota de vamo y vamo es actual, muy recomendable.


Actúan: Rubén González, Pablo Trevisán


Autor: Juan Freund
Escenografía y vestuario: Vamo Y Vamo
Diseño de luces: Nadia Farías
Diseño De Sonido: Lautaro González
Diseño gráfico y fotografía: Inés Viqueira 

Director asistente: Macarena González
Dirección general: Sergio Simcovich

Almas roñosas

Almas roñosas
De Guillermo Farisco
Espacio Gadí
Av. San Juan 3852, CABA
Sábados, 20:00 hs
Duración: 70’

por María Antonacci García

En los años 90, con la aplicación de políticas neoliberales y sus nefastos resultados económicos para la mayoría del pueblo, un pequeño porcentaje de los argentinos que aún conservaba su trabajo viajaba de vacaciones al exterior, especialmente a Miami, en lo que más parecía un tour de compras. Allí se había hecho famosa la frase “deme dos”, utilizada por los viajeros que, aprovechando la ganga del dólar barato, el también famoso “uno a uno”, se aprovisionaban de electrodomésticos a precios irrisorios, mientras nuestra industria se iba a pique de forma vertiginosa. Mientras la corrupción
era moneda corriente, los funcionarios y sus amigos se convertían en “ganadores” ante la mirada sonriente y cómplice de esa clase media que traía televisores color del país del norte. En esos años continuó y se agrandó a límites insospechados, la cantidad de desocupados endémicos que había comenzado con la dictadura. Los gobernantes festejaban con pizza y champagne, a la vez que con sus medidas económicas dejaban fuera del sistema a millones de trabajadores. El estado ya no era solidario con los necesitados, sino que fomentaba la ruptura del tejido social y apostaba al individualismo feroz.
Esos años fueron la fuente de inspiración para Guillermo Farisco quien, con mucho humor, encaró la realidad de la época. Retrató a una pareja dispuesta a dejar de lado valores morales y afectos con tal de conservar un modesto hotelito en un pueblo de provincia, que apenas les da lo necesario para comer. Ante la aparición de un pasajero, al que deben tratar muy bien porque parece que es el único en mucho tiempo, las reacciones de los dueños se suceden, nerviosas y desopilantes, sobre todo las de la mujer, Amenita, quien recuerda un viejo hecho que la perturba y recurre a los más extraños ritos para exorcizarlo. Su marido, un pobre hombre carente de carácter y energía, intenta tranquilizarla, sin éxito. Los tres personajes, más uno que no aparece pero que está presente rigiendo todos sus actos, establecen un juego de enredos que divierte sostenidamente a la platea, a la espera ansiosa del desenlace.
Es de destacar el notable trabajo y la solvencia con que se resuelven las escenas. Lucrecia Rodríguez, en el rol de Amenita, transita por diversos estados de ánimo manteniéndose dinámica durante toda la obra. El esposo, Alejandro Gennuso, de hombros caídos y arrastrando los pies, demuestra cabalmente su rol de hombre sumiso y resignado. Juan Pablo Mathet es el altanero personaje de ciudad, sobrador, y mundano. La escenografía y las luces son sencillas y adecuadas al lucimiento de los actores.
Es un acierto de su director, Javier Ulises Maestro, elegir una vez más esta obra, que él mismo estrenó en 2004, tan actual como cuando fue concebida.

Elenco:
 
Alejandro Gennuso
Juan Pablo Mathet
Lucrecia Rodriguez

Equipo:

Dramaturgia: Guillermo Farisco
Maquillaje: Eliana Soto
Fotografía: Alejandro Vinué
Diseño gráfico: Papyros Digitales, Matias
Palacio
Dirección: Javier Ulises Maestro
Web: http://www.almasroñosas.com

La noria

La noria
Jorge A. Colombo
Grupo Editor Latinoamericano, 2016
Poesía y cuento, 200 pp.

por Rubén Sacchi

Es lógico que quien se lamenta "¿por qué no acabó todo/ cuando aquel anfibio/ subió a la tierra/ por primera vez?" profiera la amenaza "juzgaremos a todos/ los que vendan su alma/ a un Dios". Es lógico porque tales dichos son versos de un hombre de ciencia, terreno este que, bien se sabe, disputa a lo divino un mismo espacio donde sólo hay sitio para una de ambas disciplinas.
También es lógico que, quien más elementos maneje de la sapiencia sobre el cerebro humano, se enfrente al desánimo y la incertidumbre ante tamaño desatino que es su accionar sobre el ámbito que le dio cobijo y alimento.
Lo que no es tan frecuente es que un neurocientífico vuelque toda su sensibilidad en la literatura y la transforme en un vehículo que transporte aquellas emociones que escapan a las ciencias exactas. Es que Jorge Colombo se expresa en el papel como un acabado humanista que (y se) interroga de manera permanente acerca de la especie a la que pertenece, volcando en esa masa de contradicciones todo el amor y el odio que los seres le inspiran.
En sus textos arremete contra la crueldad humana, la injusticia, la impiedad. Inventa una metáfora de todo el sufrimiento humano a lo largo de “la breve historia de la cruel y despiadada civilización humana” y la ubica en la atmósfera, apuntando a nuestras cabezas provocando una lluvia de sangre. La denomina “energía doliente” e intenta, en esa figura, dar cuenta de los innumerables crímenes que el hombre comete contra sus semejantes.
El volumen reúne buena parte de la lírica y la prosa breve del autor. Un interesante trabajo que busca proveer de “un remanso de fuerza, de vigor, de belleza o dulce alimento a nuestras marchas tenues y transitorias, aunque nos parezcan heroicas y definitivas desde la ridículamente pequeña burbuja de nuestro tiempo individual”.

Una nueva aventura de Irene Adler

Una nueva aventura de Irene Adler
Osvaldo Lamborghini y Dodi Scheuer
La Bestia Equilátera, 2017
Novela, 152 pp.

por Rubén Sacchi


Luis Chitaroni, a cargo del prólogo, escribe que Osvaldo Lamborghini es "el mejor narrador lirico", lo que resulta una acertada aproximación a su escritura.
El texto, concebido como un guión cinematográfico en 1974, cayó en la vorágine del olvido y fue rescatado por Dodi Scheuer, quien fuera su coautor, a instancias del editor, realizando un maravilloso trabajo de compaginación y cuidado en tiempo récord.
La filosofía impregna el texto que aparentemente estructura una historia de espionaje e intrigas palaciegas, que incluye todos los elementos del género y ubica en el protagónico a Irene Adler, personaje de Escándalo en Bohemia, primera historia de la saga de Sherlock Holmes, obra de Arthur Conan Doyle. Entre otros párrafos de notable actualidad leemos: "El futuro es siempre inverosímil.
Ese es su secreto"
, para agregar: "Ellos no procuraban como nosotros construir el olvido del carácter catastrófico de la vida", llevando el mero policial a planteos mucho más metafísicos.
También arremete contra la prensa amarilla: "Cuando no saben qué imprimir, siempre producen un nuevo testigo o alguna hipótesis más o menos ingeniosa o intencionada".
El final es una gran metáfora, como toda la obra de este gran escritor, ¿la vida es un circo? ¿somos todos figurantes en un inmenso teatro? Seguramente que, para elaborar estas líneas, el autor tuvo en mente aquella desesperanzadora figura discepoliana: la Biblia junto al calefón.

Hombres, imágenes y muñecos

Hombres, imágenes y muñecos
de Eduardo Pavlovsky
Centro Cultural de la Cooperación
Sala Raúl G. Tuñón
Av. Corrientes 1543, CABA
Del 25 de marzo al 13 de mayo
Sábados a las 22:15 hs.
Duración: 60'.

por Rubén Sacchi

No creo en las casualidades. Diversas causas, sí, pueden generar coincidencias producto de esa ley tan estudiada por los matemáticos, la Ley de Probabilidades, que el común de los mortales llamamos azar y al que nos entregamos resignados. Hablaba de coincidencias y no es menor el observar que, a horas de recordado el 41º aniversario de la última dictadura argentina, se estrene Hombres, imágenes y muñecos, obra del dramaturgo Tato Pavlovsky, en la que los poderes militar, eclesiástico y civil, pilares de aquel genocidio, son los protagonistas.




Un prestidigitador ¿ruso? que pide apagar los teléfonos celulares es el personaje ideal para que, "nada por aquí, nada por allá" mediante, todo pueda suceder. Y es así, porque la pieza en cuestión se inscribe en el género teatral del absurdo, pero dentro de la corriente vanguardista que sobrevoló la escena en los años 60.

Con sólo un mes en cartel, luego de su estreno en 1963, fue dejada en el olvido hasta que el investigador Jorge Dubatti la rescatara, junto a Camello sin anteojos, Circus-loquio, obras del mismo período, y la novela Dirección contraria de 1997, en el tomo VII de Teatro Completo (Atuel, 2010). Más de medio siglo no pudo envejecer el mensaje que atraviesa la obra, algo que no habla bien de nosotros como sociedad, en tanto las relaciones se basan en dominación y sometimiento.

Hombres como autómatas; muñecos como hombres y, por sobre todo ello, imágenes que crean el verdadero imaginario colectivo. La obra difumina las existencias y los protagonistas pasan a confundirse con títeres sin que pueda precisarse la identidad de quien manipula las marionetas. La práctica de la deconstrucción del lenguaje evidencia cómo dos procesos antagónicos pueden regirse con idéntico discurso, tal un cuadro que incluye en paralelo la toma de una fotografía y un fusilamiento. Pese a ser definida por el autor como "la más fragmentada" de sus obras, un hilo conductor evita que las diferentes situaciones aparezcan como inconexas o aisladas.

El trabajo técnico resulta impecable, con luces y sonido precisos y un vestuario por demás adecuado que refuerza la imagen que se intenta representar. La escenografía exhibe el minimalismo propio de un retablo en el que, más que el entorno, se hace hincapié en los muñecos y lo que estos generan en el espectador. Sin embargo, la frutilla del postre es el excelente trabajo actoral. No es fácil mostrar la torpeza y limitación de un fantoche con la destreza de movimientos necesaria para simularlas, mientras los rostros mantienen esa expresión de inocencia y perversión que dan una sensación ambigua a la platea y hablan de un gran trabajo de ensayo y marcación, delicia para quienes vemos la transpiración previa a cada función.

Hombres, imágenes y muñecos, como todo el teatro de este genial y comprometido dramaturgo, no es una obra fácil. Es teatro de vanguardia que aún hoy rezuma una fresca actualidad. Recomendable para tiempos en que toda la producción mediática ofrece productos ya masticados y digeridos, que pueden resultar ideales para bebés pero no para adultos que conocemos bien los estómagos de los que provienen.



Elenco

Juan Barreiro
María Fernández Vocos
Ramiro Gatti
Silvana Seewald
Cristian Thorsen

Equipo

Dirección: Daniel Dibiase - Sebastián Berenguer
Vestuario: Vera Rinaldi
Diseño de Luces: Matías Noval
Diseño Sonoro: Sebastián Berenguer
Utilería y arte cinético: Omar Mac Dougall
Prensa y comunicación: Ana Quiroga


Sobre el autor

Eduardo Tato Pavlovsky (Buenos Aires, 1933 - 2015)

Eduardo “Tato” Pavlovsky es uno de los máximos referentes del teatro político del siglo XX en Latinoamérica y uno de los grandes inspiradores teatrales. Su mirada de la realidad, la sensibilidad y el compromiso político-social de sus obras, y la imponente presencia escénica en sus actuaciones hacen de este director, actor y psicodramatista argentino un personaje emblemático de nuestra historia.
Tato Pavlovsky comienza su carrera como teatrista en los 50, y hacia el final de la década inicia su formación teatral en el instituto Nuevo Teatro, donde conoce a sus tres grandes profesores: Boero, Asquini y Conrado Ramonet.
En 1957 ve Esperando a Godot, de Samuel Beckett, en versión de Jorge Petraglia. Al descubrir la vanguardia, Pavlovsky, junto con otros compañeros, forman el Grupo Yenesí, en el que trabajarán autores como Arrabal, Ionesco, Beckett, Gámbaro.
Sus primeras obras son La espera trágica, escrita en 1961 y Somos, estrenada en 1962, a partir de las cuales se comienza a hablar de su teatro como “Teatro Total” o “Teatro del absurdo”: Por tal, Pavlovsky entendía un teatro de búsqueda, de intensidades, “que intente representarnos más auténticamente en nuestra realidad cotidiana, tan ajena de mensajes y discursos grandilocuentes”.


Sobre los directores

Daniel Dibiase (Buenos Aires, 1958)

Es actor y director de teatro. Comenzó sus estudios teatrales a principios de los 80 con Lito Cruz y Augusto Fernandes.
Como actor, participó en obras teatrales como “Marat Sade”, “Caligula”, “Galileo Galilei”, “Los indios estaban cabreros”, “La venganza de Don Mendo”, “El jardín de los cerezos”, “Escrito en el barro (Otelo)” —por la que fue nominado al premio Trinidad Guevara en 2007—, “Hamlet, el señor de los cielos”, “Alguien velará por mí”, “Te llevo en la sangre”, “Judith”, “El ángel del subsuelo”, “Amarillo”, “Tosco, la obra teatral”, “Todas las rayuelas”, bajo la dirección de Maestros como Rubén Szuchmacher, Villanueva Cosse, Rubén Pires, Andrés Bazzalo, Judith Enrique Dacal.
En cine actuó en “Moebius”, “Pizza, birra y faso”, “Garaje Olimpo”, “Crónica de una fuga”, “El manto de hiel”, entre otras, y en televisión participó en “De corazón”, “La nocturna”, “Vulnerables”, “El sodero de mi vida”, “Soy gitano”, “Chiquititas”, “Rebelde way”, “Dulce amor”, “Patito feo”, “Camino al amor”, “Entre caníbales”.
Ha dirigido obras como “Medea material”, “El jardín de los cerezos” y, en 2016, en el CCC, “Hombres, imágenes y muñecos”.
Del 2008 al 2014 fue coordinador Pedagógico de la Escuela de Formación Actoral del Municipio de Morón, y del 2014 al 2015 fue Director del Teatro Municipal de Morón “Gregorio de Laferrere”.


Sebastián Berenguer (Bahía Blanca, 1981)

Es director teatral, actor, músico y profesor de Artes en Teatro (Escuela de Teatro, Bahía Blanca). Se formó en dirección teatral con el maestro Augusto Fernandes, y en actuación con Eduardo Tato Pavlovsky, Beatriz Spelzini, Carolina González Antón, Cristian Drut, entre otros. Ha realizado cursos y seminarios de filosofía e historia teatral con Jorge Dubatti, y estudió Commedia dell Arte con Javier Tenías (Madrid, España).
Es fundador y coordinador del Espacio Cultural Independiente EPA (Bahía Blanca).
Ha dirigido numerosas obras teatrales: “Tosco, la obra teatral”, “El Títere”, “El Sr. Galíndez”, “El Abrazo”, “Historia del Zoo”, “El Acompañamiento”, “Claustro”, “Las personalidades de Samuel Yunque”, “Feliz navidad”, entre otras. En 2010 participó del homenaje a Tato Pavlovsky con la obra “Las personalidades de Samuel Yunque”, y en 2016, en el CCC, con “Hombres, imágenes y muñecos”.
Ha obtenido el premio al mejor espectáculo teatral con las obras “El Abrazo” (Guaminí, 2013) y “La historia del Zoo” (Bahía Blanca, 2015).

Sucesos Literarios Argentinos

Sucesos Literarios Argentinos
de Ana María Bovo
Centro Cultural de la Cooperación
Floreal Gorini
Sala Solidaridad
Av. Corrientes 1543, CABA
Domingos 20 hs.

por Rubén Sacchi

Una "librería de viejo" de la "calle que no duerme" es el espacio donde transcurre una historia que alberga otros seis vástagos. Esos establecimientos que los brasileños denominan más acertadamente "librería de sebo", haciendo referencia a la grasitud que, dedo tras dedo, quedó en sus páginas testimoniando la comunión de ese objeto con el hombre, eso que dio sentido a su existencia.
Allí, en el sótano, una empleada remeda la resistencia que Ray Bradbury pensó para los personajes de Fahrenheit 451 memorizando textos en vías de extinción que, ya sea por aplicación del canon de moda o vaya a saber por qué capricho editorial, no volverán a reeditarse. El fuego y el agua son dos elementos letales para esos volúmenes pero, como cualquier suceso que acontezca, están a merced de una plaga superior: el olvido.
Es una interesante propuesta que escapa al esquema tradicional de la narración oral, incursionando en el teatro en una suerte de caja china. Un decorado frugal, pero acorde permite jugar con paneles móviles y un manojo de objetos que ambientan perfectamente la escena, dejando a la narradora reposar sus pies en dos tomos de la mítica enciclopedia Monitor, que Salvat entregara en fascículos allá lejos, en los años 60.
La iluminación y el sonido acompañan muy bien la historia, reforzando un clima de profundo y placentero trabajo intelectual, en el que fluyen textos de Angel Vargas, Esther Cross, Daniel Moyano, Juan José Saer, Javier Villafañe e Isidoro Blaisten, que dan lugar al drama y a la risa sin solución de continuidad. Bovo, además, deja espacio para algunas menciones "al paso" y una recomendación especial: un escondido local, antes de Zivals, con una escalera de mármol, donde se consigue el long play de José María Vilches, recitando a Antonio Machado.






Los amantes de la literatura y la narración, seguramente se sentirán a sus anchas asistiendo a las funciones, pero también las disfrutarán quienes deseen experimentar una nueva oferta narrativo-teatral que les acerque otras voces y les siembre, indefectiblemente, la curiosidad por ahondar en las obras de los escritores referidos, lo que se traduce como el verdadero triunfo del narrador oral. 


Ficha técnico artística:

Autoría: Ana María Bovo
Actúa: Ana María Bovo
Diseño y realización de escenografía: Lina Boselli
Diseño de luces: Pigu Gomez, Carolina Rolandi
Fotografía: Pigu Gomez
Comunicación visual - CCC: Claudio Medin
Asistencia técnica: Josefina Darriba
Asistencia de dirección: Paula Broner, Bernardo Sabbioni
Producción ejecutiva: Paula Broner, Bernardo Sabbioni
Dirección general: Ana María Bovo
Prensa: Marcos Mutuverría - DucheZarate

ANA MARIA BOVO
30 años de profesión


En 2017 Ana María Bovo celebra 30 años de su labor profesional como  narradora de historias.

Desde sus primeras funciones en el subsuelo de la mítica librería Gandhi, aprendió que la paciencia es atributo fundamental para esta tarea, sobre todo, siendo una de las pioneras del género en la Argentina. Se dedicó entonces a esperar el "boca a boca" que replicara en la calle lo que ella hacía en el subsuelo, y así , poco a poco, fueron llegando sus primeros espectadores y tres años después , las primeros críticos.
Allí en Gandhi impartió también sus primeros Talleres de Narración Oral , y trabajó en la adaptación y reescritura de textos literarios para trasponerlos a la oralidad.
Desde entonces y tras recorrer muchos otros escenarios como por ejemplo  el del CCC y el del Maipo,  ha profundizado sus búsquedas.
Debutó como directora teatral con Emma Bovary, protagonizada por Julieta Díaz,.
Como dramaturga : incursionó en una dramaturgia propia para sus espectáculos Hasta que me llames, Así da gusto, Maní con chocolate y Humor Bovo.
Como autora: editó su primera Novela Rosas colombianas con EMECE y sus dos audio- libros Cuentos de humor y amor.
Como docente: fue fundadora y directora de La Escuela del Relato y actualmente, investiga y enseña  su métodología de trabajo orientada a un Teatro del Relato.

En 2017, repondrá su obra Sucesos literarios argentinos.
Publicará su segunda novela : La mujer del tiempo, en Emecé.
Realizará una retrospectiva de su obra.
Estrenará un espectáculo acerca de lo que los cineastas llaman "El toque Lubitch".
Abrirá sus talleres de narración oral con innovaciones pedagógicas.

Entre sus premios figuran:
Premio Konex de Platino por trayectoria en unipersonal (2001- 2011)
Premio ACE por unipersonal en Maní con chocolate.
Premio Pregonero por su trayectoria como narradora oral.
Premio del Espectador al Artista del Año.
Todos sus espectáculos fueron nominados, sucesivamente, a los premios ACE, Clarín y Teatro del Mundo.